Pusher III: I’m the Angel of Death

I’m the Angel of Death es el cierre de la trilogía Pusher de Nicolas Winding Refn. En términos generales la más regularcita de todas. El decaimiento de la calidad de la serie va conforme esta avanza. Pusher termina siendo la mejor de todas con creces, Pusher II demuestra cierto agotamiento y Pusher III la obligación de la tarea casi sin motivación.

I’m the Angel of Death es la historia de Milo (Zlatko Buric), el personaje que termina aportando redondez a la trilogía, con apariciones fugaces en cada una de las salidas. En la primera, Milo hace negocios con Frank y este no puede responsabilizarse por ellos, Milo parece ser indulgente y ve la forma de ayudar a su amigo a salir del problema. En el segundo episodio, Milo ya no es tan ingenuo y se sale con la suya previendo cuando Kusse-Kurt se intenta aprovechar de una situación problemática con un paquete de heroína. En esta tercera salida, ipso facto reconocemos a Milo, está un poco estresado porque tiene que preparar la comida para el cumpleaños de su hija, debe encargarse de un cargamento que le acaba de llegar y además en ese cargamento no le llegó la heroína esperada sino unas pepas de las cuales él no es un experto en mercadear.

Digamos que como capítulo independiente, I’m the Angel of Death es una historia divertida con el mismo tono de la trilogía. Puesta en contexto, la cosa se empieza a complicar. Tenemos una idea de Milo, que es recursivo, calmado, buen amigo y no pierde sus cabales. Pusher III nos vende una idea completamente diferente, y sin mayor desarrollo, lo pone al mismo nivel de Frank, Tonny o el ya nombrado Kusse-Kurt (que aquí hace una aparición innecesaria, con el pelo un poco más largo y más allá del bien y del mal – un ejemplo errado de cómo no debe ser tratado un cabo suelto, en un final abierto). Al final las pepas que adquirió Milo son de un jíbaro albanés y tiene que venderlas en un tiempo determinado, por lo que acude a Muhammed -un árabe que vimos en Pusher II vendiéndole un arma a Tonny-. Este árabe lo deja colgado en su compromiso, su comida se complica, su negocio se paraliza por una epidemia de diarrea y para colmo de males un polaco llega a su negocio donde tiene que atenderlo obligado por una responsabilidad adquirida.

En perspectiva, la historia es aún más forzada de lo que parece. Es interesante el acercamiento a la cultura serbia de Milo, el tono gore más acentuado, el reconocimiento del yerno como competidor, la transformación de su hija en un careo que sostienen en plena fiesta y súper fuerte el como en dicha confrontación la relación padre-hija desaparece. En una entrevista posterior a Zlatko Buric, el actor afirma que dos momentos le parecieron muy complicados haciendo la peli; el primero, la escena de las vísceras en el restaurante porque era tan fuerte que duró con el estómago revuelto una semana; el segundo, el enfrentamiento con su hija (Marinela Dekić), porque la forma en la que lo proyectó Refn fue un tanto incestuoso y la escena se le volvió erótica en su cabeza.

Al final, Pusher III logró su cometido. No logró reconocimiento alguno en los círculos independientes pero si logró financiar la quiebra del director que finalmente después de esta peli pudo realizar las grandes piezas que lo hicieron famoso y aclamado (Bronson, Valhalla Rising, Drive y ahora Only God Forgives).

Brick

Rian Johnson es uno de los recién asentados directores independientes que nos ofreció el cierre de su ópera prima, con una de las mejores, si no la mejor pieza del año pasado, Looper.

Ya habíamos visto también de él Los Brothers Bloom, con una calidad escalofriante pero la crítica seguía alabando Brick, su primer largometraje lo cual me tenía un poco frenético. Independiente de lo que piense de la peli, en general, siempre admiro el hecho de que un director salga adelante de su primer proyecto y me sobrecoge cuando ese primer proyecto, tiene una buena factura o es creativo o es propositivo de alguna forma en la industria. Johnson, por ejemplo, es un escritor-director que en su primer intento logra clasificar a Sundance y llevarse el premio especial del jurado por su visión creativa.

Brick es la historia de Brendan, interpretado por un escuálido Joseph Gordon-Levitt, que va en el cuarto año de una secundaria en San Clemente, California. Es corajudo, solitario y sedicioso. No le come a los populares de la escuela, ni a los del equipo de fútbol, ni a los jíbaros que rodean la institución, por el contrario, los enfrenta y aún con su apariencia desabrida tiene una relación con una hermosa joven (Emilie de Ravin) que estudia con él. La trama de la peli empieza con el cadáver de la joven, dispuesto en uno de los caños adyacentes. La imagen es fuerte pero hermosa y Brendan se queda contemplándola por un tiempo hasta que decide ocultar el cuerpo, aislar a la policía de la ecuación y descubrir por si mismo que está sucediendo.

En principio, el argumento de Brick envuelve un gran thriller de suspenso y su resolución tiene las mismas connotaciones policiacas. El problema es que tanto la historia como los personajes son poco creíbles dentro del contexto en el que están colocados. El maton, la diva, el capo son más caricaturas de personajes bien elaborados pero que dispuestos en un colegio crean ambientes y situaciones improbables, sin sentido y de nuevo, poco creíbles. Johnson afirma que esta peli la filma en su escuela secundaria y tal vez su deseo de volver a la institución de nuevo, convertido en héroe es mucho más fuerte que su deseo de hacer una pieza más verosímil, más madura o por lo menos un poco más congruente.

Es innegable que Brick tiene mucho potencial. El epónimo ladrillo de cocaína que rodea la historia envuelve muy bien a todos los personajes. Sus tropos y sus chispas de genialidad se vislumbran en algunos roles secundarios, en la forma como Johnson desarrolla su montaje y permite que el espectador intuya más que digerir ciertas afirmaciones -aunque a veces se excede y confunde-. Las tomas y los desenfoques ayudan a complementar la narración pero incluso en el final abierto, el desenfoque nos permite elucubrar sobre una posibilidad lejana donde un personaje tangencial podría ser la clave de todo el embrollo, en el que posiblemente Brendan sólo dio vueltas en círculos para terminar en el mismo punto de partida con una posibilidad muy sólida, siempre en frente de sus narices.

Bubble

Si hay alguien que pueda ir de lo comercial a lo estrictamente artístico, independiente o experimental, definitivamente ese alguien es Steven Soderbergh. Es por eso tal vez que su partida hacia otras ramas del arte va a ser tan dolorosa para los seguidores y fanáticos de sus piezas cinematográficas. 

Bubble es un experimento realmente sorprendente. Ya hemos visto a Soderbergh en otros ensayos, en otras investigaciones y estéticas -como por ejemplo Eros, o Schizopolis o su gran triunfo como prócer independiente Sex, Lies and Videotape-, pero lejos de ser una prueba argumental o temática, Bubble es la resolución de un gran director hacia la industria. No sólo es realizar una peli con bajísimo presupuesto, no sólo es usar actores naturales, no sólo es filmarla en video de alta definición en vez de cinta cinematográfica es hacer una excelente pieza y en contravía de cualquier mercader exponerla al mismo tiempo en salas y DVD’s. Obviamente, los distribuidores no iban a estar tranquilos y trataron de boicotear la cinta, hasta el punto que pocos sabemos de ella e incluso otros muy pocos la hemos logrado ver.

Yo por mi lado siempre estuve pendiente desde 2004 o 2005 cuando vi por primera vez su corto en Apple Trailers pero nunca más volví a saber de ella. Sólo hasta hoy que me animé a pedirla y me llegó por Amazon logré acceder a ella. 

La historia basa su escencia en la sencillez. En un pueblo del medio oeste norteamericano -si no estoy mal algún pueblo del sur de Ohio o Virginia del Oeste-, hay una fábrica de muñecas donde dos personas interactúan en una condicionada amistad. Ella, Martha (Debbie Doebereiner), es una mujer de mediana edad que vive con y para su padre; su aflicción más grande es no tener unas expectativas más grandes como para saber en qué gastarse unos 50 dólares extra. Por su parte, él, Kyle (Dustin James Ashley), es un hombre digamos 10 años más joven y tiene como su más cercana aliada a Martha gracias a que ella lo transporta y lo invita a pasar el tiempo; Kyle tiene problemas con las relaciones interpersonales y Martha le ha ayudado a sobrevivir con ese creciente pánico a las multitudes con ataques de pánico como consecuencia. 

Entre ir al trabajo, comer donas o pasear en carro, este par de personajes viven su vida morbosamente tranquila hasta que llega Rose (Misty Wilkins) y altera toda su dinámica. 

Soderbergh nos asombra con su ojo y su narración (en esta cinta es director de cinematografía y editor). No cualquier persona puede tomar una cámara digital y dar la impresión de ser un gran artista fotográfico. Las tomas de los créditos finales no sólo son hermosas y perturbadoras, tienen todo el carácter de un gran autor, me recuerdan las tomas fotográficas de Mark Romanek o Gore Verbinski cuando hacen investigaciones de locaciones para filmar. 

Pero esta peli no sólo es cámaras y buen ojo, es un thriller muy bien desarrollado y a todas luces sólido en investigación de sus personajes. Si algo sabemos de Soderbergh es que es un gran director de actores, y siendo Doebreiner, Ashley y Wilkins, actores naturales sin ninguna experiencia cinematográfica, el logro es absurdo. Sin efectos especiales de ninguna clase o música sugiriendo algún tipo de emoción, los perfiles de los personajes son claros, son reales, son creíbles, son reveladores y piezas fundamentales en la trama del realizador. Un experimento de la más fina vanguardia logrado excepcionalmente por una de las grandes mentes de nuestros tiempos… Repito, como lo hice hace poco, cómo vamos a extrañar a Soderbergh en su ausencia. 

Everything Is Illuminated

Empecemos por lo obvio, Everything Is Illuminated es una peli de 2005 dirigida por Liev Schreiber. Puede sonar un poco desconocido pero a nivel del espectáculo Schreiber es conocido como un actor promedio, por ejemplo lo recordamos el año pasado por Salt con Angelina Jolie en un thriller de suspenso de Phillip Noyce que logró nominación al Oscar por mezcla de sonido o también por X-Men Origins: Wolverine de 2009 en la cuarta parte de la franquicia. Otros sectores de Hollywood recuerdan a Schreiber y a Naomi Watts como la pareja que acompañó a Nicole Kidman durante su ruptura sentimental con Tom Cruise; Schreiber y Naomi siguen siendo una pareja estable, con dos hijos y eso es noticia para ese sector de Hollywood.

Lo realmente anecdótico es que Schreiber hizo esta peli, escribió su guión basado en la novela de Jonathan Safran Foer y realmente la sacó del estadio. Mejor guión en São Paulo, Biografilm Award y Laterna Magica en La Biennale de Venezia y reconocimiento especial en los National Board of Review además de muchos otros reconocimientos. La historia trata sobre un personaje muy particular que emprende un viaje hacia Croacia para encontrar el significado ambarino de un recuerdo entregado en el lecho de muerte por su abuelo. Contrata a unos guías turísticos también muy particulares que seducidos por el viaje, cada uno con sus motivos bien diferentes, emprenden una pequeña odisea hacia Trochenbrod. Dicha odisea, es un viaje hacia el folclor de los Balcanes y como tal la peli se inundada mágicamente por la música original compuesta por Paul Cantelon, muy cercana a Gogol Bordello o el mismo Emir Kusturica. Como si eso fuera poco la fotografía es muy bonita, es saturada, es vivaz, esta llena de color, las cámaras y los encuadres están bien pensados y en algunos momentos son arriesgados, el responsable Matthew Libatique a quien recordamos por su reciente trabajo en Black Swan.

Faltaría por decir nada más que el montaje estuvo a cargo de Andrew Marcus y Craig McKay. Hay un detalle que me frustra de esta peli y es saber que Schreiber no volvió a hacer más pelis después de Everything is illuminated; lo primero es que uno ansía que más autores creativos, sensibles y alternativos se lancen al ruedo y sigan haciendo sus proyectos, muy seguramente Schreiber se conmovió con la novela de Jonathan Safran Foer y aseguró para sí mismo involucrarse en un proyecto donde la pudiera sacar adelante en cine. Lo segundo bien importante es que hacer cine no es como montar bicicleta, que no se olvida, es más bien un ejercicio de panadería, de amor y de fé, donde el ejercicio y la rutina desarrollan un mejor producto con el paso del tiempo. Con esta »Marilyn» entonces nos llevamos una imagen joven, fresca, hermosa de esta peli y no hay punto de comparación para decir si envejeció bien o mal, lo que si es cierto es que si alguna vez se arriesga a hacer otro proyecto el estándar está puesto bien alto y va a ser difícil de superarlo.

The Squid and the Whale

Noah Baumbach es un escritor-director independiente que no es de mi favoritos pero que me gusta más en grupos colaborativos como con Anderson en The Life Aquatic with Steve Zissou o Fantastic Mr. Fox.

La primera peli que vi de él, completamente sólo fue Margot at the Wedding y lo que el realizador llamaba libertad para los actores lo sentí más como negligencia, en una actitud de libre albedrío a ver qué resultaba. Sin embargo antes de Margot, Baumbach tiene The Squid and the Whale una peli quisiera pensar, introspectiva, que narra la situación de una familia al borde de la separación pero no es una familia cualquiera es una familia rodeada del mundo de la literatura y de cómo este tema ayuda a conquistar mujeres 😉

Las actuaciones de Laura Linney y Jeff Daniels son destacadísimas al entender a la perfección la improvisación y el libre albedrío que les propuso el director; esto les permitió sacar a flote su casta. Otros dos que tuvieron un buen desempeño fueron el pequeño Owen Kline, la hermosa Halley Feiffer e incluso Anna Paquin, pero al que si no me trago es a Jesse Eisenberg no entiendo como La Academia puede ser tan ciega y haberle ofrecido una nominación como mejor actor en The Social Network con una actuación repetida de The Village, The Squid and the Whale, Adventureland y un Ben Stiller con una actuación deslumbrante en Greenberg completamente olvidado. Creo que esta peli es bien divertida y bien desarrollada, hay veces dicen que uno es tan fuerte como el más débil de sus integrantes y aquí la frase cabe a la perfección. No sólo Eisenberg actúa mal sino sobre él recae el peso de “El Calamar y La Ballena” una escena hermosa donde el joven Walt Berkman entiende quién es su papá y quién es su mamá, porque se identifica con su papá y que posición debe tomar en frente de su mamá. Un conflicto que parece tener ya resuelto su hermano menor.

A la peli le fue divinamente, ganó Sundance como mejor director y escritor (logró nominación a mejor drama), Toronto, Nueva York, Los Angeles y nominaciones especiales en los Globo, los Spirit y los Oscar. Lo bueno de esta peli es que da esperanzas de pensar que Margot es más un bache en la carrera del autor que con Greenberg ya superó. Esperemos que su siguiente proyecto While We’re Young programada para el 2012 siga siendo algo especial y no entender su carrera como un sube y baja irregular de aqui en adelante.

Chinjeolhan Geumjassi

Chinjeolhan Geumjassi o Lady Vengeance es la segunda peli de la trilogía de venganza de Park Chan-Wook. Ya vistas las tres, no se si es recomendable verlas en el mismo orden en que salieron, pero desearía haber visto esta primero antes que las otras dos. Lo digo porque independiente de la intención del director pareciera que esta es la más regular pero tiene una intención especial.

La cinematografía es increíble y se nota la mano de Chung Chung-hoon, juegos de lentes, colores saturados y encuadres maravillosos. Chung-hoon es el primer enlace en las trilogías y hace que cada una sean familiares además de su excelente factura.

Chinjeolhan Geumjassi es un avance a Oldeuboi en cuanto su mensaje final es más de catarsis, aunque el centro de la trilogía es la venganza no es la mejor salida, esta peli nos ayuda a entender que el descanso mortal de una venganza bien ejecutada libera la tensión de nuestras mentes pero no necesariamente libera nuestro karma y tener alterada nuestra energía, nuestro destino, nuestras consecuencias. La causa-efecto de una enganza puede acarrear consecuencias más dolorosas que la misma intención. Aunque la bola de nieve desencadenada en Oldeuboi, a mi parecer, fue exagerada nadie puede desconocer que el aleteo de una mariposa puede generar un tifón al otro lado del mundo.

Igual Oldeuboi puso en el camino a este director koreano y Chinjeolhan Geumjassi logró los reconocimientos heredados por ejemplo mejor peli en Venecia pero para mi el orden ideal para ver estas pelis debió ser invertido. Muy recomendadas las dos.

Avatar: The Last Airbender

No acostumbro a escribir sobre series animadas en este blog, pero es que esta serie en particular me tiene sorprendido. Debo confesarlo, la empecé a ver y la conocí gracias a la peli de Shyamalan pues al enterarme que aún la estaban pasando en Nickelodeon me intrigó y la empecé a grabar toda. Ya sabía que había ganado un par de premios y por otros amigos me había enterado que era bastante divertida pero sólo hasta verla pude presenciar todas sus bondades.

Es una historia épica sencilla de un niño que debe volverse el elegido pero es tan pequeño e inmaduro que debe soportar muchos enfrentamientos internos para poder lograr sus metas y los grandes objetivos que está obligado a alcanzar. Su ingenuidad contrasta con su ímpetu y su persistencia. Pareciera una historia mil veces contada pero no. Sus grandes capítulos y la forma en cómo están narrados la hacen grande.

Hace rato no veo series animadas que hayan logrado capturarme de esa forma y estoy hablando de casi seis o siete años desde que veía asiduamente Dragon Ball (y toda su franquicia), Ranma y 1/2 y Supercampeones. A diferencia de estas tres Avatar, sus tres libros y cada uno de sus veinte capítulos denotaban un límite cercano no la sensación de una historia interminable.

Me atrevo a escribir esta entrada sobre esta serie animada por el último capítulo, del último libro que pasaron el domingo pasado gracias a una maratón de Nick. Un capítulo que fue precedido por seis historias cada una más intrigante, cada uno muy bien desarrollada y cada una generando una sana ansiedad del desenlace de la historia. Una gran pelea, unos eventos muy bien llevados y al final todas las expectativas colmadas.

Thank You for Smoking

Hablando de fumadores, de secuencias de títulos sobresalientes, no se puede dejar de hablar de Thank You for Smoking una peli de Jason Reiman en 2005 que anunciaron mucho en nuestras carteleras pero al final nos dejaron viendo un chispero. Yo la tuve que ver en MovieCity, un tiempo después, justo cuando ya estaba Juno estrenándose.

Sin más rodeos les dejo ver la secuencia de títulos que podría ser una tesis de aplicación de marca, tipografía y diseño gráfico:

Pareciera un patrón característico en Reitman su delicado gusto por este tipo de secuencias, muy diferentes una de la otra, pero delicadamente escogidas en música y extraordinariamente desarrolladas en gráfica. Sentarse a verlas en una sala de cine es un gran placer.

Esta peli tiene algo particular y es que nos hace evidente que J.K. Simmons es su actor fetiche repitiéndose en las últimas tres pelis, así en la última su participación haya sido muy pequeña, su papel en Up in the Air demuestra la calidad del discurso del personaje de George Clooney y como decir las cosas fuertes de una forma directa y motivadora era la clave de su trabajo.

La palabra cabildero no es muy conocida y diciente pero es la traducción literal para lobbyist que es una persona que busca influenciar políticos en su decisión sobre acuerdos, tratados y leyes (hace “lobby“). Aaron Eckhart actúa como cabildero de las tabacaleras y desvirtúa los discursos de sus contrapartes mediante dialéctica y buen uso del idioma, lo cual hace que los diálogos sean bastante entretenidos, divertidos y audaces. Por lo mismo, esta peli fue muy bien recibida por su guión nominada en varios segmentos independientes y ganadora en otros tantos. No es que le vaya muy bien a Reitman con la cuestión de los premios, sus comentarios mordaces no caen muy bien en la crítica americana, aunque se está volviendo el consentido del gremio de escritores de Hollywood, los Chicago Film Critics Association Awards (con tres nominaciones y un premio), los Golden Globes, los Independent Spirit Awards, los Toronto Film Critics Association Awards y los Washington DC Area Film Critics Association Awards.

La peli vale la pena mucho y se que todavía aún hoy se consigue en videotiendas.

Last Days

Last Days es una peli dirigida por Gus Van Sant basado en el trágico final de Kurt Cobain. Fue lanzada en 2005 y además de esta promoción la peli fue reconocida en el mundo independiente siendo nominada dos veces en Cannes y un par más en otros festivales independientes.

Aparte de haber encontrado una estética súper agradable, contemplativa y hasta costumbrista, aparte de alcanzar una apariencia de un Cobain muy bien lograda por Michael Pitt, aparte de la dulce presencia de Asia Argento, aparte de Venus Furs de Velvet Underground, aparte de las interpretaciones musicales de Pitt y Lukas Haas, aparte de todo eso, no siento que esta peli me haya dejado una buena sensación. Son esporádicas chispas de lo que pudo ser.

Gus Van Sant es un director complicado, que no asimilo bien cuando se pone en ese plan esnobista y contemplativo. Es casi como si quisiera emular el neoexpresionismo alemán pero no lo lograra. Es como si quisiera decir muchas cosas pero no lo lograra. Es como si debiera tener estos valles para impulsarse y sacar otras pelis de mejor factura. Respeto eso si el nivel de angustia que alcanza a transmitir al público con la existencia de este ser aislado de toda realidad pero no siento que haya una conexión con el final que es tan fortuito, que no parece creíble, que no parece conclusivo, que no parece consecuente con el resto de la peli.

Esperaba mucho más y me pasa frecuentemente con Gus Van Sant, termino esperando algo que no llega.

Kiss Kiss Bang Bang

Kiss Kiss Bang Bang es una peli de Shane Black de 2005. No me queda muy claro si es un enlatado de una peli más vieja o si simplemente es la versión de la novela de Brett Halliday, Bodies Are Where You Find Them.

La peli es protagonizada por Robert Downey Jr. en una excelente presentación. Esta vez acompañado de la bella Michelle Monaghan en un thriller de corte políciaco cargado de un fino humor y una narrativa bastante divertida. Casi que sería mejor catalogarla como un anti-héroe en una peli de cine negro, donde el protagonista es un ladrón, que se vuelve actor, detective, amante de la protagonista, vengador y antes que todo es el narrador de la peli.

La peli empieza con unos créditos magníficos elaborados por Danny Yount y luego un corte a una escena vintage en los 80’s donde un pequeño mago es saboteado por una niña malcriada quien recibe su merecido del supuesto padre.

De ahí en adelante la narración envuelve a Downey Jr, Monaghan, Val Kilmer, Larry Miller, Rockmond Dunbar, Angela Lindvall y Shannyn Sossamon en un vértigo de situaciones circunstanciales que desencadenan en un asombroso acto de magia y un final escalofriante para el thriller.

La razón de la excelente narración es la amplia experiencia de Black como escritor de Hollywood que va desde TODAS las versiones de Lethal Weapon (incluída la 5 que está en preproducción), The Long Kiss Goodninght en 1996 con Geena Davies, Craig Bierko, Samuel L. Jackson y Brian Cox, Last Action Hero en 1993 con Arnold Schwarzenegger, F. Murray Abraham, el finado Anthony Queen e Ian McKellen, y The Last Boy Scout en 1991 con Bruce Willis, Damon Wayans y Halle Berry. No son las pelis más profundas ni más interesantes pero me entretuvieron mucho en la era del colegio.