Los Cronocrímenes

En la vida había escuchado de Nacho Vigalondo. Y aunque tiene 19 piezas en su portafolio como escritor y 13 como realizador, la mayoría de ellas se desarrollan como cortometrajes, su único y verdadero largo es este, Los Cronocrímenes de 2007.

Los Cronocrímenes es una historia muy parecida a Primer pero sin toda la jerigonza tecno-matemática de Shane Carruth. No me pareció fácil encontrarla porque la bajaron de Cuevana y no aparece habilitada directamente en Netflix, por lo que hay que escudriñar un poco. La lógica de los viajes en el tiempo no es lo importante sino su mecánica; una válvula gigante que funciona con un líquido blancuzco y cuatro bobinas son la clave del tema; gracias a ella se puede viajar a través del tiempo si y sólo si en el pasado la misma máquina está prendida.

En escena entra Héctor, interpretado por Karra Elejalde. Llega del mercado cargado de paquetes, entre ellos una silla que le ha pedido su esposa Clara (Candela Fernández). Clara se encuentra en el jardín arreglando sus matas y hablando de cualquier cosa mientras Héctor cansado quiere relajarse un poco. La cámara se comporta de una forma extraña, se acerca violentamente a detalles que nos parecen de alguna forma inoficiosos, parecen caprichos del director de fotografía Flavio Martínez Labiano. No podríamos estar más equivocados. De esta forma hemos detallado la caja de la silla, el teléfono, el estado de la obra dentro de la casa, la ventana, la torre detrás del bosque, las tijeras y la mujer desnudándose al fondo de los binoculares.

Antes de empezar a desenredar lo que significan todos estos detalles. Hay que decir que Vigalondo es un director y escritor muy audaz. Me encanta que se haya tomado el trabajo de diseñar al detalle su historia de los viajes en el tiempo pero me parece aún más genial esa sensación anacrónica de no saber si el relato es futurista o se desarrolla en algún momento en el pasado (muy parecido a la sensación que nos deja Never Let Me Go de Mark Romanek). En el planteamiento de la peli se establecen unos detalles sencillos, claros, evidentes y que llaman la atención gracias a los encuadres sistemáticos que le ha ordenado haga a Martínez Labiano; este por su parte no sólo ha cumplido cabalmente sino que acompañado de una ambientación de época tipo años 70’s le da un tono a la peli de vendimia muy rico. Los colores están tirados a una saturación cálida pero esa oxidación propia de los celuloides de la fecha logra además infundir en la trama un sentido de «pulp», de serie b; en este momento, la historia puede catalogarse como de suspenso, terror o novela policiaca.

Pero volviendo a los detalles, Vigalondo desarrolla una historia de viajes en el tiempo en una paradoja accidental de una hora. Los Cronocrímenes hace su planteamiento y casi que de ahí en adelante el tiempo se desarrolla en tiempo real, es decir, la paradoja de una hora en el tiempo se desarrolla en una hora de cinta en la pieza. Complica y densifica tanto el asunto en detalles que al final agradecemos que esa paradoja sea tan sólo de una hora y no algo más extenso como el día en Primer o los 30 años de Looper. Después de conocer a Héctor que es un gordito bonachón de más o menos cuarenta años, que vive en una casa campestre y que tiene vista a unos hermosos bosques; de nuevo, no nos interesa más que eso y su esposa yendo al pueblo. Intrigado por la mujer desnuda en el bosque y motivado por un pícaro fetichismo se dirige hacia ella. En su afán por saber su estado se acerca y detalla su hermoso cuerpo desnudo postrado en el césped hasta que es interrumpido por unas tijeras que se clavan profundamente en su brazo izquierdo. Grita adolorido, entra en pánico, huye y trata de refugiarse pero una serie de eventos que ha desatado con su impertinencia lo incluyen en una historia más grande con viajes en el tiempo.

La historia es muy sencilla. La tensión se genera desde el minuto 5 de la peli y nos mantiene en vilo hasta el último segundo tal como lo hacían las clásicas historias de suspenso «hitchcoquianas». Una gran pieza que se proclamó como la mejor en el Fantastic Fest de Austin, además de numerosos reconocimientos en círculos independientes de Estados Unidos, Europa y Asia. Súper recomendada.

Shotgun Stories

Al mejor estilo del medio oeste americano, Jeff Nichols nos introduce en el primer filme de su portafolio, dentro de una historia en lo profundo de Arkansas, con toda su idiosincracia y su profunda calma. Casi asfixiante.

Los protagonistas son tres hermanos llamados Son, Kid y Boy Hayes; en principio, resulta curioso el hecho de que los hayan nombrado de esa forma pero luego es profundamente inquietante la capacidad de negligencia para que un padre pueda haber llamado así a sus hijos. En el evento del funeral del progenitor, se esclarece el pasado alcoholizado del difunto y el desprecio que existía hacia ellos; él y su madre «llena-de-odio» lograron aislarlos de cualquier educación y condenarlos a trabajos de exigencia física porque parecen no servir para nada más.

Son Hayes, interpretado como siempre excepcionalmente por Michael Shannon, no vive en paz y está dominado por su pulsión hacia las apuestas y el juego. Su esposa se inclina por abandonarlo y su joven hijo de aproximadamente ocho años parece no entender nada del asunto al vivir tranquilamente en un pueblo donde no pasa mayor cosa. Por el mismo estado de quietud, llama inmediatamente la atención del espectador las cicatrices que Son aguanta en su espalda; nadie las nombra, todos las observan y todos las comentan, nosotros sólo sabemos que son producto de cuidar a sus hermanos. Punto.

El ambiente altamente volatil entre los hijos cristianos del padre y los descuidados hermanos termina en una riña a causa de un fuerte pero honesto discurso de Son el día del funeral de su padre. Esa chispa fue suficiente para explotar el duelo que termina en sangre y que como testigos vaticinamos como una gran venganza. Los ignotos hermanos parecen sentenciados a extinguirse en este fuego abrasivo pero Nichols nos ofrece una opción, una lección de tolerancia que hasta el mismo final no sabremos si es aceptada por uno y cada uno de ellos.

Nichols ya nos había maravillado con otro drama crudo y áspero con Take Shelter, su segunda pieza también protagonizada por Shannon. Siendo esta su primera peli nos demuestra de qué está hecho, con una pasmosa narración lineal y una obra en cinco actos. El primer acto fundamenta los sólidos establecimientos de la trama; el segundo, se toma su tiempo para describir y perfilar psicológicamente a los personajes principales; el tercero, reaviva el fuego de la trama con un interesante nudo; el cuarto, aparece como el desencadenamiento del apocalipsis para estas dos familias; para, finalmente, en el último acto definir un desenlace de final abierto donde la esperanza de que todo salga bien es tan frágil como la tolerancia misma de cada uno de sus personajes.

Nichols de un sólo golpe logra irrumpir en varios festivales como un niño prodigio. Gana Austin, Seattle, Newport, en círculos bastante independientes, así como, también obtiene reconocimiento en Chicago y los Spirit de 2008.

Helvetica

Helvetica es una fuente de la familia tipográfica de las humanas, palo seco, basada en la fuente Akzidenz-Grotesk de la casa Berthold Schriftgiesserei en 1896. La Helvetica fue creada por Eduard Hoffmann líder de la Haas Schriftgiesserei donde fue creada.

¿Cómo es posible que yo sepa esto?
Siendo estudiante de diseño gráfico, en algún semestre básico se le es aleccionado sobre las familias tipográficas, sus orígenes y su estructura. Al lado de la Helvetica también uno termina por aprenderse la historia de la Garamond, la Palatino, la Futura, la Georgia y porqué no hasta la Comic Sans. Obviamente, ya no me acuerdo de todas y cada una ellas y seguramente pude recitar el primer párrafo gracias al homenaje que Gary Hustwit le hizo a esta grandiosa fuente.

Erróneamente se le atribuye la creación de la Helvetica a Max Miedinger pero fue el señor Hoffmann quien encomendó el trabajo de modernizar la Akzidenz-Grotesk, a su vendedor Max Miedinger ya que el director de la casa era muy tímido e inseguro, pero fue Hoffmann quien anotó las directrices, los comentarios y ajustes e incluso le dió el nombre de Neue Haas Grotesk. Haas era subsidiaria de Stempel que a su vez era subsidiaria de Linotype. Stempel quería darle un mercado más amplio a la nueva fuente y trató de llamarla «Helvetia» pero Hoffmann se opuso por el hecho de que una fuente no puede llamarse como un país (Helvetia es como se conoce a Suiza) y propuso Helvetica para que se refiriera como la fuente suiza y fue mayormente aceptado.

¿Por qué armar un documental o un homenaje a una fuente tipográfica?
Básicamente, la intención de Linotype fue vender los derechos de explotación de un paquete grande de fuentes a Estados Unidos, en la época de la posguerra en los 50’s. Ya habían logrado un buen éxito con la Univers pero fue la Helvetica la que encontró mejor su nicho y no sólo se vendió bien sino que prácticamente se institucionalizó como la forma americana de reconocerse. Etiquetas, anuncios, señales, identidades y cuanto campo haya en el diseño gráfico norteamericano fue absorbido, dominado y asfixiado por esta fuente. El neoyorquino Gary Hustwit, como realizador del documental, más que hacer un estudio de diseño de gráfico está investigando sobre su propia identidad. Llama a controvertir a excelentes personalidades del diseño como Matthew Carter, Mike Parker y David Carson entre muchos otros. El nivel de la discusión se hace interesante en cuanto se va haciendo un análisis cronológico de las bondades de la fuente, pasando por aquellos que la adoran ciegamente o aquellos que la detestan y se aburren con ella.

Cada uno sabrá interpretar mejor su relación personal con la fuente y no habrá decisiones o respuestas equivocadas. Hustwit tiene muchos otros documentales de este nivel de análisis pero lastimosamente no encuentro ninguno otro relacionado con fuentes tipográficas 😦

Siete mesas de billar francés

Es muy fácil caer en la trampa, en la que lo envuelve a uno Gracia Querejeta director de Siete mesas de billar francés. Digo que es fácil caer en ella porque es una comedia costumbrista que nos va robando poco a poco sonrisas con sus historia y personajes y aunque en un principio se hace lenta y predecible a medida que pasa la peli, cada vez más nos vamos dejando llevar hasta terminar en un desenlace muy conmovedor y con un nudo en la garganta.

Bueno eso me pasó a mí.

No hay afanes, Querejeta se toma todo su tiempo para contarnos la historia de Ángela, una mujer que viaja con su hijo a visitar a su padre recientemente enfermo pero desafortunadamente llega muy tarde y ya ha muerto. Esta mujer interpretada por Maribel Verdú intenta pues acomodar ciertas cosas y huye de nuevo para alejarse de las responsabilidades, refugiarse en su casa pero al llegar su marido la traiciona y debe seguir huyendo. Sin más salida que la casa de su padre regresa, toma la decisión de retomar el local de billares de su padre y ponerlo a punto. Hasta ahora el argumento es un poco extenso, lleno de clichés y de alguna forma muy forzado pero poco a poco Querejeta le va dando vuelta a esta gran tortilla y la vuelve un plato exquisito, tanto que es la primera vez que no sólo sorprendido con el final puedo decir que es lo que vale la pena. Pero igual sería un poco injusto, en algún momento del giro narrativo la peli viene cadenciosa y uno puede contemplar la excelente fotografía de la pieza, no se nota mucho porque la peli, en general, es muy clásica y este tipo de detalles no saltan naturalmente sin embargo la paleta y los encuadres son cálidos y agradables.

Siendo justos la peli con un mejor ritmo narrativo sería muchísimo mejor, los problemas con la atención no serían graves y los clichés no se notarían tanto. El reparto es adecuado siendo la más destacada Verdú pero me agradó como desarrolló su personaje Blanca Portillo (de resaltar el trabajo de Lorena Vindel, Víctor Valdivia y el tuerto de Enrique Villén). Les decía la peli viene a Eurocine como una diva, en Los Goya ganó mejor actriz principal y mejor actriz de reparto para Amparo Baró (raro), en San Sebastián mejor guión y mejor actriz de reparto para Blanca Portillo y muchas alabanzas más por su excelente producción.

The Great Debaters

Llega un punto en Hollywood donde sus actores se vuelven bohemios y se lanzan a dirigir pelis y a veces no lo hacen tan bien. A veces se vuelven tan aburridos, con temas tan trillados que uno lamenta haber siquiera perdido el tiempo en ellos o por el contrario son incendiarios, audaces y terminan realizando unas piezas magníficas. Deberíamos dedicarle un poco de tiempo a aquellos actores que hacen su mejor esfuerzo y ese esfuerzo es excelente, lo que pasa es que de pronto nos topamos con George Clooney que así como ha hecho muy buenas pelis (Confessions of a Dangerous Mind/, Good Night and Good Luck), sus descaches son olímpicos (Leatherheads).

The Great Debaters es la segunda peli de Denzel Washington biopic de Melvin B. Tolson, un profesor de universidad que se encargó de inspirar a sus estudiantes en la disciplina del debate, actividad excluyente, como varias en su época, donde los límites estaban dispuestos bajo los lineamientos raciales. Él y su grupo de estudiantes, finalmente, atravesando las barreras sociales, lograron entrar a la prestigiosa Universidad de Harvard y debatir con sus mejores estudiantes.

De destacar, James Newton Howard; este canadiense veterano de mil batallas favorito y aliado como sabemos de todos los proyectos de Cronenberg, colabora con Peter Golub en una edición musical embriagante. Blues, Dixieland y toda la música negra en todo su máximo explendor se reflejan exquisitamente en cada escena de la peli. Lastimosamente, esta peli es de las aburridas, Denzel no es tan inspirador como Tolson y cae a mi parecer en el cliché. Se destaca su actuación y la de Forest Whitaker, pero es un drama predecible y muy poco emocionante. Denzel es un actor importante en Hollywood, logró varias nominaciones y reconocimientos incluyendo su nominación como mejor peli en Los Globo pero esta y su Antwone Fisher nos dejan entrever que su estilo es más melodramático y lastimero, mucho más cercano al estilo hollywoodense por lo cual no se nos haga raro que el doble ganador del Oscar como mejor actor principal esté haciendo carrera para mejor peli y director y logre su estatuilla en un futuro no muy lejano.

Zeitgeist

Zeitgeist es una serie de documentales miedosos elaborados por Peter Joseph, un activista y realizador independiente estadounidense que escribe, produce, dirige y distribuye de manera gratuita sus documentales. Son tres pelis hasta ahora Zeitgeist: The Movie, Zeitgeist: Addendum y Zeitgeist: Moving Forward. Me parece más divertido hablar de los tres al tiempo que ponerme a discernir sobre cada una de las pelis y de pronto empezar a decir lo mismo muchas veces.

Sin tantos recursos como Inside Job, Zeitgeist en un discurso bastante estructurado que primero explora la manipulación judeo-cristiana de la religión como motor esclavista de la población para después mostrarnos los acontecimientos del 11 de Septiembre como un símil político para poder justificar guerras, controlar la opinión pública, crecer industrialmente e incluso como vimos en Inside Job crear un ambiente que quitara atención de toda la profunda crisis económica que se avecinaba. Tienen en común los dos documentales que cuando se habla de crisis económica se habla de todo menos de crisis en los bolsillos de los banqueros. En Zeitgeist se explora incluso más profundo esta situación y se habla de una conspiración engendrada mucho más atrás del nacimiento de la nación más poderosa del mundo, mucho más allá del imperialismo capitalista de Estados Unidos donde un puñado de familias no conformes con sus riquezas se repartieron el país y se propusieron repartir el mundo.

Estas familias han estado presentes de manera activa en las cuatro guerras importantes del mundo en su contemporaneidad, la primera guerra mundial, la segunda, Vietnam y Medio Oriente (que incluye la invasión a Afganistán e Iraq). Sus intereses son tan corruptos que se demuestra como influyeron para que hubiese guerra en un principio y como apoyaban paralelamente ambos frentes de choque con la única intención de colectar más y más deuda, más y más poder. Todo eso sin contar la constante influencia en la debilitación de los sistemas políticos de Latinoamérica y el mundo que estaban en contradicción con sus intereses.

Ahora bien, hablar del 11 de septiembre en Estados Unidos es tabú. El dolor que este fenómeno causó en las mentes norteamericanas es devastador. Sin embargo Joseph se atreve a compilar la suficiente cantidad de estudios, de expertos y de material audiovisual para demostrar que los atentados fueron premeditados, pero no por facciones aisladas en el medio oriente sino por grupos dentro del mismo país que necesitaban manipular la opinión pública para crear una guerra absurda que no tenía justificación alguna. Desde la forma en que colapsaron las torres 1, 2 y 7 del World Trade Center, el seguimiento que hizo el gobierno a falsas pistas, el ocultamiento deliberado de otras que debieron ser públicas pasando por las muy poco feacientes que si se hicieron públicas y fueron completamente desmentidas por expertos hasta la muy dura afirmación que el gobierno a todo nivel estaba enterado de lo que iba a suceder y como estaban preparados para confundir al resto, por ejemplo Dick Cheney, vicepresidente de la nación, estaba a cargo de la fuerza áerea en un simulacro con aviones merodeando los edificios metropolitanos, al mismo tiempo que eran atacadas las torres. Los autores intelectuales contrario a lo que yo pensaba no tienen siquiera partido o visión política, simplemente este puñado de familias tienen un plan delicadamente estructurado y maquiavelicamente preparado donde no hay mucho que podamos hacer. Desde el control de los medios de comunicación, hasta ser los dueños de la tecnología, la educación y el progreso, son una fuerza implacable que van a repartirse el mundo de forma descarada en frente de nuestros propios ojos.

En el pasado, la religión judeo-cristiana se adaptó a las creencias populares, se apoderó de los mitos egipcios, persas, sirios y conquistó miles de mentes gracias a Constantino que perdía poder en el Imperio Romano y necesitaba algún ardid que le permitiera dominar esa población. El resultado fue el Vaticano que gobernó toda la Edad Media con miedo, dogmas y ocultismo. El símil se adapta perfectamente al uso del terror como ente movilizador, como motor de manipulación y como justificación máxima de sus hechos perpetrados. Esta sociedad no tendrá fin hasta que no lleguemos al mínimo de nuestros recursos y cuando la crisis económica llegue a tal límite que será ineludible una solución diferente a una economía basada en los recursos y no en el dinero.

En la primera parte se llama a la concienciación de las masas sobre la manipulación gubernamental perpetrada por los bancos y las familias banqueras de todo el mundo. Un llamado que puede ser de alguna forma una voz en el desierto, un grito en el vacío, porque las amenazas de estos monstruos están tan avanzadas que parece que no se puede hacer nada. Peter Joseph afirma que el tiempo de la revolución es ahora, pero cuál es el lema, cuál va a ser la motivación, una verdadera revolución implica movilización, disciplina, exhortación de las masas a organizadamente responder a la afrenta. Somos esclavos de lo que ellos mismos nos propusieron y nosotros mismos nos pusimos las cadenas de esa servidumbre.

En la segunda parte ya hay una respuesta, la consolidación del dinero moneda como establecimiento de nuestra soberanía como nación, es un espejismo, un acto de magia donde generamos capital del aire reconocido por un ente arbitrario y el cual genera deuda a quien lo quiera poseer. Esa deuda se paga con trabajo y mientras en la esclavitud del siglo XVIII el patrono debía proveer sustento, alimento, ropa y techo, en la esclavitud actual el patrono no ofrece ninguna de estas bondades por el contrario si no paga la deuda de la casa esta es embargada o si uno no se alimenta tranquilamente se puede morir de hambre. Entonces, la respuesta es que los políticos están puestos en el poder del pueblo sólo como opio para sus votantes, no son capaces de resolver un sólo problema porque no están capacitados para hacerlo y es tan ineficiente su listado de requerimientos que el mismo ocio, el mismo poder los corrompe y los degenera. El siguiente paso debería una sociedad holística dependiente de los recursos, procurando su bienestar y evaluando la mejor forma de usarlos, una sociedad regida por tecnócratas y cientificos bajo energías sostenibles y limpias. Eso es el Proyecto Venus de eso se trata el Movimiento Zeitgeist.

La tercera parte menos mal fue el epílogo, no hay más obstáculos. Es la muerte del capitalismo a manos del sentido común. No más guerras orquestadas para mantener los intereses bancarios y financieros de unos pocos. Boicot directo a los bancos más corruptos y más codiciosos. No más el trabajo por el trabajo como método esclavista, producto de la deuda como mecanismo directo de control de estos grupos sobre el resto de la población. No más uso de energías limitadas, si al uso e investigación de energías limpias, sostenibles, eficientes e ilimitadas. No más desensibilización. Todos somos seres humanos, la pobreza ha matado más seres humanos que todas las guerras del mundo juntas y su capacidad mortífera aumenta día tras día.

Finalmente, la primera parte era demasiado escabrosa y creo que el mismo Joseph cayó en cuenta de su error. Las segundas partes fueron mas optimistas. El sentido común salió a relucir y aunque densas como ellos sólos, estos tres documentales deberían ser vistos más que como una excelente pieza audiovisual como un producto académico para que no nos estén diciendo después: «Se lo dijimos».

Noise

Es posible ganar un Sundance por mejor peli dramática y después como peor guión en los Razzie Awards? Ciertamente, Sandra Bullock había demostrado que se podía ganar un Oscar y un Razzie el mismo año.

Henry Bean ganó gran premio del jurado de Sundance por obra dramática en 2001 por The Believer una peli impresionante de un joven judío neoyorquino que pone a prueba a todos sus mentores hasta el punto de volverse neonazi, cometer actos de antisemitismo, asistir a campos de congregación y entrenamiento neonazi y hablar en pro de la derecha estodounidense en reuniones secretas en busca de financiación. Realmente interesante y con un discurso particularmente atractivo.

Ese mismo año, rueda la segunda parte de Basic Instinct, una peli completamente armada por Hollywood, comercialmente muy mala y argumentalmente patética dañando lo logrado por Paul Verhoeven en la primera parte (lo poquito que hace bien Verhoeven y Hollywood se lo tira, ahí está pintada la industria norteamericana). En fin, el caso es que por este adefesio ese año Bean logra su primer Razzie como pero guión. Debió haber sido un golpe tan duro como, superfluo. Su siguiente proyecto es una audaz mirada de un sociopata neoyorquino interpretado por Tim Robbins que no puede soportar la negligencia de sus vecinos que ignoran completamente la molestia que causan sus propiedades privadas cuando se alteran caóticamente y llenan la ciudad de caos y ruido.

Más que un proyecto interesante para Bean pareciese que estuviera exponiéndole al mundo su capacidad de poder hacer obras buenas y demostrar que para hacer Basic Instinct 2 tuvo necesidades económicas (así lo quiero ver yo).

De nuevo, este escritor-director plantea una trama aguda y contestaria que hasta yo mismo seguiría donde un ciudadano se ve afectado por el descuido de demasiados y es él mismo el que despierta a sus vecinos para hacerles caer en la cuenta que los están violentando y que su neurosis no es el verdadero enemigo. Así como el argumento, el final es creativo y audaz. Una buena razón por la cual pueden olvidar que les recomendé Get Him to the Greek

El reparto es de lujo, al lado de Tim Robbins, la siempre hermosa pero no tan buena actriz Bridget Moynahan, William Hurt y la intrigante y también encantadora Margarita Levieva (¡qué buen tono de voz tiene esta niña!). La música es impresionante, un perfecto y neurótico complemento a cargo de Phillip Johnston. El resto del equipo es complementado por la cinematografía de Andrij Parekh con una fotografía y unas cámaras que reflejan, a pesar de todo, una Nueva York increíblemente hermosa, el montaje de Julie Carr y Lee Percy y de nuevo el guión súper especial de este gran artista que es Bean.

Lástima, no sabemos de más proyectos de dirección o de escritura de Bean. No hay rumores y tampoco pareciera que los hubiera. Ya son tres años desde Noise deseamos de todo corazón que no abandone la industria.

Death at a Funeral

En esa malhechora costumbre de Hollywood de reelaborar para hacer suya la cultura del cine universal, lo único positivo que queda es la inquietud de buscar la peli original que seguramente va a tener mucho potencial en la consecución del final, va a ser menos parroquial en sus propuestas filosóficas y sí, muy posiblemente, puede ser más interesante y divertida.

¿Por dónde empezar? The Ring, Dark Water, The Grudge pueden ser un par de ejemplos de lo que hizo Hollywood con el género de terror japonés, recientemente. The Vanishing, Funny Games U.S. o en producción The Girl with the Dragon Tattoo con pelis independientes de Holanda, Alemania y Suecia. Sus acercamientos también se logran con el cine hispanoamericano con Vanilla Sky, Criminal y hasta se rumoraba de una basada en una colombiana con Nicole Kidman pero aún no está bien definida.

El tema puede alargarse para hablar de los re-enlatados que Hollywood hace incluso de su misma historia pero este par de parráfos están fundados en que no vamos a hablar de Death at a Funeral de Neil LaBute en 2010 con Danny Glover, Regina Hall, Martin Lawrence, James Marsden, Tracy Morgan, Chris Rock y Zoe Saldana. Vamos a hablar de la divertida comedia que hizo Frank Oz en 2007 también con un reparto de lujo pero con una producción británica. Ewen Bremner, Alan Tudyk, Jane Asher, Matthew Macfadyen, Peter Vaughan, Kris Marshall y uno que repite tanto en la norteamericana como en la británica que es Peter Dinklage.

La peli es dirigida como les digo por Frank Oz, a veces muy recordado por su carrera histriónica que incluye la voz de Yoda en la saga de Star Wars o Piggy, Fossie y Animal en los Muppets además de muchos más papeles de bajo calibre en pelis de bajo calibre. Oz en su paso detrás de las cámaras sigue siendo honesto y le encanta las comedias y la serie B, es capaz de dirigir a Dreyfuss y Bill Murray What About Bob? , hacer un thriller policiaco con De Niro y Norton en The Score o su regreso a la comedia en The Stepford Wives con un elenco de primera (Bette Midler, Nicole Kidman, Matthew Broderick, Glenn Close, Christopher Walken).

La peli es una comedia ligera basada en el guión de Dean Craig, que hizo también el guión de la norteamericana y por eso también la coincidencia general. No es que sea la mejor comedia que haya visto pero es mordaz, astuta y no pierde ritmo como muchas de las comedias inglesas que tienden a encantar por su acento, sus costumbres y a veces lo crudo de su humor. La gringa apela al chiste negro y sigue siendo divertida pero fue demasiado reciente, se ve como una mala copia porque no dejaron descansar al público y casi que terminan una para empezar a producir la otra. Yo la recomiendo antes que la de 2010, así se mantienen frescos los chistes y el humor no se siente acartonado.

Into the Wild

Tal vez Sean Penn se haya conmovido por la historia de Christopher McCandless, un joven aventurero que a sus 21 años de edad abandona sus poseciones materiales y se embarca en una empresa en busca de la libertad y la verdad, tal vez fue lo mismo que le sucedió a Jon Krakauer autor del artículo sobre McCandless y que después volvió libro, en una especie de novela de culto periodístico. Esta peli de 2007 es el resultado de todo lo que los hizo pensar a este director-escritor y a este novelista. Una pieza llena de belleza a nivel de fotografía, cámaras y narración.

Me sorprende lo bien elaborados de los diálogos, una característica no muy frecuente en Penn y que logran compartir esos aspectos por los cuales la experiencia de McCandless es tan importante para él. A su lado logrando capturar estas sensaciones se encuentran igualmente conmovidos Eric Gautier, en cinematografía, Jay Cassidy en montaje y Michael Brook, Kaki King y Eddie Vedder en música original.

La peli se divide en capítulos, nacimiento, adolescencia, madurez y sabiduría vivenciados por un Emile Hirsch carismático, elocuente y vivaz. No conozco el libro, ni el diario pero si este muchacho lo dividió originalmente así me parece pretencioso e inadecuado. Christopher McCandless no deja de ser una persona que está huyendo de sus miedos, de sus angustias, de sus enojos, de su enfrentamiento en la vida. Para mí no había superado la adolescencia y estaba en plena maduración, siente que es el dueño del mundo con su filosofía de superación personal pero vive en constante negación, negación de la necesidad de otras personas pero queriendo y extrañando al mismo tiempo a los personajes de Brian H. Dierker y Catherine Keener, negación de la necesidad de dinero pero con la constante rutina de trabajar por dinero cuando este se le acababa para la comida, el amparo, la protección o simplemente la diversión, y negación existencial no sólo cuando se cambió el nombre a Alexander Supertramp, sino al eliminar cualquier rastro de su antigua personalidad y quedar atrapado entre sus propios divagares con una naturaleza hostil, despiadada e inmensa. Es muy bonito cuando se enfrenta al personaje de Hal Holbrook no por los conocimientos que este viejito solitario le haya concedido sino porque por primera vez encontró un fundamento de otro ser humano válido que no hubiera podio encontrar al lado de búhos, alces o lobos.

Muchas personas se han conmovido y se seguirán conmoviendo con la historia de McCandless, yo por mi lado pudiera rescatar muchos rasgos positivos de Alexander Supertramp, ese que quiere ser libre, encontrar la verdad y que no se deja alienar de la sociedad norteamericana. Sin embargo Supertramp no existe, es un héroe creado en la ficción de un hombre que apenas está madurando y que encuentra muchas incongruencias en su vida, a través de las cuales todos en esta vida hemos tenido que sobreponernos y seguir adelante.

Silk

Un reparto interesante para una peli brutalmente aburridora. Michael Pitt, Keira Knightley, Kôji Yakusho, Sei Ashina y Alfred Molina. Basada en la novela de Alessandro Baricco, François Girard, un director canadiense relativamente joven en su prontuario, nos trae una ralentizada historia de un negociante de huevos de gusanos de seda que va y vuelve a Japón mientras su esposa lo espera en casa. Tan desabrida como su trama, la peli no ofrece ningún ritmo en absoluto y son casi dos horas de puro melodrama y unas tonadas de piano realmente desesperante.

Podría decir que lo más rescatable es la hermosa fotografía a cargo de Alain Dostie pero en realidad ni siquiera eso paga la boleta o la molestia de ver toda la peli entera.