Brit, Documentary, Experimental, Indie, James Marsh, Miguel Vaca, Movie, Storytelling, Vacacion, World

Project Nim

Todos los documentales buscan definir una hipótesis, esa es la base de sus fundamentos, así como un argumental define que toda historia tiene un principio, un nudo y un desenlace. El laureado por Sundance 2011 y reconocido en los BAFTA’s 2012, James Marsh nos trae un delicado documental que ahora mismo rotan en HBO con dos posibles sentencias.

Nim es un chimpacé que es apartado de su madre Carolyn para ser criado como un humano por Stephanie LaFarge y ver si de esa forma era posible enseñarle que se comunicara por señas. Un proyecto ambicioso dirigido por el psicólogo Herbert Terrace en el centro de la familia LaFarge dentro de Nueva York en el Upper West Side de la ciudad. No se hasta qué punto Marsh decida que «¿es posible que un chimpancé aprenda a comunicarse en el lenguaje de las señas?» sea su hipótesis o más bien por como conduce su pieza más bien sea «¿puede ser un chimpancé criado como humano ser considerado también como humano o al menos como humanoide?». 

En la primera sentencia se desarrollan dos corrientes interesantes; una la de los profesores de Nim que crean un vínculo muy grande, de hermano unos, de padre-madre otros y defienden que a pesar de que la madurez intelectual del chimpacé es a veces la de un niño, Nim si se comunica a través de un progresivo aprendimiento de palabras dentro de un glosario bastante extenso. El director del proyecto, el doctor Terrace por el contrario afirma que aunque los avances son grandes en Nim, no se está comunicando sino que lo que han logrado hasta cierto punto es un mendigo brillante.

Es interesante que todos los que se involucraron con el chimpancé un ciento por ciento puedan decir qué sentía, cómo se comportaba, cuáles eran sus estados de ánimo y que Terrace, que se mantenía alejado del proyecto como un dios distante, pueda afirmar que tan sólo es un chimpancé semi-domesticado. La ética del doctor se ve vilipendiada al demostrar que se preocupaba más por su imagen pública que por Nim, que visitaba el proyecto con periodistas y fotógrafos para hacer sesiones donde él se veía cargando al chimpancé o le daba ciertas órdenes en cámara para mostrar que él estaba al tanto del progreso del proyecto. Se quiere atacar fuertemente en el documental que mientras la comunidad científica lo apoyó, era una gran estrella mediática pero cuando en realidad tuvo que defender a Nim se resguardó en la hipótesis del mendigo brillante. Por mi lado se ve grandemente afectado su criterio como profesional cuando se resaltaba que Nim pasaba de “madre” a “madre” y que siendo supuestamente un proyecto científico el doctor mantenía relaciones sexuales con ellas o por lo menos se había involucrado de la misma forma en el pasado con ellas. Una clara manipulación de jovencitas basada en su ingeniosa labia. Sin embargo, Project Nim, Es un experimento desde muchos puntos de vista retorcido, sólo hace falta ver el momento en que LaFarge asegura que amamantó al chimpacé como si fuera un hijo suyo, para entender que Terrace no fue el único que estaba desequilibrado para ese entonces.

La segunda sentencia se desarrolla en el tercer acto cuando Nim ya no es el miquito con ojitos grandes y ternura destemplada. Nim tiene veintitantos años, es un chimpancé de setenta kilos, un metro cincuenta de estatura y una fuerza siete veces más grande que la de un ser humano normal. Es un juguete roto que fue sonsacado de su ambiente natural biológico y empezó una constante odisea de hogar en hogar buscando el refugio que sabemos nunca encontró. Hemos visto en cine muchas historias de niños desprotegidos, adoptados y vueltos a instituciones gubernamentales que sencillamente no tienen la facultad para relacionarse con otros seres humanos incluso se vuelven criminales o asesinos. 

Nim no es diferente y se trató que enfrentara un juicio cuando fue tratado como un simio más. Pero no hubo sentencia, la sentencia la da Marsh en su documental y nos deja la incógnita en nuestras mentes rondando una y otra vez después de ver esta fuerte pieza.

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My Week with Marilyn

De verdad que a veces no entiendo a los distribuidores. Su profesión va a ser asaltada por alguien que se tome en serio los intereses de los cinéfilos que están realmente hartos de esperar que uno de ellos traiga o calcule las utilidades de cierta peli antes de proyectarla. Digamos que uno pasa ciertas penurias con ciertas piezas comerciales cuando se estrenan primero en otros lados, una o dos semanas antes pero igual es comprensible hasta un punto poco tolerable donde los comentarios empiezan a abundar en los periódicos o blogs que leemos frecuentemente. Pero el tema es realmente frustrante en la cinematografía independiente, por ejemplo Mongol de Sergey Bodrov la estaban rotando hacía dos meses en Cinemax antes de su estreno en salas o la reciente We Need to Talk About Kevin se demoraron más de un año para traerla y MovieCity ya la está pasando esta semana en alta definición.

Yo he decidido no esperarme a ellos, si está en cine bien, soy fiel amante de la sensación de ver una peli proyectada en una sala, si la están rotando en TV trato de buscarla en alta definición para grabarla pero si no se puede y realmente es rara la grabo de cualquier forma. Hay veces que la impaciencia me domina y si noto que los distribuidores están reacios a mostrarla pronto la aparto en Amazon pero hay veces que definitivamente no la consigo ni por aquí o ni por allá y Cuevana es un escape muy bueno al final. Últimamente, y esta es una gran recomendación, estoy optando por el servicio Instant View de Amazon, ha sido excelente y si de verdad la peli lo merece directamente la aparto en mi carrito de compras.

Como les digo el negocio de los distribuidores va a tambalear, al final los que más perdemos somos nosotros porque se va a poner en peligro la proyección tradicional porque ellos buscarán un puesto en el gobierno cuando sus negocios fallen y problema solucionado. Hace más de seis meses que My Week with Marilyn fue estrenada en Estados Unidos, hace más de dos meses vi sus cortos en salas comerciales, no entiendo porqué aún no la han proyectado pero tristemente me tocó buscarla y verla por mi cuenta.

Marilyn Monroe fue un fenómeno global impresionante en los 50’s. La chica del cumpleaños se apoderó de todas las portadas de todas las revistas, los cabezotes de todos los periódicos la nombraban sin césar y a dónde iba obviamente causaba conmoción. My Week with Marilyn es la historia hecha novela, hecha peli de cuando Marilyn visitó Londres bajo el requerimiento de Lawrence Olivier para su nuevo proyecto The Prince and the Showgirl. En ese entonces, la Monroe estaba casada con el escritor Arthur Miller pero él no podía cuidar de ella todo el tiempo y por una semana, mientras viajaba a París, fue encargado el joven Colin Clark como su asistente. El joven de veintitrés años la escuchó y estuvo con ella. La diva acostumbraba a tener este tipo de acompañantes que terminaban enamorados de ella como Milton Greene (Dominic Cooper) que había sanado sus propias heridas pero sus cicatrices ardieron cuando el joven Clark se acercó y ella se lo permitió como nunca lo había hecho con nadie.

Las implicaciones de esa semana, sólo las sabrán a ciencia cierta Marilyn y el autor, las sugerencias quedan clavadas en nosotros y la vulnerabilidad de la Monroe queda perfectamente establecida por un lado en la gran dirección de Simon Curtis y el gran desempeño de Michelle Williams que incluso le valió un Globo de Oro como mejor actriz en una comedia o musical, un Spirit, su tercera nominación al Oscar y al BAFTA. No puedo llegar a afirmar que tenga una fijación con Marilyn Monroe, ni siquiera he visto una de sus pelis completas y a duras penas recuerdo la versión en blanco y negro de su “feliz cumpleaños” al presidente John F. Kennedy. Creo no ser el más idóneo para criticar si Williams logra personificar a la diva. Lo que si puedo decir es que más allá de la pastoril historia de Clark -que es bien insulsa- el desarrollo del personaje principal es genial y una de las mejores actuaciones de Williams desde Blue Valentine por momentos uno ve chispazos de gestos y ademanes propios de la Monroe extraídos de una revista o una búsqueda rápida en Google.

¿Una pieza de este calibre no debería haber estado ya en nuestras salas? ¿El hecho de que haya sido tan renombrada a principio de año en los festivales y ceremonias más importantes a nivel comercial e independiente, no era suficiente excusa para enloquecernos e incluso agarrar a un par de esnobistas que buscan sólo ver pelis reconocidas mundialmente?

Curtis no dirigió excelentemente sólo a Michelle Williams, también estuvieron presentes Julia Ormond como una hermosa y aseñorada Vivien Leigh, Judi Dench una tierna, sofisticada pero muy humilde Sybil Thorndike y Kenneth Branagh interpretando a Sir Lawrence Olivier, de quien se dice si hubo realeza en el cine, él sería uno de sus príncipes –Branagh nos lo dejó muy claro-. La historia y la peli son juguetonas, casi inocentes, rozan temas de histeria, frenetismo, frustración donde, repito, lo menos importante y atractivo es la historia de explotación entre Clark y Monroe. Es una buena cinta de desahogo y esparcimiento.

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We Need to Talk About Kevin

Pensaba que la crítica era un tanto descuidada cuando afirmaban que We Need to Talk About Kevin proponía la mejor actuación de Tilda Swinton y me ponía a pensar si realmente era posible superar Io sono l’amore, Michael Clayton o Broken Flowers. Personalmente, Swinton logra su máximo desempeño en Io sono l’amore pero esta cinta le puede hacer un buen contrapeso y por suma de elementos estructurales incluso ser tan interesante.

We Need to Talk About Kevin está basada en la novela del mismo nombre de Lionel Shriver. Lynne Ramsay es una joven realizadora escocesa que nos trae su interpretación proponiendo un frenético juego de tiempo para presentarnos la vida de Eva Khatchadourian (Tilda Swinton). Eva es una mujer exitosa, podríamos aducir que una especie de corresponsal, de pronto uno de esos viajeros que vemos en los canales de turismo que viajan y viajan para dar sus recomendaciones sobre Buñol, Rangún o París, uno de esos viajeros que tanto envidiamos y odiamos por tener el trabajo perfecto. Eva es neoyorquina, sofisticada, cosmopolita y aventurera. Su pasión por los viajes se ve truncado súbitamente por un embarazo no deseado y comienza su pesadilla. Sus calidades como madre la frustran, su incapacidad para calmar a su hijo la desconcierta y la falta de comprensión la llenan de un profundo vacío. De repente, todos los juegos de Ramsey se vuelven reflexiones de Eva sobre su pasado y de cómo ella tenía arreglada su vida en una realidad superflua pero feliz.

El producto de esa insatisfacción, de esa incapacidad y de esas frustraciones es un niño desenfrenado, desatado y sádico. Un niño llamado Kevin que fue capaz de leer a su mamá desde los dos años, manipularla a los ocho y envilecerse a sus dieciséis. We Need to Talk About Kevin es la historia de este niño en particular y la lucha de su madre para sobrevivirlo. Hay varios temas geniales en la pieza de Ramsay sin embargo antes de discutirlos a fondo, me gustaría dejar claro que no estoy muy de acuerdo en el regusto que deja la cinta al esclarecer la culpa de esta mujer por haberse extasiado en su juventud y sentirse orgullosa de su éxito. Una culpa judeo-cristiana que ataca los instintos naturales de los seres humanos por el placer y su búsqueda en el hedonismo. Muchos de los grandes traumas de la intelectualidad moderna se debieron a la asunción de estos dogmas y duramos mucho tiempo en nuestra contemporaneidad tratando de superarlos.

Esta vez el desempeño de Swinton no se ve afectado por el resultado directo de su actuación, al igual que The Iron Lady, el maquillaje y vestuario de la protagonista, más que acompañar, complementan un excelso ejercicio histriónico. Tilda Swinton es un mosntruo, es un monstruo de la misma especie de Michael Fassbender, en esta peli no sólo es diferente a todas sus presentaciones diferentes sino que cronológicamente es una mujer fragmentada y cada una de sus épocas tiene una apariencia y un comportamiento diferente. Por su lado, John C. Reilly lo hace bien pero no me convence como esposo de esta gran mujer -mismas deficiencias simpáticas que le sentí en Carnage-, sin embargo se siente como un padre relajado, llevadero, empático. Mi punto sobre la culpa se empieza a sentir aquí mismo, cuando Eva no es la única responsable del desenfreno de Kevin, el ausentismo del padre es un claro agravante en la educación de un niño, tratar ser el amigo y no la figura paterna, desafían la mente de un niño y le tergiversan su sentido de lo correcto y lo incorrecto.

Hasta ahora impecable Ramsay en su tesis y en el empoderamiento de su proyecto. Ahora bien, uno pensaría que hasta aquí el director de reparto -el grandioso y veterano Billy Hopkins– ya logró sus objetivos. Pues no. Su mayor logro no fue escoger a Tilda Swinton, su agudeza y destreza se ve reflejada en la escogencia de los tres actores para los tres momentos de Kevin: A los dos años (Rock Duer), a los ocho (Jasper Newell) y a los dieciséis (Ezra Miller). Si hablamos de Tilda Swinton, definitivamente hay que hablar de esta joven promesa llamada Ezra Miller. Lynne Ramsay hace un excelente trabajo dirigiendo a sus actores y el perfil retorcido de Kevin se nota en el niño de ocho años y en el trabajo de Miller absorbiéndolo y entendiéndolo perfectamente. Pero igual uno queda boquiabierto frente a este Damian contemporáneo. Frío, calculador, psicótico, simpático, retorcido, todos las facetas de Kevin logradas con absoluta exquisitez.

Si aún no están convencidos de irla a ver en cine, si después de decirles que su partitura es delirante (Jonny Greenwood), que su montaje es obra de la más fina artesanía (Joe Bini) de pronto se convenzan de que ganó mejor actriz en los European, resonó en los Globo de Oro, en el Gremio de Actores, en los BAFTA’s de este año, Ramsay ganó mejor dirección en los British Independent y en Cannes concursó por la Palma de Oro pero la tenía muy dura compitiendo con Terrence Malick, Nicolas Winding Refn y Lars von Trier.

Nota personal. Se habrán dado cuenta que no nombré el trabajo de Seamus McGarvey director de fotografía y responsable de la cinematografía de esta peli. Pues resulta que lo dejo al final como un apartado personal para compartirles el ejercicio que hice con su, también sobresaliente, labor. Resulta que el color rojo tiene una significancia muy fuerte en la pieza. Rojo es el momento de pasión, de locura, de añoranza de Eva. También implica la manipulación, la sevicia, la mezquindad, la crueldad, la maldad. Cuando es joven y está en la tomatina de Buñol, el color está presente, la toma cenital y la sensación de la gente apretujada da una sensación de asfixia, de sexualidad, de gozo, de felicidad absoluta, de éxtasis; cuando Eva se resiente de su maternidad viste de rojo, se alimenta de rojo, bebe rojo; y cuando ella ha sobrevivido los eventos con Kevin, es atacada de muchas rojas maneras. Esto me puso a pensar en los momentos en los que el rojo está presente e hice la siguiente lista:

  1. Tomatina de Buñol, Valencia
  2. Reloj desenfocado e intermitente que nombra las 12:00
  3. El mismo reloj que ahora enfocado anuncia las 12:01
  4. El atentado contra su casa es con pintura roja
  5. La mermelada del sanduche de Kevin
  6. La salsa de tomate sobre los huevos revueltos con cáscaras
  7. El vestido rojo de navidad cuando por fin vuelve a sonreír
  8. El vino rojo
  9. El fondo de sopas de tomate L. Ramsay’s alegoría a las sopas Campbell’s pero renombradas con el nombre de la realizadora
  10. La sangre del hamster en las manos de Eva
  11. La pintura en las manos de Eva cuando limpia su casa
  12. Camiseta roja del niño de dos años cuando van a ir al pediatra para revisar si es autista
  13. Las sillas de la agencia de viajes donde va a pedir trabajo Eva
  14. La pelota con la que intenta jugar Eva con Kevin cuando este tiene dos años
  15. La camiseta del papá cuando está jugando video-juegos con Kevin -dicha camiseta no es completamente roja, es de rayas rojas y blancas, sólo los resortes son completamente rojos-
  16. El primer arco que recibió Kevin como regalo
  17. El vestido de Eva cuando está con el padre aguardando por el diagnóstico de su hija

Espero con esta nota no haber revelado mucho contenido dentro de la peli pero al igual que el tiempo, es un error tratar de reconectarlo en orden cronológico. La desesperación de Eva conllevan a la constante reformulación de su psiquis y ese ejercicio al desorden mental de su historia. Puede que a uno le cuenten el final de esta cinta pero eso no afecta ni la sensación ni la racionalización de la misma.

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The Guard

Hace mucho esperábamos la peli donde Brendan Gleeson es protagonista, no sólo como actor secundario sino verdaderamente como principal en la historia. Gleeson ha pertenecido a innumerables repartos con memorables papeles como Hamish en Braveheart, Walter ‘Monk’ McGinn en Gangs of New York o August Nicholson en The Village. Su carrera es grande y ha participado en otras grandes producciones pero nunca había sido protagonista de una historia hasta ahora -de pronto lo más cercano, sin embargo, es In Bruges, una excelente peli al lado de Colin Farrell-.

The Guard es la ópera prima de John Michael McDonagh que logró ser reconocida como mejor debut en La Berlinale y fue muy protagonista en los círculos independientes europeos incluso Globos de Oro, BAFTA’s y Sundance. The Guard es una cinta irlandesa sobre un policía burocratizado en su puesto, en un pueblo pequeño y se topa con un caso mayor de narcotráfico. Se dice que Irlanda es el tercer mundo de Europa y aunque han venido desarrollándose económicamente muy rápido las costumbres e idiosincracias siguen siendo las de un país subdesarrollado. El sargento Gerry Boyle se burla de la autoridad, porque en los países tercer mundistas la autoridad no existe, el portero es el dueño del edificio y un policia el primer eslabón de jerarquía.

La verdad me sorprendí cuando apareció Don Cheadle -porque no me acordaba que estaba en el reparto- como un agente del FBI que viene a apoyarse en la policía local para desenredar todo el asunto de drogas. Aparece para darle un empujoncito de frescor y poder introducir una serie de apuntes racistas exquisitos y muy divertidos. “…You are really mothafuckin’ dumb or really mothafuckin’ smart“. Esta es una línea de Cheadle que describe perfectamente el personaje del sargento Boyle porque de ahí en adelante los sarcasmos se vuelven súper evidentes y la peli costumbrista se vuelve una comedia muy inteligente. Pero, ¿Boyle es un burócrata? ¿Es un idealista atrapado en la corrupción de la sociedad? ¿Es un negligente y se ha logrado adaptar muy bien a esta corrupción? ¿O simplemente es el mejor policia de la nación? McDonagh nos mantiene intrigados hasta el final de la historia.

Un gran director, una gran peli y un gran actor que desenfunda todos sus trucos en una hora y media de filme.

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Shame

Es increíble la poca resonancia de esta cinta en los círculos más prestigiosos del cine. Tan sólo una nominación para Fassbender en los Globo de Oro. La peli paso casi inadvertida no sólo en los Oscar y los BAFTA’s igualmente pasó en los decepcionantes Spirit de este año donde sólamente obtuvo una nominación a mejor director.

Como sabemos esta es la segunda ronda de este equipo liderado por el Steve McQueen, joven promesa del cine británico que ya nos trajo Hunger, y Michael Fassbender, su actor fetiche y garantía de todo su drama en la pantalla. Su química es tan grande y tan impactante que ya firmaron su tercer proyecto juntos llamado 12 Years A Slave y que incluyen a otro grande como Brad Pitt siendo desde ya mi peli más esperada para el próximo año.

Shame es la desgarradora historia de un adicto al sexo viviendo plácidamente en Nueva York y de cómo se perturba su estatu quo con la súbita llegada de su hermana a la ciudad. Sus rutinas se ven alteradas, su percepción de tranquilidad se ve amenazada y la relación misma con su hermana empieza a hundirse en un hoyo muy profundo. Al igual que en Hunger el poder de McQueen para controlar la bestia, mostrarnos todos sus planos y todas sus secuencias en ese ritmo parsimonioso es un gran espectáculo. No tiene prisa en absoluto y sus largas tomas o sus planos de una sóla toma se han vuelto parte inconfundible de su estilo donde el actor es el centro y su diálogo su utilería. La osadía del director para usar este tipo de secuencias expresan su profunda madurez en la pantalla y nos da la sensación misma del renacimiento alemán con todo su neo-expresionismo. Si en Hunger la escena del cigarrillo con el cura nos tomó por sorpresa y nos robó el aire que respirábamos, Shame podría darnos dos o tres ejemplos de la misma calidad. Sin embargo me quedo con la escena de Carey Mulligan cantando su cadenciosa “New York, New York” sensualmente pausada, con un perfecto sentido del tono y con un poder escalofriante en cada uno de nosotros. La letra cala tan profundo que casi rompemos en lágrimas al mismo tiempo que Fassbender.

La historia no es para nada sencilla, es densa y tiene muchas aristas para analizar. Por lo mismo, lejos de ser una pieza aburrida, la historia además tiene unos delicados juegos de tiempos matizados en una perfecta sincronización en el montaje cuyo responsable es Joe Walker, a quien conocemos de Harry Brown y de la misma Hunger. Unos planos evocados casi como suspiros nos mandan de un lado para el otro y se nota la acuciosidad de cada detalle tanto en la narración como en los diálogos o el maquillaje.

En serio, no entiendo el desparpajo de las grandes ceremonias al blanquear de esta forma esta cinta. Dicen que el pensamiento parroquial de Hollywood vetó la cinta y a su protagonista por la publicidad que venía adquiriendo; en teoria, los continuos planos de desnudez frontal de Fassbender elogiaban las dimensiones de su miembro y que en este sentido no veían con buenos ojos que una cinta de este calibre empezara a resonar en el medio. Si fuera por la MPAA no se me haría raro en absoluto y los aliento a que no se la pierdan en cine; anoche la ví y aunque tiene buena taquilla los distribuidores siempre nos pueden despertar con una amarga sorpresa.

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Tyrannosaur

La semana pasada vi la peli que lanzó a Paddy Considine como escritor-director en un exitoso drama que ya le reconoció mejor debut en BAFTA y los British Independent Film Awards, mejor director en Sundance, mejor actriz en los London Critics Circle Film Awards, British Independent Film Awards, Chicago y Sundance y mejor actor también en Sundance. La historia se basa en un hombre contaminado de rabia, dolor y amargura. Incapaz de amar u ofrecer cariño todos los que están alrededor suyo terminan muriendo, incluso Blooey su incondicional amigo que accidentalmente recibe su merecido de una forma cruda e inconsciente. Pero igualmente azaroso fue su encuentro con Hannah, una mujer que a través de su inocencia y su fé lo contagia con algo de positivismo y una nueva perspectiva.

Joseph es interpretado impecablemente por Peter Mullan No hay recuerdos, la ensoñación del pasado está nublada y parece sólo importar para determinar el nombre de la peli, Tyrannosaur

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3D, Action, Actor, Adventure, Animation, Auteur, Awards, Biopic, Brit, Comedy, Comic, Coral, Documentary, Drama, Emo, Epic, Epochal, Exploitation, Folk, Indie, Melodrama, Miguel Vaca, Romance, Short Film, Storytelling, Suspense, Thriller, Vacacion, World

BAFTA’s 2012

por Diego Taborda

El pasado 12 de febrero la British Academy of Film and Television Arts anunció los ganadores a sus premios BAFTA del 2012. Como bien sabemos no son tan influyentes en la ceremonia de los Oscar. Aunque pareciera que La Academia Británica se congracia con sus conciudadanos y otorga premios que seguramente La Academia de Hollywood no aceptaría nunca se nota a leguas que son mucho más serios, despeja dudas de cómo podría resolverse el primer panel de “los Oscar técnicos” y siempre será divertido divisar la fuerza con la que llegan los nominados a la gran noche del Teatro Kodak.

Academy Fellowship Todos los años La Academia Británica honra con el premio de la Comunidad de la Academia a aquellos que hayan hecho un aporte excepcional al cine, este reconocimiento es considerado como el logro más grande en la carrera de un artista fílmico y este año fue concedido a uno de los grandes:

  • Martin Scorsese

Outstanding British Contribution to Cinema

  • John Hurt

Best Film The Artist producida por Thomas Langmann

Outstanding British Film Tinker, Tailor, Soldier, Spy de Tomas Alfredson, Tim Bevan, Eric Fellner, Robyn Slovo, Bridget O’Connor, Peter Straughan

  • My Week With Marilyn de Simon Curtis, David Parfitt, Harvey Weinstein, Adrian Hodges
  • Senna de Asif Kapadia, James Gay-Rees, Tim Bevan, Eric Fellner, Manish Pandey
  • Shame de Steve McQueen, Iain Canning, Emile Sherman, Abi Morgan
  • We Need to Talk About Kevin de Lynne Ramsay, Luc Roeg, Jennifer Fox, Robert Salerno, Rory Stewart Kinnear

Outstanding Debut by a British Writer, Director or Producer TyrannosaurPaddy Considine (Director), Diarmid Scrimshaw (Productor)

  • Attack the BlockJoe Cornish (Director/Escritor)
  • Black PondWill Sharpe (Director/Escritor), Tom Kingsley (Director), Sarah Brocklehurst (Productor)
  • CoriolanusRalph Fiennes (Director)
  • SubmarineRichard Ayoade (Director/Escritor)

Best Director Michel Hazanavicius por The Artist

Best Original Documentary Asif Kapadia, James Gay-Rees, Eric Fellner, Tim Bevan, Manish Pandey por Senna

  • Martin Scorsese, Olivia Harrison, Nigel Sinclair por por George Harrison: Living in the Material World
  • James Marsh, Simon Chinn por Project Nim

Best Original Screenplay Michel Hazanavicius por The Artist

Best Adapted Screenplay Bridget O’Connor, Peter Straughan por Tinker, Tailor, Soldier, Spy

  • Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash por The Descendants
  • Tate Taylor por The Help
  • George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon por The Ides of March
  • Steven Zaillian, Aaron Sorkin por Moneyball

Best Film Not in English Language La piel que habito de Pedro Almodóvar, Agustin Almodóvar

  • Incendies de Denis Villeneuve, Luc Déry, Kim McCraw
  • Pina de Wim Wenders, Gian-Piero Ringel
  • Potiche de François Ozon, Eric Altmayer, Nicolas Altmayer
  • Jodaeiye Nader az Simin de Asghar Farhadi

Best Animated Film Rango de Gore Verbinski

Best Leading Actor Jean Dujardin por The Artist

Best Leading Actress Meryl Streep por The Iron Lady

Best Supporting Actor Christopher Plummer por Beginners

  • Jim Broadbent por The Iron Lady
  • Jonah Hill por Moneyball
  • Kenneth Branagh por My Week with Marilyn
  • Philip Seymour Hoffman por The Ides of March

Best Supporting Actress Octavia Spencer por The Help

  • Carey Mulligan por Drive
  • Jessica Chastain por The Help
  • Judi Dench por My Week with Marilyn
  • Melissa McCarthy por Bridesmaids

Best Original Music Ludovic Bource por The Artist

Best Cinematography Guillaume Schiffman por The Artist

Best Editing Gregers Sall, Chris King por Senna

Best Production Design Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo por Hugo

Best Costume Design Mark Bridges por The Artist

  • Sandy Powell por Hugo
  • Michael O’Connor por Jane Eyre
  • Jill Taylor por My Week with Marilyn
  • Jacqueline Durran por Tinker, Tailor, Soldier, Spy

Best Sound Philip Stockton, Eugene Gearty, Tom Fleischman, John Midgley por Hugo

Best Special Visual Effects Tim Burke, John Richardson, Greg Butler, David Vickery por Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2

  • Jamie Beard, Joe Letteri, Keith F. Miller, Wayne Stables por The Adventures of Tintin
  • Alex Henning, Rob Legato, Ben Grossmann, Joss Williams por Hugo
  • Daniel Barrett, Joe Letteri, Dan Lemmon, R. Christopher White por Rise of the Planet of the Apes
  • Ben Morris, Neil Corbould por War Horse

Best Make Up & Hair Mark Coulier, J. Roy Helland, Marese Langan por The Iron Lady

Best Short Animation The Morning Stroll de Grant Orchard, Sue Goffe

  • Abuelas de Afarin Eghbal, Kasia Malipan, Francesca Gardiner
  • Bobby Yeah de Robert Morgan

Best Short Film Pitch Black Heist de John Maclean, Gerardine O’Flynn

  • Chalk de Martina Amati, Gavin Emerson, James Bolton, Ilaria Bernardini
  • Mwansa The Great de Rungano Nyoni, Gabriel Gauchet
  • Only Sound Remains de Arash Ashtiani, Anshu Poddar
  • Two and Two de Babak Anvari, Kit Fraser, Gavin Cullen

Best Orange Wednesdays Rising Star Award Adam Deacon

  • Chris Hemsworth
  • Tom Hiddleston
  • Chris O’Dowd
  • Eddie Redmayne
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