Rebelle

Rachel Mwanza es Rebelle (o War Witch como se la conoce en inglés). Mwanza interpreta a Komona una niña que es sacada violentamente del cálido hogar de sus padres y debe asesinarlos para aliviarles el dolor de una muerte aún más trágica, mientras el resto de su aldea es saqueada y destruída; se une forzosamente al ejercito del Gran Tigre Real (Mizinga Mwinga) y gracias a las pesadillas que tiene con sus padres, un brujo la empieza a adoctrinar en los campos de la hechicería y la magia negra. Su vida es sólo perdonada mientras sus predicciones le funcionen al Gran Tigre Real pero sólo hasta que alguna de ellas le falle a la causa de su insurgencia.

Kim Nguyen nos trae una historia inteligentemente anacrónica y sin claras referencias geográficas. No soy erúdito de la geografía africana, en absoluto, pero gracias a las noticias -y pelis- de Uganda, Nigeria, Sudán del Sur o incluso Zimbabue podríamos afirmar que Rebelle se ubica en alguna parte al sur del Sahara, en la Africa Central o incluso más meridional. Las referencias a esta subversión se vuelven míticas cuando se mezclan los movimientos de las guerrillas de Mogadishu, las doctrinas de Koni al sur del Sudán o el horrendo accionar de Idi Amin en Uganda. La historia se vuelve argumental gracias a la narración de Komona que nos cuenta como en dos años pasa de ser una niña, a una rebelde, embarazada, viuda y de un destino destrozado; no hay una aparente esperanza y tal vez las referencias anacrónicas o la falta de mayor puntualidad geográfica se debe precisamente a que esta niña es analfabeta y su poca conciencia no le permiten analizar el conflicto con una mejor perspectiva.

Kim Nguyen llega haciendo mucho ruido con Rebelle al lograr nominaciones en prestigiosos círculos como los Spirit, Sitges, Tribeca e incluso los Oscar pero no termina de convencer.

Al final, la fotografía es muy bonita, el drama de Komona da frutos en La Berlinale y logra un merecidísimo Oso de Plata para Rachel Mwanza pero en este tipo de piezas es muy complicado armar este tipo de imaginarios y ser planos en la crítica socio-política de contexto. Su historia se torna melodramática y su éxito se siente politizado. El uso de actores naturales da un gran impulso pero Rebelle parece una historia bonita, sencilla y con un gran interés para captar premiaciones; se siente una agenda interna y no es muy agradable; Nguyen quiere hacernos sentir lástima de Komona sin construir algo alrededor.

Cesare deve morire

Otra gran joya de nuestra cartelera por estos días -la otra si lo recuerdan es Stoker del coreano Park Chan-wook-. Una obra maestra de los hermanos Paolo y Vittorio Taviani, que logró llevarse el Oso de Oro y el Premio del Jurado Ecuménico en la Berlinale del año pasado.

Este par de hermanos, que a modo de curiosidad han realizado siempre proyectos juntos desde 1954 y ya completan 22 piezas cinematográficas, se juntan de nuevo para desarrollar una especie de docudrama con los presos de la Cárcel de Rebibbia, a las afueras de Roma. Su primera intención es documentar la evolución de la puesta en escena de la obra Julio César de William Shakespeare, de la mano del director de teatro Fabio Cavalli. En palabras de ellos mismos -que logramos escuchar gracias a una entrevista presentada al principio de la peli-, la idea era darle un golpe a la realidad, era declamar el pasado violento de estos personajes y la mejor forma fue a través del cine, obvio, y del blanco y negro. Porqué el blanco y negro, porque la realidad es a color y al hacerlo de otra forma contraria se le hace el quite, se la hace más dramática, se la trata con violencia.

Por un lado, la precariedad del asunto adorna de cierta forma el contexto de los reclusos, que se toman muy a pecho y con una pasión profunda sus papeles. Tanto, que sus líneas los superan y los sobrecogen. Unos lloran, otros no se olvidan del día a día en sus mazmorras, otros pelean, otros soplan sus armónicas y otros ensayan. Poco a poco, el guión que declaman los va definiendo y va dominando sus psiques. Pero antes, Los Taviani nos dan un golpe bajo al enfrentarnos a los reclusos en su máxima vulnerabilidad cuando se hace la selección del reparto. La instrucción es increíble y nos iguala en humanidad con esta suma de individuos. Es notable como un ejercicio tan sencillo, como el que propone el director Fabio Cavalli, desenfunda todos los matices de las personalidades de cada uno de los reclusos y de cómo, después cuando les va asignando sus roles, uno a uno pareciera que los tuvieran predestinados. ¡Ojo! Antes nos advierten que por mucha empatía que sintamos frente ellos, no debemos olvidar los huérfanos, las madres solteras o los hijos que se quedaron sin hermanos por culpa de ellos mismos. No olvidar que así su comportamiento haya cambiado frente a las cámaras o arriba en las tablas del escenario, ante todo son criminales, muchos de ellos con cadenas perpetuas que aseguran que no fueron dulces lo que se robaron.

La idea nace de una visita que hicieron los realizadores a la prisión y vieron como uno de los presos yacía en un patio leyendo El infierno de Dante, intercambiaron unas pequeñas frases enfrascándose en una ligera y sana discusión, un escalofrío los recubrió y decidieron montar una obra con ellos inmediatamente. Pero diferente a lo que pedía el director de la cárcel, Los hermanos querían usar la extensión completa del reclusorio, no sólo el teatrino, apropiarse de su cotidianidad y lograr sacar adelante una obra tan compleja como Julio César. Los rostros dramáticamente retratados por Simone Zampagni, la música que los acompañaba y el juego de tiempos y colores que se logró en el montaje de Roberto Perpignani hacen de Cesare deve morire una tarea infaltable y súper entretenida.

Barbara

Barbara es una peli sencilla, muy alemana y ganadora del Oso de Plata en La Berlinale del año pasado otorgado a Christian Petzold por su destacado desempeño en la dirección de la pieza.

Barbara empieza descaradamente en seco y en medio de la nada, con la historia de una mujer fumando un cigarrillo. El espectador tiene que, de inmediato, empezar a atar cabos para entender que esa mujer se llama Barbara, es alemana, recién se instala en su apartamento y es doctora. Después finalmente nos empieza a llegar información más clara y empezamos a armar el trasfondo de Barbara que es dedicada en su trabajo, tiene una sensibilidad especial para tratar a sus pacientes, no le cae muy bien su casera -pero no es que sea la mujer más agradable y feliz- y además, tal vez lo más importante, su historia se ve contextualizada a finales de los 70’s o principios de los 80’s.

¿Qué debe hacer de nuevo, el espectador? La siguiente tarea es ubicarse en ese entorno y revisar el ambiente geopolítico de Alemania: El muro no ha sido tumbado, somos protagonistas posiblemente de una historia en la República Democrática de Alemania y sus personajes experimentan las limitaciones del régimen del este.

Todo empieza a tener más lógica. Aparecen las Stasi, el mercado negro, las encuentros furtivos en el campo limítrofe con la frontera de la Alemania Federal, las referencias a Berlín y su muro. Barbara primero muy introvertida, parece que ha tomado confianza frente a nosotros y ahora sonríe. Parece disfrutar su trabajo y crea empatía fácilmente con su jefe directo y sus pacientes.

Si de alguna forma se puede definir esta pieza, creo que podría ser a través de una sola palabra y sería: sutil. Petzold se toma todo su tiempo para levemente irnos darnos información sobre el personaje central, su contexto y sus relaciones interpersonales. Además Petzold, de la mano de Hans Fromm, suavemente describe la austera Alemania Democrática perspicazmente describiendo cada momento pero sutilmente criticando cada aspecto del modus vivendi de las personas en ese justo instante. Aunque la narración es áspera, seca y astringente, Petzold que también es el encargado del guión, nos deja entrever una pequeña fragilidad en el carácter de Barbara que aporta la proporción justa del dilema en el nudo y el desenlace de su historia. Tal vez lo que más me gustó es el delicado desarrollo de los personajes. Nina Hoss interpreta a Barbara, una mujer sobria, en la mitad de sus treintas, contemplativa, reflexiva y siempre muy bien peinada con el pelo recogido en una moña detrás de la cabeza; las Stassi la despeinan, la desnudan, la alteran; su defensa se va amainando y a medida que avanza la historia, no sólo sonríe y es simpática, somos testigos de su humanidad, de su vulnerabilidad y la vemos despeinarse. Por su parte, Ronald Zehrfeld interpreta a André Reiser, el jefe directo de Barbara que sueña con descifrar el enigma de esta mujer; le muestra sus logros en sus pacientes, los alcances en su laboratorio, le habla de literatura interesante, le cuenta las desgracias de su pasado y de cómo tampoco llegó a tener una sólida carrera en La Charité -un prestigioso hospital donde los grandes doctores hacen carrera e investigación-; la mejor forma que encontré para definir a André fue la de un oso, corpulento, noble, feroz y defensor de sus crias; al final su actuación se ve glorificada con los dos últimos planos de la cinta, que definitivamente pagan la boleta.

¡Barbara es bárbara!
Una pieza genial del nuevo cine alemán que no se aleja de su fundamentación en el neo-expresionismo, sino que por el contrario parece refrescarlo y recrearlo muy bien para hacerlo contemporáneo. Barbara se encuentra ahora mismo en cartelera y creo que es imperdible.

En kongelig affære

En kongelig affære (Una aventura real) es la cuarta de las pelis nominadas al Oscar como mejor peli extranjera que logramos ver en nuestras salas. Hasta ahora Amour y No son las más sobresalientes. Kon-Tiki y En kongelig affære parecen elaboradas para ganarse este tipo de premios con hermosas producciones y grandes melodramas.

Nikolaj Arcel recrea el momento político en el que el movimiento de La Ilustración llega al poder de Dinamarca, incluso siete años antes que a la misma Francia. Varios factores tuvieron que conjugarse para lograr semejante hecho. En el poder se encontraba Christian VII (Mikkel Boe Følsgaard), un joven rey sometido por el concejo real que asumía su figura como la de un títere útil; detrás del concejo estaba Juliane Marie (Trine Dyrholm), la madrastra de Christian que velaba por la perpetuación de la corte y quería el trono para su propio hijo. Christian de actuar libertino debe casarse y lo hace con una británica, Caroline Mathilde (Alicia Vikander), que es una joven letrada interesada por toda la revolución europea entorno al nuevo pensamiento y La Ilustración pero que llegada a Dinamarca, en una monarquía ortodoxa, también debió someterse a la censura de la corte por la literatura que cargaba desde su hogar por considerarse subversiva y revolucionaria. La última ficha del tablero es Johann Friedrich Struensee (Mads Mikkelsen) un médico alemán humanitario al que le es pedido que se encargue de la salud del rey; su misión debería ser la de influir y cabildear en la corte para que sus padrinos, los que lo pusieron en ese lugar, puedan volver ya que fueron expulsados tiempo atrás. Struensee resulta ser un hombre inteligente, erúdito, de pensamiento de avanzada y altruista.

El thriller de época se explaya en las acciones de Struensee en el poder detrás de Christian y contra el nepotismo de Juliane Marie. El médico no bien llega a su puesto cuando entiende todo el juego de manipulación y trata de sacarle partido. Su error mortal fue posar los ojos sobre la reina que lo recibe en sus aposentos y con la cual comienza una aventura. Nikolaj Arcel de la mano de Rasmus Heisterberg tratan de estructurar una historia desde los logros de este triángulo amoroso pero no puede tapar el sol con las manos. Lo que perdura en el imaginario es el fruto de la aventura y no los logros políticos permeados por La Ilustración.

En kongelig affære es una historia romántica, clásica y de una narración lineal. No es enteramente de todo mi gusto pero es indiscutible su buena factura. Fue reconocida en los Globo y en los Oscar con nominaciones a mejor peli extranjera pero además en La Berlinale se lleva dos Osos de Plata, con Mikkel Boe Følsgaard como mejor actor y mejor guión gracias a Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg.

Se encuentra en este momento en cartelera.

Keep the Lighs On

En el último camionao’ de pelis que me trajo Amazon llegó Keep the Lighs On de Ira Sachs, una cinta independiente acompañada de muy buena crítica, un Teddy por mejor largo argumental y una no menos sorprendente nominación a los Spirit de este año para mejor peli del año.

La pieza es una completa desilusión.

Es llamativa en un entorno, casi morboso para el espectador, dentro la relación homosexual entre Erik (Thure Lindhardt) y Paul (Zachary Booth). De haber sido una historia heterosexual no habría forma de que hubiera podido competir en Berlín, sin ese contexto la peli es vacía, aburrida y llana. De todas formas, el Teddy Bear no es una categoría oficial de La Berlinale -pues es un jurado independiente y apartado del festival que juzga cintas con contenido LGBTI-.

Erik es un cineasta documentalista, conoce a Paul en 1998 y desde entonces ha sufrido con él. Primero porque no había salido del closet, después cuando salió se dedicó profusamente al consumo de drogas y después porque simplemente la química se les había acabado.

Diez años pasaron en la historia de Sachs y Mauricio Zacharias, escritores del guión. Diez años donde Erik estaba locamente enceguecido y donde Paul fue envidioso, egoista y desconsiderado. Si, puede ser el tema de una excelente telenovela pero en cine no lograron desarrollar ni los personajes, ni el contexto, ni el sabor de la amarga relación. He visto filminutos muchísimo más interesantes donde con sólo el planteamiento uno quisiera ver una historia más completa. Uno de las cosas que más me molestó fue precisamente ese lapso de los diez años. Los personajes no cambian de aspecto en ese periodo. Ni la barba, ni el vestuario, ni el corte de pelo -más radicalmente, ni las miradas, ni los gestos, ni la contextura-. Diez años es una cantidad de tiempo importante. En diez años le pasan a uno muchas cosas, desde un bronceado hasta el uso de gafas. En Keep the Lighs On sencillamente no pasa nada. Y es loco, si no pasa nada, y la variable de tiempo no aporta nada en absoluto al desarrollo de personajes porqué no decir que la historia dura una semana, un mes, de pronto un trimestre sería más creíble que diez largos y aburridos años. Sencillamente porque la abnegación de Erik no hubiera tomado concepciones melodramáticas y la pieza hubiera sido obvia y evidente en su vacío y frivolidad.

Berlinale 2012

por Diego Taborda

Goldener Bär para mejor película
• Cesare deve morire de Paolo Taviani y Vittorio Taviani

Silbener Bär Grand Prix de jurado
• Bence Fliegauf por Csak a szél

Silbener Bär mejor director
• Christian Petzold por Barbara

Silbener Bär mejor actriz
• Rachel Mwanza por Rebelle de Kim Nguyen

Silbener Bär mejor actor
• Mikkel Boe Følsgaard por En Kongelig Affære de Nikolaj Arcel

Silbener Bär mejor logro artístico
• Premio para mejor cámara a Lutz Reitemeier por Bai lu yuan de Wang Quan’an

Silbener Bär mejor guión
• Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg por En Kongelig Affære de Nikolaj Arcel

Alfred Bauer Prize
• Premio concedido en memoria del fundador de El Festival por un trabajo de particular innovación a Miguel Gomes por Tabu

Independent Spirit Awards 2013

Ya nombramos los nominados a los premios del Gremio de Escritores y los nominados a los premios del Gremio de Actores pero si estamos ordenando la casa, en temporada de premios, pongamos atención a los nominados para los Spirit de este año, que serán conducidos por Andy Sanberg el próximo 23 de febrero.

Mejor Película
• Beasts of the Southern Wild
• Bernie
• Keep the Lights on
• Moonrise Kingdom
• Silver Linings Playbook

Mejor Director
• Wes Anderson por Moonrise Kingdom
• Julia Loktev por The Loneliest Planet
• David O. Russell por Silver Linings Playbook
• Ira Sachs por Keep the Lights on
• Benh Zeitlin por Beasts of the Southern Wild

Mejor Ópera Prima
Entregado al director y productor de una primera pieza cinematográfica.
• Fill the Void
• Gimme the Loot
• Safety Not Guaranteed
• Sound of My Voice
• The Perks of Being a Wallflower

Premio John Cassavetes
Entregado a la mejor producción hecha por debajo de los quinientos mil dólares.
• Breakfast With Curtis
• Middle of Nowhere
• Mosquita y Mari
• The Color Wheel
• Starlet

Mejor Guión
• Wes Anderson y Roman Coppola por Moonrise Kingdom
• Zoe Kazan por Ruby Sparks
• Martin McDonagh por Seven Psychopaths
• David O. Russell por Silver Linings Playbook
• Ira Sachs y Mauricio Zacharias por Keep the Lights on

Mejor Primer Guión
• Rama Burshtein por Fill the Void
• Derek Connolly por Safety Not Guaranteed
• Jonathan Lisecki por Gayby
• Christopher Ford por Robot and Frank
• Rashida Jones y Will McCormack por Celeste and Jesse Forever

Mejor Actriz Principal
• Linda Cardellini por Return
• Emayatzy Corinealdo por Middle of Nowhere
• Jennifer Lawrence por Silver Linings Playbook
• Mary Elizabeth Winstead por Smashed
• Quvenzhané Wallis por Beasts of the Southern Wild

Mejor Actor Principal
• Jack Black por Bernie
• Bradley Cooper por Silver Linings Playbook
• John Hawkes por The Sessions
• Thure Lindhart por Keep the Lights on
• Matthew McConaughey por Killer Joe
• Wendell Pierce por Four

Mejor Actriz de Reparto
• Rosemarie DeWitt por Your Sister’s Sister
• Ann Dowd por Compliance
• Helen Hunt por The Sessions
• Brit Marling por Sound of My Voice
• Lorraine Toussaint por Middle of Nowhere

Mejor Actor de Reparto
• Matthew McConaughey por Magic Mike
• David Oyelowo por Middle of Nowhere
• Michael Pena por End of Watch
• Sam Rockwell por Seven Psychopaths
• Bruce Willis por Moonrise Kingdom

Mejor Cinematografía
• Yoni Brook por Valley of Saints
• Lol Crawley por Here
• Ben Richardson por Beasts of the Southern Wild
• Roman Vasyanov por End of Watch
• Robert Yeoman por Moonrise Kingdom

Mejor Documental
• How to Survive a Plague
• Marina Abramovic: The Artist Is Present
• The Central Park Five
• The Invisible War
• The Waiting Room

Mejor Filme Extranjero
• Rebelle de Kim Nguyen (República Democrática del Congo)
• L’enfant d’en haut de Ursula Meier (Suiza)
• Bir zamanlar Anadolu’da de Nuri Bilge Ceylan (Turquía)
• Amour de Michael Haneke (Francia)
• De rouille et d’os de Jacques Audiard (Francia, Bélgica)

Premio Robert Altman
Entregado al director, el director de reparto y el mismo grupo de reparto como tal.
• Starlet dirigida por Sean Baker, selección de reparto a cargo de Julia Kim y actuada por Dree Hemingway, Besedka Johnson, Karren Karagulian, Stella Maeve y James Ransone

Premio Piaget Producers
• Alicia Van Couvering por Nobody Walks
• Mynette Louie por Stones in the Sun
• Derrick Tseng por Prince Avalanche

Premio Acura Someone To Watch
• David Fenster por Pincus
• Adam Leon por Gimme the Loot
• Rebecca Thomas por Eletrick Children

Premio Stella Artois Truer Fiction
• Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel por Leviathan
• Peter Nicks por The Waiting Room
• Jason Yee Tippet and Elizabeth Mimms por Only the Young

Chocó

Hace rato no veíamos tres pelis colombianas en cartelera y deberíamos sentirnos muy orgullosos por eso. Digamos que Sanandresito se pasa de comercial y su propuesta es bastante plana pero tanto Sofía y el Terco -que ganó el premio especial del jurado en Colombia al 100, categoría en la que competía con doce cintas más, durante el Festival Internacional de Cine de Cartagena de este año- y Chocó -que a su vez participó en el mostrario de Panorama de la La Berlinale– suenan bastante interesantes.

Mi tarea con Sofía y el Terco la tengo programada para más tarde en esta semana. Este fin de semana me vi Chocó de Jhonny Hendrix Hinestroza.

Chocó es una visión de esta región olvidada del país, hermosa en paisajes y atardeceres, rica en oro y lamentos africanos que inundan la sala del cine al ritmo de sus cánticos y marimbas. Pero esta cinta no es un documental turístico, es la historia de una mujer negra (Karent Hinestroza) que a pesar de estar casada con un músico (Esteban Copete) es cabeza de familia y responsable por el sustento de sus dos hijos, Jeffrey (Sebastián Mosquera) y Candelaria (Daniela Mosquera).

En medio de la historia nos enteramos que la mujer se llama también Chocó y la cinta entera se vuelve una metáfora directa del maltrato que sufren nuestras mujeres relacionado con el olvido y abandono que tienen nuestras minorías afrodescendientes. Chocó no responde a punta de golpes y anhela quemar su casa desesperada por la carga de su marido que no la apoya en absoluto y quien a veces se roba incluso la plata que ella logra sacar de la mina para la escuela de los niños. A parte que nadie hace nada frente al irrespeto sobre Chocó, se lo justifica por su alevosía; hay una escena en particular donde ella está botada en el suelo, golpeada y chupando polvo, la indiferencia de las miradas es escalofriante pero no lo suficiente para someter a esta mujer quien saca fuerzas de todos lados para reincorporarse, asir el destino en sus manos y tomar sus propias decisiones. Esa mujer que se levanta ya no es la misma que va a visitar al paisa, esa mujer que se levantó es una guerrera y como un Samurai transforma su apariencia para desencadenar su furia. Muchas veces hemos escuchado como el colono paisa, se establece en un lugar, con algo de capital emprende un negocio y sale adelante con “berraquera”. Muchos de estos paisas son parte de la anarquía que gobierna pues están desconectados de la problemática y piensan que todo lo resuelven con plata. El paisa también maltrata el Chocó, el paisa (Fabio Iván Restrepo) tiene montado un negocio y sólo espera la oportunidad para caerle a las nalgas de esta hermosa negra y amancebarse a esta mujer, de tantas maneras desprotegida.

La peli es tierna en factura con una cinematografía espectacular, a cargo Paulo Pérez que logra por un lado una fotografía cálida y llena de colores saturados, y un montaje estándar con
Mauricio Vergara que ofrece una historia consistente, con un par de figuras cinematográficas bien interesantes, aluciendo a sueños en retrospectivas, juegos de tiempo y anhelos de esta gran mujer. Sin embargo detrás de la cadenciosa y encantadora marimba la crudeza del Chocó aparece en forma de violaciones, maltrato intrafamiliar y pobreza absoluta.

Jhonny Hendrix Hinestroza ha participado en varias oportunidades como productor de otras piezas fílmicas. Chocó es la primera pieza de su ópera prima, contundente relato del maltrato de las minorías y el machismo enraízado en las costas pacíficas de nuestro país. Logra con Karent Hinestroza un perfil conmovedor que penetra nuestros corazones. Hinestroza es licenciada en arte dramático de la Universidad del Valle y Esteban Copete es músico también de dicha universidad, director del grupo Ancestros, interprete de marimba, saxofón, gaitas y percusión. Tanto con Hinestroza, como con Copete y Restrepo logra armar un reparto de actores naturales con cierta experiencia y cierta destreza innata que permite sentir la historia cien por ciento creíble y honesta. Aunque el final es desafortunadamente francés -abierto e inconcluso-, deja chispas de esperanza en la supervivencia y los métodos de extracción auríferos artesanales, que no afectan el medio ambiente y contribuyen a la tradición dejada por los ancianos. Tradición que unida al legado cultural es lo más enriquecedor como mensaje de la obra.