La gente de la Universal

La gente de la Universal es una comedia genial de Felipe Aljure que seguramente no crean pero se hace con el puesto de mejor peli colombiana dentro de mi calificación personal. Una pieza que sortea todas las dificultades posibles en este medio colombiano tan difícil para el cine. Desde filmarla y tener que guardarla para esperar su salvación con la Ley del Cine, lanzarla, ganar 6 premios y perder todos los derechos de regalías. Una serie de injusticias y de penurias que no creo que pasen sólo en nuestro país pero que si sufren con frustración casi todos nuestros directores.

Más complicado que eso, decidimos verla con un grupo de amigos este fin de semana, la buscamos por cielo y tierra y no la encontramos. Ni pirata ni legal. Nada, desaparecida completamente del medio y de cualquier alcance. Una lista de YouTube nos salvó el plan pero maltrató muchísimo la fotografía y algunos delicados detalles del fondo que aportaban mucho a la narrativa. Al final nos divertimos más acordándonos de los pedazos importantes, de las frases que estructuran los chistes y de lo bien armadita que esta la peli. Desde ya me pongo en la tarea de buscarla, digitalizarla y prestársela a cualquiera de ustedes que la necesite cuando lo haga.

Para mi la peli es una suma de excelentes ítems: Guión, dirección, reparto (Álvaro Rodríguez, Jennifer Steffens, Robinson Díaz), edición y composición original de música y sobretodo fotografía (Gonzalo F. Berridi) y montaje (Antonio Pérez Reina). Una estricta lógica de continuidad de tomas armadas concienzudamente dan una sensación del producto más profesional que la industria del cine haya desarrollado. No hay efectos ni pretensiones tan sólo la inquietud de una buena historia narrada en un espacio audiovisual para el deleite de nuestros ojos.

Para los que estén interesados, les dejo los apuntes que hice en la sesión del pasado sábado:

Pielroja. Publicidad Pielroja. Modelo Pielroja. Aceite de Oliva Carbonell. Modelo Carbonell. Cámaras. Continuidad. Halcón Maltés. The Maltese Falcon. Film Noir. La risa de la infidelidad. El torcido. El chanchullo. Cobro 60 doy 40, cobro 250 doy 120. Para que pagar impuestos, para que darle de comer al gobierno, que mejor coma el perro. Las bolas de Gastón. Las bolas de Gastón las cogía todo el mundo. Violencia intramarital, violación intramarital. Referencias gráficas con Condorito. Juego de palabras, juego de cámaras, juego de tomas. Dolly. Steadicam. Recursos de cámara muy sencillos y audaces. Jaula sobre la cámara. Álvaro Rodríguez, Jennifer Steffens, Robinson Díaz. Gonzalo F. Berridi director de fotografía de La Ardilla Roja, Los Amantes del Círculo Polar, Airbag.

Naked Lunch

Hay pelis extrañas de David Cronenberg y esta Naked Lunch. Una historia llena de trucos, giros y alucinaciones que descompensa cualquier brote de cordura de los espectadores. Voy a necesitar mucha ayuda de quien la quiera proveer, la baja puntuación de esta peli tan sólo puede ser comparada con la ignorancia mía sobre el tema. Mis más sinceras disculpas pero pues la peli está basada en la novela homónima de William S. Burroughs que no he leído, que a su vez fue la pieza que demarcó el estilo de este autor y su afiliación al movimiento «Beatnik» que no conozco mucho tampoco. Lo que pude averiguar es que Jack Kerouac le ayudó a Burroughs con el nombre y Allen Ginsberg en la compilación del texto (ambos motores de este movimiento) y se refiere el autor a la descripción más cruda y simple del acto de comer.

En fin, William Lee (que es es el seudónimo de Burroughs) es un exterminador de bichos que descubre que su esposa empieza a agotar sus existencias de material pesticida mediante su consumo exagerado como droga alucinógena Este primer contacto en la historia con los personajes y su adicción al veneno de cucarachas es chocante pero no tanto como la subsecuente alucinación casi «kafkiana» de bichos, artrópodos y coleópteros. La historia continúa y el nivel de paranoia aumenta, los bichos empiezan a abundar y sus formas son cada vez más fálicas, más rectales, más absurdas por lo mismo más interesante.

Peter Weller interpreta a Lee que se deja cautivar por los narcóticos y se involucra en una conspiración surrealista; conspiración que lo incita a jugar con la vida de su esposa, donde los bichos lo empiezan a presionar hasta la locura y donde Ian Holm se vuelve parte de la contra-conspiración en un juego interesante de diálogos, realidades paralelas y de nuevo el uso de los doppelgänger donde Judy Davis interpreta a la esposa de Weller y a la esposa de Holm.

Cronenberg logra muy buena aceptación con esta peli. Su equipo de los cuatro fantásticos (Shore, Suschitzky, Sanders, Cronenberg) recogen también sus reconocimientos. Logran nominación al Oso de Oro de Berlín, mejor guión para Cronenberg en Boston, Londres, Nueva York y arrasaron en los Genie. Sería demasiado impertinente por parte de mi ignorancia no recomendarla.

Delicatessen

Jean-Pierre Jeunet hizo muchos cortos antes de lanzar su primer largometraje Delicatessen en 1991. Los primeros animaciones reconocidas por sus premios en las cuales trabajó con Marc Caro en cinematografía y montaje, los últimos cortos eran argumentales donde él mismo actuaba y en el último de sus cortos Foutaises de 1989 se unió a Dominique Pinon que de ahí en adelante se volvió su actor fetiche.

Los tres, Dominique Pinon, Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet definen en Delicatessen la estética y el argumento de lo que en principio es una farsa pero mucho más importante el principio de la estética y rúbrica que definen a uno de los directores más divertidos del cine contemporáneo. Tal vez, su última peli Micmacs à tire-larigot sea un tanto más de lo mismo y se empiece a sentir el cansancio en su creatividad con un sentido iconoclasta en sus imágenes pero nadie puede negar que las sonrisas son parte esencial de una visita al cinema cuando Jeunet dirige la peli.

Delicatessen seguramente no sea su mejor obra aunque definitivamente si es la que más reclama culto por parte de sus admiradores. Y no es para menos, para los que no conocíamos a fondo el cine francés, para los que la fantasía se debatía entre Terminator 2 y Viaje a la s Estrellas la afiliación hacia un género costumbrista, anacrónico y descabellado era casi que inmediata. Puedo afirmar que Delicatessen no es la mejor peli de Jeunet porque estaba madurando su acompañamiento musical, estaba experimentando con secuencias de imágenes que le proporcionaban ritmo, continuidad, humor, secuencia, y estaba definiendo sus cámaras y su fotografía que permanecerían casi invariables durante todo el resto de su portafolio. Sin embargo los rasgos de genialidad saltan a la vista en esos mismos experimentos, el concierto de chelo y serrucho, el ritmo visual y musical generado por la orquesta de cotidianidades cuando el carnicero está tirándose a su vecina o la ingeniosidad para crear los diferentes artilugios de cada personaje casi como elementos de su propia personalidad.

Siempre pensé que me encantaban los títulos de presentación de Napoleon Dynamite o Nacho Libre, los consideré realmente sofisticados en The Royal Tennembaums y pintorescos en Amélie pero no llegué a pensar nunca que eran parte de un gran estilismo creado por Jeunet desde siempre.

Delicatessen no es sólo una pieza recomendada, es una pieza que no debe faltar en nuestras videotecas 😉

The Fisher King

Sigamos hablando del señor Gilliam qué carachas. Digamos que The Fisher King es convencionalmente una peli muy del director pero muy difícil de clasificar en un género como tal. Puede ser una comedia con una moraleja de autosuperación, puede ser un drama psicológico ambientado en Nueva York, puede ser un pobre relato de hadas con canción y todo, puede ser una peli bonita de romance o puede ser un melodrama clásico. Sin embargo, no es ninguna de las anteriores.

Es una conmovedora historia de amor envuelta en la locura de un neoyorquino bajo la batuta y estética de este querido director. Por mucho tiempo fue mi peli favorita en la universidad y me inspiró a escribir mucho (tanto que gracias a ella tengo un prólogo y dos capítulos inconclusos de una novela – pero eso realmente no viene al caso). Lo que más me gusta es el personaje épico del Caballero Rojo, una armadura flameante en pleno Nueva York acosando la psique de Robin Williams. Lo otro que me llama mucho la atención es la narración paralela en los recuerdos de este personaje, lo digo porque a medida que avanza la peli y nuestro morbo nos vamos adentrando al problema impactante del personaje hasta quedar perplejos, casi catatónicos.

Su reparto lo encabeza Jeff Bridges sobrio, desarrollándose con la historia y Williams tierno, encantador, desquiciado nudista en el Central Park. Pudiera decir que el reparto lo completan Mercedes Ruehl, Tom Waits, Michael Jeter pero hay que reconocer que todo el peso dramático de esta cuasi comedia cae sobre La Ruehl que buena actuación (celebrada por los Oscar que la vió como mejor actriz de reparto).

Las cámaras de Roger Pratt, las locaciones, incluso la locura y sus manicomios se vuelven enlaces temáticos de Terry Gilliam que extrañamente no está en el equipo de escritura de este proyecto. Después fascinado, me imagino, puso a Bruce Willis y a Brad Pitt en la misma situación, pareciera que en el mismo manicomio en Twelve Monkeys.

Night on Earth

Night on Earth es la cuarta peli de Jim Jarmusch que fue realizada en 1991. Anoche me la ví en DVD, después que me llegaran en versión Criterion Collection, esta y otra más.

De no ser por los costos de producción para montar las filmaciones en Los Angeles, Nueva York, París, Roma y Helsinki se podría decir que es una peli de corte serie B de bajo presupuesto. Es de saber que muchos de los actores que trabajan con Jarmusch no necesarimente cobran sus astronómicos sueldos cuando trabajan al lado de él y por eso podemos encontrar en esta peli a Gena Rowlands, Winona Ryder o el mismo Roberto Benigni. Aparte de ellos se puede reconocer a Giancarlo Esposito (Do The Right Thing), Armin Mueller-Stahl (Eastern Promises), Isaach De Bankolé (Casino Royale) y Béatrice Dalle (la bellísima Betty Blue) lo que la cataloga de una como una peli independiente (indie).

Jarmusch nos tiene acostumbrados a una sensibilidad filosófica por la humanidad y los interrogantes existencialistas que esta se hace. Esta peli no es la excepción, cinco taxistas exploran sus planes de vida, sus principios fundamentales, sus morbos, sus miedos, sus rabias, sus creencias y nos esplican que el mundo no es diferente para nadie, que tan sólo somos seres que aleatoriamente fuimos repartidos en un uso horario específico.

Muy parecido a Wenders, Jarmusch está cautivo por la escencia humana posmodernista y en ese juego involucró maravillosamente a Tom Waitts con sus letras y su música. Qué bien que suena ese circo y qué bien que la música aglutina todas las ciudades en sus historias.