Le gamin au vélo

Le gamin au vélo (fácilmente traducible al español como El gamín de la bicicleta) es una peli tan interesante como estresante.

No soy muy fanático del cine francés, no por su carácter vivencial casi ordinario, por lo visceral de sus historias o por el dramático desempeño de sus actores. Todo eso está muy bien. Realmente, se disfruta mucho el desarrollo de una peli francesa hasta que uno llega al final y se es envuelto por una sensación de insatisfacción por sus finales abiertos. Casi la misma sensación que sentimos recientemente con Martha Marcy May Marlene.

Le gamin au vélo es una peli escrita y dirigida por los hermanos Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne quienes nos transmiten la historia cruda de un niño de trece años que se ve recluido en un centro gubernamental para niños abandonados. Este niño, recién aparece en pantalla, ha perdido a su abuela, no tiene madre y busca frenéticamente a su padre que inesperada e intempestivamente desaparece de su vida. Lo llama por teléfono, no cree en sus tutores, se escapa del colegio para ir a timbrar su apartamento, se comunica con el conserje del edificio porque no quiere creer que su padre lo ha abandonado y para colmo de males se entera que él vendió su bicicleta porque se vio en dificultades para pagar los servicios públicos.

Reticente, incrédulo, obrando erráticamente el niño se siente atrapado, hasta que una peluquera se interesa y se hace cargo de él. El guión nos muestra una personalidad frágil que en cualquier momento puede detonar en una gran maldad. Esa es la virtud de esta gran peli, su fotografía, su caracterización o su música casi ausente no son nada comparado con los grandes niveles de tensión que sufre el espectador esperando que este pajarito, este juguete roto, se transforme en una rata o algo más despreciable.

Le gamin au vélo llega a nuestra cartelera comercial/independiente después de haberse mostrado en el gran Festival 4+1, ganó Gran Premio de Jurado en Cannes así como también fue nominada a Palma de Oro, ganó mejor guión en los European Awards y fue nominada un sinnúmero de veces como mejor peli en los Globo de Oro, en los Spirit, en Vancouver y en los César.

Si usted soporta los finales y el drama francés, en su máxima expresión, esta cinta es definitivamente para usted 😉

Schastye moe

Schastye moe (Mi dicha) última peli de Sergei Loznitsa, que nos trajo el Festival 4mas1, es de todo mi gusto.

No es una peli fácil, eso se nota desde el primer momento, con la secuencia de créditos y las acciones para encubrir un muerto en una fundición de una placa de concreto, en alguna parte de Ucrania -misma referencia para el afiche de la peli-. Una introducción bastante bizarra pero que nos contextualiza en el marco socio-político de esta nación de la ex-unión soviética.

La peli plantea la vida sencilla de Georgy (Viktor Nemets) un camionero que recibe su carga para transportarla, va a su casa a hacerse una merienda para el viaje, su mujer lo mira desde la ventana y se entiende que hacía mucho tiempo no paraba en casa; la despide como puede y parte hacia su empresa. En el recorrido se desvía de la carretera y empieza su perdición cuando se enfrenta a un camino sin salida. No hay cómo seguir, no hay giro, no hay indicaciones, está perdido. Lo que en principio parecía una divertida cinta costumbrista -en algún momento pensé que podría ser como una peli de Kusturica– se vuelve un tobogán de eventos desafortunados, cada vez más trágicos en la medida que avanza la historia.

Las primeras imágenes me recordaron La Habana, en un ambiente urbano atrapado como en los años 70, con grandes urbanizaciones y con una relativa calma socialista. La música y los personajes del panorama son increíbles, encuentra uno pistas del final de la tragedia o simplemente son divertimentos del ojo turista de Georgy en su propio país. Las historias colaterales despistan un poco pero son ingredientes de carácter que refuerzan el contexto.

En Biutiful de González Iñarritú hablaba de un salto al vacío hacia un fondo pesimista. Georgy hace también el mismo salto, la diferencia es que no es tan desgarrador o vertiginoso pero uno siente que el dolor y la tristeza de este hombre apoderándose de él. Comentaba con un amigo que Uxbal, el papel que interpreta Bardem en Biutiful es tan trágico e inverosímil que causa gracia. Georgy y su historia no causan gracia. Sonreí con algunos apuntes de los lugareños en la peli pero sus personas son tan agrestes como desolador es el ambiente de Ucrania en invierno. Una dura crítica a la ética y la moral y una fabulosa perspectiva de una nación anacrónica que habla de la invasión nazi como si fuera ayer mientras los niños juegan con video juegos o escuchan música en dispositivos móviles.

Dejé esta reseña para el final, quería ver Curling de Denis Côté o Belle Épine de Rebecca Zlotowski pero sencillamente no me alcanzó el tiempo. Sin embargo me fui contento a casa con el balance y porque para mi vi una de las mejores pelis del Festival.

Autoreiji

El fin de semana vi que en Apple Trailers apenas están anunciando Autoreiji (Indignación) de Takeshi Kitano mientras que los que pudimos y tuvimos suerte ya la pudimos ver en Colombia. Placeres sencillos que una vez más nos ofreció el Festival 4mas1.

Kitano es un gran maestro del cine, con un estilo bien definido en narración y cámaras (recordemos que él escribe, dirige, a veces filma y monta sus propias cintas). Últimamente nos había traído la fábula de un artista en Akiresu to kame, la leyenda del ciego espadachín en Zatôichi o las surrealistas historias de Dolls pero a pesar que me gusta este tipo de cine debo confesar que soy más fanático de sus raíces en Kikujirô no natsu, Hana-bi o Sono otoko, kyôbô ni tsuki con su temática criminalista y con el acercamiento a la problemática Yakuza de manera tangencial. Pareciera que se sintiera más libre contando estas desgarradoras y escandalosas historias con todos sus baños de sangre que con las alegres y festivas -aunque también oscuras y sangrientas como Zatôichi– con las que nos venía acostumbrando.

Autoreiji a diferencia de todas ellas, se inmiscuye en el mundo Yakuza. No es más un tema cultural o un adorno de ubicuidad, es el centro del universo y de allí se despiden todas las relaciones de la historia. Las mafias japonesas tienen una gran cercanía, de lo que nos deja entrever Kitano, con las familias italianas donde el honor, el respeto a la jerarquía y la lealtad a la cabeza es lo que prima aparte de la criminalidad innata en una organización de este tipo. El señor Ôtomo, entonces, es un cabecilla de mando medio que recibe órdenes del señor Ikemoto que a su vez recibe órdenes del patrón Kan’nai. Los hilos del patrón empiezan a templarse por la relación poco atractiva entre la cabeza de la familia Ikemoto y los Murase creando un algido ambiente de confrontación en el cual queda el señor Ôtomo involucrado en un fuego cruzado y en un juego de traiciones que sólo despliegan atrocidad e indignación.

El ganador. La misma organización Yakuza. El final. Típico de las pelis de Takeshi Kitano en este tipo de pelis de corte policiaco.

Meek’s Cutoff

Esas pelis contemplativas, de grandes planos generales extendidos más de la cuenta a lo que estamos acostumbrados en la proyección de la sala, muy costumbristas y con fotografía de muy alta calidad me encantan -recuerden que me crié con Wenders y Herzog en la universidad-.

Meek’s Cutoff de Kelly Reichardt fue una de tantas pelis que vi anunciada en San Francisco y que no tuve oportunidad de atender allá. Tenía muchas ganas de verla y gracias al Festival 4mas1 logré hacerlo.

Es la historia de una caravana en una travesía por Oregon, que se apartó de una aún más grande, buscando pastos más abundantes mucho más al sur. Situada a finales del siglo XIX, se enmarca una odisea relativamente plana donde los partidarios de esta decisión, gracias a la escasez de agua, los largos recorridos a través del desierto, empiezan a estar en desacuerdo con su líder Stephen Meek, interpretado Bruce Greenwood (Super 8, Star Trek) oculto en una desordenada melena y una larga barba. Meek responsable del atajo, es obstinado y prepotente, es incapaz de pedir ayuda o de reconocerla en ningún momento. Las tribulaciones de las familias que lo acompañan terminan cediendo ante la llegada de un aborigen que posiblemente tiene mejor ubicación o por lo menos conocimiento de la ya escasa agua. La falta de fe de sus seguidores atenta contra el comando de Meek, el gran problema es la comunicación entre estas dos culturas tan inclinadas a no comunicarse, como lo eran los inmigrantes y los nativos de toda la extensión de Norteamérica.

La peli tiene una excelente fotografía, es costumbrista y contemplativa pero a diferencia de los grandes directores del neoexpresionismo alemán padece de una falta de contenido o significado. Es más una bella expresión cinematográfica en la estética de esta peli. A mi parecer una mecha quemada de Michelle Williams (Blue Valentine, Shutter Island) y Paul Dano (There Will Be Blood, Little Miss Sunshine) que toman muy en serio sus decisiones de producción y aunque la cinta de Reichardt está volcada completamente al género independiente que les apasiona, el alcance al final no es el mejor logrado.

La peli logró mejor producción en los Spirit y también participó oficialmente en La Biennale de 2010 donde aruño el premio SIGNIS para su directora. Gracias a MUBI y el Festival 4mas1 podemos observarla hasta hoy.

Kongen av Bastøy

Estaba un poco perdido del blog, trabajando mucho pero también yendo mucho a cine. Estuve cubriendo lo poco que pude del Festival 4mas1 y aunque empecé muy mal (después les cuento porqué) la cuestión estuvo mejorando muchísimo. La primera peli a la que hago referencia es Kongen av Bastøy (Rey de Bastoy). Una historia muy dura de un internado de jóvenes, corrupto por el poder y olvidado en su lejano paraje, en una isla azotada por las inclemencias del clima noruego.

Es la primera que traigo a colación porque es nada más y nada menos que la cinta que ganó El Festival; como ya lo deben saber, este festival es prácticamente una muestra inédita del mejor cine independiente y de autor del mundo y su único jurado es el público de Ciudad de México, Baires, Rio, Madrid y Bogotá.

Es una peli clásica con un tema que ya hemos visto varias veces en los principios del Siglo XX -y donde ya nos quedó claro- que no fue un picnic, que hubo torturas, maltrato y abuso en ciertos claustros de corte cristiano.

¿Qué pudo motivar al público para escogerla como la mejor cinta del Festival? A mi parecer se combinan dos factores importantes; el primero son las actuaciones ejemplares. Por un lado Stellan Skarsgård (Thor, Breaking the Waves, Exorcist: The Beginning), sueco impresionante que fluye sin problemas en francés, alemán, inglés, obviamente sueco y -por lo visto cualquier lengua indoeuropea- en este caso noruego; por el otro lado, los niños (Benjamin Helstad, Trond Nilssen) que aportan la emotividad y el vínculo conmovedor al espectador.

El otro factor que pudo haber hecho sobresaliente esta peli es la dirección de producción de Janusz Sosnowski combinada con la cinematografía de John Andreas Andersen porque sitúan la historia a un ambiente agreste, frío y desconsolador. Este tipo de ambientación puede llegar exacerbar el melodrama y, de nuevo, empatía con el público. Para mi el punto ganador estuvo un poco más al lado de los simbolismos, en la narración, que fue muy bien lograda por el director. En la traducción del título se hace referencia errónemente a una “isla del diablo” un efecto más taquillero que cualquier otra cosa, Bastøy es un nombre propio, una isla cárcel al sur de Oslo y su referencia en el título es la de su rey en 1915. Lo bonito del cuento es descubrir quién es él, como se desenvuelve en la isla y cómo, al igual que él, se va develando el personaje de la ballena. Ese punto crucial en el desenlace del cuento, repitiendo la frase inicial de las cicatrices de la ballena, los tres arpones y los navegantes persiguiéndola durante un día es realmente hermoso.

Al igual que todas las pelis del Festival se pueden observar por muy corto tiempo enLínea por MUBI, no se las pierdan

Festival de Cine 4mas1 2011

El año pasado fui sorprendido gratamente con un festival de cine en Bogotá que nos trajo unas piezas únicas, que incluso hoy sólo han podido verse en ese particular circuito. Hablo del Festival de Cine 4mas1 que repito nos trajo cine de autor de la más exquisita selección; de esa ocasión sólo recuerdo haber visto Irène y, si no estoy mal, Kirschblüten pero definitivamente me tomó por sorpresa y no pude prepararme como hubiera querido (por ejemplo se me pasó Loong Boonmee raleuk chat de Apichatpong Weerasethakul que recién venía de ganar Palma de Oro en Cannes y a la postre fue nominada como mejor peli extranjera en los Spirits).

El Festival de Cine 4mas1 es organizado por la Fundación MAPFRE y paralelamente tiene una muestra de pelis en Madrid, México, Baires, Rio y Bogotá. Este año la programación es aún más suculenta y pueden accederla directamente haciendo clic aquí. Tengo el dossier de prensa y trataré de aquí a mañana hacer una pequeña selección, para informarles cuáles pelis podrían ser interesantes y cuáles imperdibles. El Festival es organizado de la mano de la Casa Malpensante en rotación de las salas de la Cinemateca Distrital y Avenida Chile.

El Festival además de cine de muestra, premia un listado de pelis que están en concurso. Estas pelis son elegidas por el público mediante votación al final de cada función y después de cierto tiempo, se anuncia la ganadora y se presenta también exclusivamente de nuevo en Madrid, México, Baires, Rio y Bogotá. Este año tienen la gran particularidad que todo El Festival se puede ver enLínea a través de MUBI en Colombia, durante la duración del evento, lo cual es un gran acierto si en cualquier de los casos, le queda a uno difícil asistir a las salas bogotanas.

Anoche, precisamente, fue la inauguración en Avenida Chile con la peli Senso de Luchino Visconti. No se si sea necesario una reseña en el blog pero fue divertido ver cine clásico en una sala de cine. Lo que si se es que, aunque no se puede descalificar una peli de otrora, Visconti no es mi director favorito por su exagerada teatralidad, su dramatismo musical y sus pequeños errores de continuidad. A mi parecer debieron abrir con la ganadora del año pasado porque creo hubiera podido ser aún más interesante.