Das Schloss

Sólo mi ignorancia podía ser tan grande como para descalificar esta peli. Me explico. Mi primera impresión fue que la cinta quedó truncada al final en un acto intelectualoide del director que se me escapaba a mi percepción. Pues bueno, la peli es así porque es fiel a la obra de Kafka que quedó inconclusa por su muerte y esto lo vine a saber después investigando. ¡Ah bestia!

La historia es medio fantástica, una fábula de una situación hipotética donde un pueblo es dominado por la burocracia y la esclavitud. Me evocó a Lars von Trier y su Dogville, menos teatral pero con la misma encantadora narración y temática. Michael Haneke, su director, recurre a una figura reiterativa, bastante graciosa, hasta prosaica diría yo, en la que repite y describe constantemente la escena y los personajes. Ulrich Mühe (Funny Games, My Führer, Das Leben der Anderen) interpreta a K. un agrimensor (que mide las tierras en el agro – también me tocó buscar esto :P) que llega al pueblo pero que no tiene permiso de quedarse. Su actitud contestataria, crítica o inconforme frente al statu quo promueve un inconformismo general en el pueblo y la omnipresencia de la sentencia de los habitantes del Castillo se siente en una delicada muestra de servilismo.

La situación es bien interesante y el director del cuál ya hemos referido Funny Games U.S. y Das weisse Band se empieza a ganar mis afectos. Sus planteamientos socio-políticos son crudos, sus dramas son apenas tangibles a simple vista pero detrás hay un desencadenamiento de relaciones interpersonales, conflictos morales y culpas sostenidas. Un gran director del cuál empiezan a llegar piezas a Cuevana y que poco a poco iremos revisando cada una.

Gummo

Pocas veces uno se encuentra en un cine o un canal de TV una peli tan provocadora, retorcida y morbosa como Gummo de Harmony Korine. Por lo mismo hay que aprovechar cualquier oportunidad y Cinemax acostumbra a rotar todo tipo de cine independiente, los martes, miércoles y domingos a altas horas de la noche, para lo cual aconsejo estar muy atentos.

Harmony Korine es conocido como el escritor de Kids y después por el revuelo alcanzado por esa peli logró sacar adelante su primer y único largometraje también escrito por él, Gummo. No creo que su material deba ser interpretado o categorizado dentro del subgénero del Camp aunque tiene varias similitudes. Si me lo permiten, y abusando de su confianza, así como el «trash metal», las piezas de Korine deberían estar catalogadas en un subgénero llamado «trash cinema». Un tipo de cine donde la estética del ruído, el ritmo de la repetición y el tema grotesco de la cultura de los «nuca-rojas» está presente en todo sentido. Como les decía, después de Gummo no vuelve a dirigir largos y se dedica a los cortos y video clips.

En la universidad tenía yo una cámara y un editor de Super VHS, formé una productora llamada Violenoia Producciones con la que empecé a grabar ciertos eventos, ciertos documentales, además de registrar mis fiestas, mis conversaciones y mi vida privada, en general. Gracias a eso y al pénsum de ese entonces, fuí monitor, productor y algunas veces co-dirigí proyectos audiovisuales, sin ser demasiado pretencioso, les doy mi palabra, con mucha de la estética y temática usada en las piezas de Korine. Al final, lo estaba tomando como un pasatiempo y cuando tuve un trabajo remunerado obviamente lo abandoné por completo pero el hecho de reconocer no sólo Kids o Gummo sino el resto de videos del realizador tan cercano me hace entrar en una melancolía chistosa.

Gummo es un docudrama surrealista y lleno de metáforas. Me imagino que muy controvertido por el trato a los animales pero astutamente desarrollado con muñecos que simulaban perfectamente los cadáveres de estas criaturas. Narra la vida casi de manera coral de una población de Ohio (medio oeste de Estados Unidos) desmotivada, apaleada por un tornado y envueltos en una anarquía sin límites a la vista. Una generación perdida entre sociópatas y desequilibrados mentalmente. Desesperanzador y asqueante la pieza emana una belleza retorcida difícil de explicar. La mayoría del reparto son actores reales tan sólo aparecen reconocidos Linda Manz, Jacob Reynolds, Chloë Sevigny que además hace el diseño de vestuario. Muy muy recomendada.

Lost Highway

Cuando David Lynch se propone hacer thrillers estrafalarios, no es broma. Generalemente puede ser una suma de muchos elementos como Blue Velvet o Mulholland Dr. pero a veces es tan sencillo como Willem Dafoe interpretando a Bobby Peru en Wild at Heart para lograr ese ambiente de incomodidad en la pantalla.

Lost Highway de 1997 es el un claro ejemplo del primer tipo, una ambientación oscura con paredes rojo sangre y sábanas de seda negra, Patricia Arquette interpretando a la esposa con una apariencia de «femme fatale» pero con un tono angustioso en la voz, Robert Blake con una apariencia draculiana, despojado de sus cejas, con un batón negro en cambio de vestidos regulares y un pobre Bill Pullman que reemplaza a Kyle MacLachlan como protagonista del director.

La trama con David Lynch nunca es sencilla pero si lograramos abstraer algo de lógica en un par de renglones sería el dilema de un hombre confundido que se pierde de un cuerpo a otro. Sufre de jaquecas, migrañas y todo tipo de dolores de cabeza que incluso afectan morfológicamente su cráneo. Parece intrincado, casi increible pero si incluso fuera, esta peli sería fácil de describir. Con Lynch nunca es sencillo descifrar una trama, a él no le importa que le descifren las pelis a él le gusta hacer cine y que la gente se divierta interprentándolas. Por el contrario, la narración de esta peli es frenética y la musicalización realmente de espanto, sumado al resto de factore factores y el detalle siniestro de Lynch hacen de esta pieza una obra de terror y culto inmediato.

Me encanta la musicalización original a cargo de Angelo Badalamenti, el diseño de sonido del mismo Lynch y claro ya sabíamos que la magnífica banda sonora fue producida por Trent Reznor quien además compuso The Perfect Drug y quien para esta peli incluyó a Marilyn Manson en varios temas.

Lost Highway es una peli de autor, llena de psicodelia, un imperdible, un coleccionable y sobre todo súper recomendada.

Gattaca

¡Qué buena recompensa! Después de una muy regular peli, casi con las mismas características, recordé 1997 cuando vi otra de mis pelis favoritas: Gattaca de Andrew Niccol.

La peli es la ópera prima de Niccol. Y aunque su desempeño en Hollywood no es el más elogiable en cada una de sus pelis encontramos algo sorpresivo o inquietante, de hecho casi todas sus pelis son escritas por él y eso tiene algo de logro al final. En S1m0ne un reparto de primera y una historia un poco coja que apenas si nos deja la bella Rachel Roberts, una regular actuación de Al Pacino y Elias Koteas con dos actuaciones secundarias como su actor fetiche. En Lord of War una excelente historia y unos créditos que se hicieron clásicos por la sencillez del mensaje y lo bien elaborado del 3D.

Gattaca es muy diferente. Es una historia de un anti-héroe, Ethan Hawke, que desafía las reglas del futuro para ser astronauta en momento de la historia de la humanidad donde existe la segregación genética a todos aquellos que no participan del diseño de sus genes y a quienes se les denomina “No-Válidos”. Hawke que se enamora de una hermosa mujer “Válida”, Uma Thurman, quien fiel a sus principios morales le hace un seguimiento hasta encontrar su verdad. El triángulo se cierra con Jude Law quien interpreta a un discapacitado nadador que se rompió la espalda en un accidente automovilístico y se vende al proyecto de ocultar la verdadera identidad de Hawke como “No-Válido”.

El sarcasmo de Niccol se nota en la referencia recurrente de “No-Válido” con “Inválido” y “Discapacitado”, al final es una fuerte crítica a los órdenes establecidos y la forma como nos apegamos al statu quo por sobre el resto de las personas.

Siendo su primera peli el reparto es de lujo. Se le suman a estos tres actores Elias Koteas, Xander Berkeley, Maya Rudolph, Tony Shalhoub, Alan Arkin y Ernest Borgnine. Sin embargo sigue sobresaliendo por su bella historia, sus locaciones, su fotografía sensible al verde a cargo de Slawomir Idziak, su dirección de producción retro tirada hacia los años 50’s del siglo pasado a cargo de Jan Roelfs y una musicalización también tirada hacia el clasicismo y los 50’s a cargo de Michael Nyman.

La peli es muy entretenida y un buen ejemplo de ciencia ficción en los 90’s.

As Good as It Gets

Si para Up in the Air la mejor forma de hacer una entrada era al calor de un bourbon, creo que para hacer esta entrada de James L. Brooks la mejor opción es tocineta, por lo que me he zampado una hamburguesa con queso y tocineta y mantengo su sabor sólo para acordarme de la escencia de esta peli que no es otra que una peli de un profundo humor y un carismático reparto de actores.

La primera vez que la vi, fue en 1997 en una sala de cine y disfruté mucho de Jack Nicholson y Helen Hunt, la segunda vez que la vi debió ser en HBO o algo por el estilo y disfruté mucho de la historia, de la dirección y de Greg Kinnear que me parece hizo un papel monumental en la pieza. Hoy día, debe ser la tercera o cuarta vez que me veo la peli y disfruté mucho de la historia, del humor, del perro y de nuevo de Nicholson.

Me atreví a verla porque quería morbosamente tener la perspectiva de Nueva York y, curiosamente, en esta peli, que es de neoyorkinos para neoyorkinos, Nueva York no es protagonista. Es mucho más protagonista Baltimore con sus cangrejos y su puerto de veleros. Eso debe decirnos algo muy importante y para mi que es que la peli se trata de dejarnos sorprender, de mirar más allá de la rutina, más allá de las convenciones, es una peli de relaciones humanas, y no de lo buenos que debemos ser sino de lo honestos que debemos conservarnos pues de esa forma entenderíamos los errores del de al lado y compensaríamos los propios.

La música es bien chévere, y estuvo a cargo de Hans Zimmer que no estuvo nominado para esta ocasión. Es protagonista de la sofisticación del personaje de Nicholson y a su vez parte de su vulnerabilidad, de su sensibilidad más expuesta. Al igual que la música, las cámaras son escenciales y cumplen su labor con la reiteración del esquema, es decir, la repetición constante en la peli de planos americanos que se acercan de un momento a otro al personaje, sea Helen Hunt, Greg Kinnear o el mismo perro cochino ese connotan los momentos claves donde la humanidad florece y donde se nos pueden escapar una o dos lágrimas.

La peli fue un batazo de cuadrangular, sus veintitrés premios y veinticinco nominaciones lo confirman, y aunque tan sólo recibió dos innegables Oscar ese año, muy bien hubiera podido ser mejor director, peli y actor de reparto.

Tal vez lo único que me molesta mucho es la simpleza de su gráfica expuesta en un afiche y una secuencia de créditos bastante ordinaria. Un lunar que no es muy perceptible y que al final puede obviarse después de pasar un rato divertido viendo esta magnífica peli.

Boogie Nights

A pesar de las apariencias siento que Boogie Nights de Paul Thomas Anderson no es la historia de Dirk Diggler, metáfora usada por Anderson para contar una verisón de la verdadera historia de John Holmes, siento que para ese fin se puede uno referir a su primera peli, The Dirk Diggler Story de 1988 o acudir a la muy mal referida Wonderland de James Cox de 2003 donde Holmes es encarnado por Val Kilmer. No, siento que otra vez Paul Thomas Anderson nos habla de perfiles humanos degradados, maltratados y su bello renacer. Incluso siento que en algún momento es una crítica a la evolución del cine que por factores financieros potenció la producción en masa de videos para entrenimiento en el hogar y alejó la atención de la producción del celuloide. Puede que sea sólo yo, es cierto, pero es una versión bastante romántica de la peli que me quedó de la última vez que la ví.

Las pelis de Paul Thomas Anderson tienden a ser dramas muy fuertes con una rúbrica de su autoría muy marcada, una de las primeras características es la decadencia de sus personajes, creaciones completas en las cuales  él es el responsable como escritor de todas sus pelis. Para esta recibió una nominación de La Academia y los Bafta Awards por su guión (aunque el gran beneficiado por esta peli fue Burt Reynolds por su actuación como Jack Horner director de las pelis de Dirk Diggler y que le mereció numerosos premios y nominaciones en festivales independientes).

En esta peli me encanta el gran esfuerzo y trabajo del director así como de Robert Elswit responsable de la cinematografía ya que la peli abunda en secuencias de una sóla toma atravesando toda clase de recintos e iluminanciones, siendo un gran trabajo ostentoso se ve compensado con la consecución de una ambientación muy adecuada para la época.

Además de estas secuencias, de los acercamientos de cámara y los bruscos paneos, otra característica de la cinematografía que me parece realmente atractivo de la peli es el uso de conceptos errados de fotografía. Tengo un grupo en flickr que se llama Wrong Photography (http://www.flickr.com/groups/wrong_photo/) allí enumeramos este tipo de conceptos y descubrimos como de esa forma las imágenes son mucho más interesantes. En esta peli la mayoría de los encuadres están mal hechos, los focos no están centrados, las luces no son las correctas y los centros de atención están dispuestos de una forma poco ortodoxa.

Finalmente, un buen elenco hace que la historia y el guión sobresalga, esta peli se caracteriza por dos cosas, un gran reparto, con una ejecución de sus actuaciones y la conjunción de una serie de actores de muy alto nivel que después se volvió un reparto inseparable para su siguiente peli Magnolia de 1999 y algunos hasta Puch-Drunk Love de 2002. Me refiero a Luis Guzman, Julianne Moore, John C. Reily, William H. Macy, Philip Seymour Hoffman, Melora Walters y Philip Baker Hall (a quien reconozco como Bookman de Seinfeld). El resto de las actuaciones también son muy sobresalientes: Burt Reynolds, Heather Graham, Mark Wahlberg y Robert Ridgely como el Coronel James.