We Need to Talk About Kevin

Pensaba que la crítica era un tanto descuidada cuando afirmaban que We Need to Talk About Kevin proponía la mejor actuación de Tilda Swinton y me ponía a pensar si realmente era posible superar Io sono l’amore, Michael Clayton o Broken Flowers. Personalmente, Swinton logra su máximo desempeño en Io sono l’amore pero esta cinta le puede hacer un buen contrapeso y por suma de elementos estructurales incluso ser tan interesante.

We Need to Talk About Kevin está basada en la novela del mismo nombre de Lionel Shriver. Lynne Ramsay es una joven realizadora escocesa que nos trae su interpretación proponiendo un frenético juego de tiempo para presentarnos la vida de Eva Khatchadourian (Tilda Swinton). Eva es una mujer exitosa, podríamos aducir que una especie de corresponsal, de pronto uno de esos viajeros que vemos en los canales de turismo que viajan y viajan para dar sus recomendaciones sobre Buñol, Rangún o París, uno de esos viajeros que tanto envidiamos y odiamos por tener el trabajo perfecto. Eva es neoyorquina, sofisticada, cosmopolita y aventurera. Su pasión por los viajes se ve truncado súbitamente por un embarazo no deseado y comienza su pesadilla. Sus calidades como madre la frustran, su incapacidad para calmar a su hijo la desconcierta y la falta de comprensión la llenan de un profundo vacío. De repente, todos los juegos de Ramsey se vuelven reflexiones de Eva sobre su pasado y de cómo ella tenía arreglada su vida en una realidad superflua pero feliz.

El producto de esa insatisfacción, de esa incapacidad y de esas frustraciones es un niño desenfrenado, desatado y sádico. Un niño llamado Kevin que fue capaz de leer a su mamá desde los dos años, manipularla a los ocho y envilecerse a sus dieciséis. We Need to Talk About Kevin es la historia de este niño en particular y la lucha de su madre para sobrevivirlo. Hay varios temas geniales en la pieza de Ramsay sin embargo antes de discutirlos a fondo, me gustaría dejar claro que no estoy muy de acuerdo en el regusto que deja la cinta al esclarecer la culpa de esta mujer por haberse extasiado en su juventud y sentirse orgullosa de su éxito. Una culpa judeo-cristiana que ataca los instintos naturales de los seres humanos por el placer y su búsqueda en el hedonismo. Muchos de los grandes traumas de la intelectualidad moderna se debieron a la asunción de estos dogmas y duramos mucho tiempo en nuestra contemporaneidad tratando de superarlos.

Esta vez el desempeño de Swinton no se ve afectado por el resultado directo de su actuación, al igual que The Iron Lady, el maquillaje y vestuario de la protagonista, más que acompañar, complementan un excelso ejercicio histriónico. Tilda Swinton es un mosntruo, es un monstruo de la misma especie de Michael Fassbender, en esta peli no sólo es diferente a todas sus presentaciones diferentes sino que cronológicamente es una mujer fragmentada y cada una de sus épocas tiene una apariencia y un comportamiento diferente. Por su lado, John C. Reilly lo hace bien pero no me convence como esposo de esta gran mujer -mismas deficiencias simpáticas que le sentí en Carnage-, sin embargo se siente como un padre relajado, llevadero, empático. Mi punto sobre la culpa se empieza a sentir aquí mismo, cuando Eva no es la única responsable del desenfreno de Kevin, el ausentismo del padre es un claro agravante en la educación de un niño, tratar ser el amigo y no la figura paterna, desafían la mente de un niño y le tergiversan su sentido de lo correcto y lo incorrecto.

Hasta ahora impecable Ramsay en su tesis y en el empoderamiento de su proyecto. Ahora bien, uno pensaría que hasta aquí el director de reparto -el grandioso y veterano Billy Hopkins– ya logró sus objetivos. Pues no. Su mayor logro no fue escoger a Tilda Swinton, su agudeza y destreza se ve reflejada en la escogencia de los tres actores para los tres momentos de Kevin: A los dos años (Rock Duer), a los ocho (Jasper Newell) y a los dieciséis (Ezra Miller). Si hablamos de Tilda Swinton, definitivamente hay que hablar de esta joven promesa llamada Ezra Miller. Lynne Ramsay hace un excelente trabajo dirigiendo a sus actores y el perfil retorcido de Kevin se nota en el niño de ocho años y en el trabajo de Miller absorbiéndolo y entendiéndolo perfectamente. Pero igual uno queda boquiabierto frente a este Damian contemporáneo. Frío, calculador, psicótico, simpático, retorcido, todos las facetas de Kevin logradas con absoluta exquisitez.

Si aún no están convencidos de irla a ver en cine, si después de decirles que su partitura es delirante (Jonny Greenwood), que su montaje es obra de la más fina artesanía (Joe Bini) de pronto se convenzan de que ganó mejor actriz en los European, resonó en los Globo de Oro, en el Gremio de Actores, en los BAFTA’s de este año, Ramsay ganó mejor dirección en los British Independent y en Cannes concursó por la Palma de Oro pero la tenía muy dura compitiendo con Terrence Malick, Nicolas Winding Refn y Lars von Trier.

Nota personal. Se habrán dado cuenta que no nombré el trabajo de Seamus McGarvey director de fotografía y responsable de la cinematografía de esta peli. Pues resulta que lo dejo al final como un apartado personal para compartirles el ejercicio que hice con su, también sobresaliente, labor. Resulta que el color rojo tiene una significancia muy fuerte en la pieza. Rojo es el momento de pasión, de locura, de añoranza de Eva. También implica la manipulación, la sevicia, la mezquindad, la crueldad, la maldad. Cuando es joven y está en la tomatina de Buñol, el color está presente, la toma cenital y la sensación de la gente apretujada da una sensación de asfixia, de sexualidad, de gozo, de felicidad absoluta, de éxtasis; cuando Eva se resiente de su maternidad viste de rojo, se alimenta de rojo, bebe rojo; y cuando ella ha sobrevivido los eventos con Kevin, es atacada de muchas rojas maneras. Esto me puso a pensar en los momentos en los que el rojo está presente e hice la siguiente lista:

1. Tomatina de Buñol, Valencia
2. Reloj desenfocado e intermitente que nombra las 12:00
3. El mismo reloj que ahora enfocado anuncia las 12:01
4. El atentado contra su casa es con pintura roja
5. La mermelada del sanduche de Kevin
6. La salsa de tomate sobre los huevos revueltos con cáscaras
7. El vestido rojo de navidad cuando por fin vuelve a sonreír
8. El vino rojo
9. El fondo de sopas de tomate L. Ramsay’s alegoría a las sopas Campbell’s pero renombradas con el nombre de la realizadora
10. La sangre del hamster en las manos de Eva
11. La pintura en las manos de Eva cuando limpia su casa
12. Camiseta roja del niño de dos años cuando van a ir al pediatra para revisar si es autista
13. Las sillas de la agencia de viajes donde va a pedir trabajo Eva
14. La pelota con la que intenta jugar Eva con Kevin cuando este tiene dos años
15. La camiseta del papá cuando está jugando video-juegos con Kevin -dicha camiseta no es completamente roja, es de rayas rojas y blancas, sólo los resortes son completamente rojos-
16. El primer arco que recibió Kevin como regalo
17. El vestido de Eva cuando está con el padre aguardando por el diagnóstico de su hija

Espero con esta nota no haber revelado mucho contenido dentro de la peli pero al igual que el tiempo, es un error tratar de reconectarlo en orden cronológico. La desesperación de Eva conllevan a la constante reformulación de su psiquis y ese ejercicio al desorden mental de su historia. Puede que a uno le cuenten el final de esta cinta pero eso no afecta ni la sensación ni la racionalización de la misma.

Io sono l’amore

Como les decía, la semana pasada fui a ver dos pelis italianas que me sorprendieron mucho, una fue La doppia ora y esta Io sono l’amore de Luca Guadagnino. Los argumentos para ver esta peli principalmente fueron las credenciales que traía como una nominación para el Oscar por mejor diseño de vestuario, mejor peli no hablada en inglés en los BAFTA’s, mejor peli en idioma extranjero en los Globo de Oro y así entre otros más también bastante relevantes, lo que me puso a pensar que era una tarea obligada por cumplir.

Guadagnino nos presenta una peli clásica. Empieza los créditos con planos generales y nos ubica en Milán, en un frío invierno donde la luz incipiente ofrece una especie de paisaje en blanco y negro y al continuar los créditos se siente un aire a los 40’s o principios de los 50’s con los nombres diagramados en escalera o unidos con puntos suspensivos. No soy tan diestro en la música pero también es una orquestación muy clásica. Lo más evidente viene después, al finalizar los créditos caemos en la preparación de una cena súper oligarca, súper elegante, súper detallada y los colores son saturados y cálidos. Daría la sensación que Guadagnino quiere mostrarnos que al interior de la frívola, moderna y progresista Milán existe la calidez y los lazos fraternales de una familia como patronazgo icónico, ejemplo a seguir.

No podríamos estar más equivocados. Guadagnino quiere destruir a toda costa la apariencia de esta buena familia. La rigidez de esos vestidos, la etiqueta para servir un fumé de pescado y el pecado de contradecir a la autoridad. Toda en sí, Io sono l’amore es una afrenta, un desprecio por ese statu quo y toda en sí es belleza tratando de defender su tesis. Desde la libre forma de la fuente caligráfica que compone el título de la peli hasta las estilizadas barras de una fuente humanista para informar eventos en la cinta, toda en sí son contrastes. Contrastes de un grado de sutileza muy altos pero de una profunda violencia. Tilda Swinton (productora de la peli) es una dama casada con el empresario Tancredi Recchi tan poderoso como alguien que pertence a la corte de una monarquía. La historia tiene muchas aristas pero el drama para mi se centra en esta mujer de mediana edad que descubrimos es una inmigrante rusa a la cual su esposo sedujo a olvidar sus raíces para poderse acoplar perfectamente en el emporio Recchi. De esta forma su nombre ruso ya no cabe más en su memoria, ahora tan sólo se llama Emma, nombre que se inventó su esposo y al cual responde ahora. Este melodrama italiano es la fábula de una dulce ave que está encerrada en la más bella jaula de todas, con barrotes finos de oro e incrustaciones de piedras preciosas; su agua es como la de un manantial virgen destilado directamente de un glaciar; su manto para dormir es de seda de la más pura y sin embargo su tentación de libertad es un manojo de alpiste primaveral y rústico que crece al lado de su ventana.

El reparto y la producción desarrollan la historia impecablemente pero Swinton de nuevo en un papel que rompe su esquema nos deja boquiabiertos. No porque no la hayamos visto oscura y viceral en Broken Flowers, ordinaria y mundana en Burn After Reading, sofisticada y elegante en Benjamin Button o perversa y de corazón de piedra en Michael Clayton pero ¿cándida?¿Vulnerable?¿Sometida? Eso es nuevo y lo hace exquisitamente. Y hablando de gusto, esa exquisitez sólo es posible acompañada de esa música gourmet de orquesta completa, dolor, pasión y drama (he descubierto que los cornos y los vientos de metal me encantan sobremanera en una composición musical para cine, casi tanto como los coros en las pelis de terror; en esta pieza el responsable es John Adams).

La peli toda es increíble a los sentidos, tan sólo hay que dejarse llevar por la música, las texturas, la fotografía y el gusto-olfato por la cocina. Hay un detalle increíble, el que creo paga la boleta, cuando Emma recibe la entrada diseñada especialmente para ella por Antonio, está acompañada por su suegra y se excita con el plato, se abstrae del lugar y ya no existen los Recchi, está ella sola, extasiada, iluminada, con su paladar sobrecogido ¡Qué escena! Me acabo de decidir, ya mismo la pongo en mi lista de deseos de Amazon.

Groundhog Day

Han pasado 18 años desde que Harold Ramis nos sorprendió con esta maravillosa obra. Para mi una de las mejores historias jamás contada en cine. Una hitoria de Danny Rubin que tiene todas las características de la perfección y que encajan perfectamente con el estilo de este blog. Es una historia sencilla nada complicada, que plantea el nudo dramático perfectamente en el momento indicado y desencadena el giro sin apresurarse con un final impredecible y encantador. Además la peli hace partícipe al director-escritor (otra característica de la cual somos fanáticos) pero es tan compleja que no puede ser clasificada en un sólo golpe de voz, hay que revisarla una y otra vez para reconocer que es una comedia, un drama, un thriller de suspenso, una peli para chicas (o «chick-flick» que llaman), una peli existencialista o una perfecta cita para un sábado en la mañana.

La peli se puede analizar desde muchos puntos de vista, siendo el más débil la actuación de Andie MacDowell que sin embargo en su papel de toda la vida logra un desempeño aceptable. De resto todo es magnífico. Impresionante Bill Murray que su personaje repite una y otra vez un día como si fuera una maldición, hace partícipe al espectador que es consciente de esta situación y vive con él la extrañeza, la ansiedad, la rabia, el desespero, la negación de esta terrible condena. Murray logra desenvolverse muy bien y desarrollar su papel al máximo; si, también es Murray haciendo de Murray, lo sabemos, lo hemos dicho muchas veces en pelis como Zombieland o Broken Flowers donde a pesar de ser ese personaje vanidoso y egocéntrico logra esa calidad de frescura y empatía en la pantalla difícil de igualar por otro actor.

Pero quisiera hablar más allá de los elementos súper destacados de la producción y la dirección de la peli, como la edición musical (George Fenton), la cinematografía (John Bailey) que nos permite entender la extensa filmación como la eternidad en un mismo día o el mismo montaje (Pembroke J. Herring) que por lo mismo después de colectar muchas escenas, muchas tomas, como dice Jarmusch, lograron darle una continuidad asombrosa a la historia. Todo esto llevo a esta pieza a una posición importante en la historia del cine y obtuvo reconocimientos importantes incluído mejor guión en los BAFTA’s. Sin embargo estoy fascinado por la historia, una narración casi mítica sin un porqué o una justificación, no hay tampoco una respuesta correcta y sin embargo es un héroe atrapado en una maldición temporal por el resto de su inagotable existencia. Tiene connotaciones dramáticas griegas, es una obra clásica.

Recientemente leía un artículo de cuánto tiempo realmente ha vivido Bill Murray en Punxsutawney. La peli me la he visto unas dos o tres veces completas y las primeras veces entendí el paso de unos cuantos meses por las pistas que da el personaje para adquirir y desenvolverse de la forma en que lo hace en cada toma; cada vez que Murray y su naturalidad abordan un tema, por ejemplo ser diestro en el arte de botar cartas irrebatiblemente pueden pasar dos o tres meses, esculpir hielo un par de años o aprender poesía otros tantos más. Si la pregunta es cuántos días pasa Murray realmente ni siquiera Ramis con su respuesta de «…8 años, 8 meses y 16 días» es ligeramente acertado. Digamos que palpablemente el espectador observa 38 días que transcurren frente a sus ojos, asumiendo que cada día aprendió algo o hizo algo destacable y si tomamos los días que enumera sus múltiples intentos de suicidio, el tiempo que pasó jugando cartas, los días de ocio y desesperación digamos que por encimita ya llevamos setecientos cincuenta y pico días transcurridos.

Cuando uno verdaderamente siente que hay tiempo pasando por detrás de nuestros ojos suceden cuatro hechos indiscutibles, Murray recita poesía, habla fluídamente francés, se hace maestro en esculturas de hielo y maestro en el piano. Guiado en un artículo de Simon Gallagher del blog Obsessed with Film celebrando el 2 de febrero traté de hacer mi cuenta mirando la peli (el ejercicio es realmente divertido si lo quieren llevar a cabo), palabras más palabras menos, refutando unas cosas y aceptando otras, logré una cifra redonda de casi doce mil novecientos días, algo más cercano a 35 años y tres meses. Una locura de carácter esquizofrénico que me puso a pensar en otras hipótesis. Por ejemplo, asumiendo que la MacDowell interpreta a una frígida y delicada mujer, ingenua princesa que brinda por la paz mundial cada vez que puede, ¿Phil Connors simplemente no se volvió loco al intentar seducir a una mujer de ese perfil? ¿Estas princesitas no tienen un complejo más serio, como el de Electra donde no son capaces de relacionarse con alguien de su edad, digamos unos 38 años sino abuelos de 70, 75 o 78 años (si le sumamos la verdadera edad intelectual de Phil, el día que la conquistó)?

En fin, la peli es exquisita y deja mucho que pensar y Ramis, puede ser cercano a un genio ¿no?

The Life Aquatic with Steve Zissou

Ya saben que adoro las pelis de Wes Anderson, anoche me repetí The Life Aquatic of Steve Zissou estrenada en el 2004 pero esta vez la ví en versión Criterion Collection con la única intención de encontrar qué hace que una peli de Anderson le pertenezca en estilo y apariencia; me dí cuenta que su estilo ha madurado con el paso de los años, el perfecto ejercicio y la experiencia de su ópera prima (Bottle Rocket de 1996, Rushmore de 1998 y The Royal Tenembaums de 2001).

A continuación, y basado en esta peli, enumero lo que para mi es el estilo de Wes Anderson, no en orden de importancia ya que cada punto es sinérgico y la ausencia de cualquiera de ellos afectaría el producto final.

Hay algo que define las pelis de Anderson (que se mantiene incluso en The Darjeeling Limited de 2007 y Fantastic Mr. Fox de 2009) y es la inclusión de Bill Murray como su actor fetiche. Kumar Pallana había estado en sus tres pelis anteriores pero se ausentó en esta y en Fantastic Mr. Fox; Owen Wilson se ausentó en Rushmore al igual que su hermano Luke Wilson; Angelica Houston sólo aparece desde The Royal Tenembaums aunque sea ya una parte importante del equipo. Bill Murray por el contrario no aparece en la versión original de Bottle Rocket de 1994 ni en su reprodución en largometraje dos años después pero a partir de Rushmore se hace parte importante del equipo (creo que si se hubieran conocido para el primer proyecto de Bottle Rocket igual hubiera sido amor a primera vista entre ellos y hubiera participado sin dudarlo. Me arriesgo a decir que si eso hubiera pasado de pronto el papel de James Caan hubiera tambaleado un poco). Y es que Bill Murray no sólo actua en las pelis de Anderson, él es un bastión importante que resuelve tomas, es propositivo en argumentos, improvisa de la forma correcta para el proyecto y se desenvuelve en el contexto como pez en el agua 🙂 Bill Murray es un caballero que mantiene un ambiente feliz y cómodo para todos.

Ya habíamos tocado el tema de Bill Murray en Broken Flowers de Jim Jarmusch y su forma característica de repetirse, de sus excelentes repertorios cuando encuentra el perfecto guión y/o el ambiente adecuado. En esta peli Murray interpreta un documentalista acabado egocéntrico, pretencioso que trata de reinventarse porque se está perdiendo en su baja autoestima. La presentación de su obra más reciente lo dejó sin su mejor amigo Esteban du Plantier interpretado por Seymour Cassiel y esto lo involucra en la búsqueda de un tiburón tigre con la firme y poco científica intención de aniquilarlo, así sea el único de su especie. La peli se trata entonces de la filmación de este documental y de esa forma se sigue mostrando todas las calidades de Wes Anderson como realizador.

El siguiente punto que me gustaría analizar es la música que ha estado a cargo de  Mark Mothersbaugh, líder de la banda Devo que conformó en los 70’s con su hermano Robert. Mothersbaugh ha colaborado desde siempre y hasta este, su último proyecto con el equipo. Es un hombre bastante recorrido en el campo de la composición, su gran aporte a las pelis es el perfecto conocimiento del gusto de Anderson, caracterizado por melodías festivas con instrumentos de tono alto, algo barrocas con el uso de un clavicordio para Rushmore, definitivamente sofisticadas y clásicas para The Royal Tenembaums y muy pero muy sencillas y básicas para The Life Aquatic of Steve Zissou, muchas de estas tonadas son respaldadas por mini Casios que dan la sensación midi de un juego de video, un poco más ligero y dinámico que el género de sus antecesoras. Al final la peli tiene una caracterización de aventura y para las escenas de acción se usaron trombones, orquestaciones bajas, profundas, entregando un halo de suspenso al proyecto. Esta peli tiene otra gran característica a nivel musical y es la presencia de Seu Jorge quién interpreta a Pelé Dos-Santos, en la peli uno más de la tripulación, en la realización, el encargado de la interpretación de la banda sonora, un repertorio de muchas canciones de David Bowie cantadas en portugués con una profunda melancolía y tan sólo una guitarra acústica para su interpretación, que dan la sensación de una misma tonada durante toda la peli. Ahora bien, si se le suman el par de canciones originales del mismo David Bowie, el caastañeteo de Paco de Lucía, un par de tonadas de Sven Libaek y las creaciones de Mothersbaugh, al final, el resultado es una gran banda sonora.

Algunas características son más evidentes que otras, al final, unas se perciben como condimentos del plato gracias a su perfecta armonía con el resto del producto. Por ejemplo, es una característica desde siempre el constante uso de la fuente tipográfica Futura para relacionar temas de los protagonistas (así como sutiles diferencias de fuente para los antagónicos), una ambientación con colores saturados evocando sensaciones de los 70’s o una sensación surrealista del mundo basado en ilustraciones de su hermano Eric Chase Anderson, gran responsable del diseño del entorno; en The Royal Tenembaums se hizo evidente en el estudio de Richie Tenembaum pues tenía caricaturas de su papá como mural de sus paredes. En esta peli el presupuesto le permitió ilustrar el interior de un barco y volverlo el set de grabación permitiendo unas secuencias de cámara sencillamente geniales y con una sensación de continuidad fantástica.

Es realmente divertido descubrir qué hace diferentes las pelis de Anderson, podríamos continuar con comunicación de cámaras de bruscos paneos en vez de corte de planos, acercamientos que gracias al grano de la película ensucian el cuadro, acucioso sentido por el más mínimo detalle como el caso particular de los títeres de la peli sutilmente irreales o la diferencia sustancial en cada uno de los gorros de la tripulación (unos tienen pompones, otros no, unos tienen semáforos bordados, otros son atuendos religiosos de musulmanes ortodoxos) o algo tan sencillo como la ayuda para escribir la obra con alguno de sus amigos de una manera sencilla y fabulezca (antes los hermanos Wilson, en esta ocación con Noah Baumbach). Pero lo que no se nos puede escapar es que lo que verdaderamente hace especial cada una de estas pelis es el ímpetu, la frescura, el entusiasmo, la fantástica perspectiva del mundo, de este niño de cuarenta años.

Ya para finalizar, quiero destacar la espléndida y sobresaliente caracterización de Willem Dafoe como Klaus “Klausy” Daimler un conmovedor alemán, leal a su líder Steve Zissou que lo aprecia casi como padre y lo secunda incluso en sus errores, un personaje tan enternecedor como humano que logra robarnos más de un par de sonrisas, de nuevo, de una forma muy sofisticada y elegante. Un aplauso para el resto del reparto que se enfrascaron en esta aventura Andersiana y que parece estarían felices de repetir en otra oportunidad: Cate Blanchet, Michael Gambon, Noah Taylor y Jeff Goldblum.

Así pensaba yo de Jim Jarmusch

Nació en 1963 en Akron (Ohio). Faltando unos pocos meses para graduarse de Literatura en la Universidad de Columbia en Nueva York, descubre, en unas vacaciones en París, La Cinemateca Francesa y termina quedándose un año en Francia. Al regresar, entra al posgrado de cine de la Universidad de Nueva York donde recibe clases de Nicholas Ray, el director de Rebel Without a Cause en 1955. En 1980 trabaja como asistente de producción de la peli Lightning Over Water de Wim Wenders.

En 1984 realiza su primera peli Stranger Than Paradise que cuenta la historia de un joven de ascendencia húngara que recibe a su prima de visita, la peli es estéticamente sobria y filmada en blanco y negro donde John Lurie actor principal compone la banda sonora. Down By Law es su segunda peli, también filmada en blanco y negro, y narra una historia de cárcel otra vez trabajando con Lurie y Tom Waits. Logra una trilogía con Mistery Train en 1989, donde se presenta “una soledad posmoderna que es conquistada por las circunstancias” donde los personajes estando juntos sin hablar, no están sólos porque físicamente están cercanos.

Su cinta de 1991, Night on Earth, explora ciertas coincidencias con estas pelis que cuenta la histora de cinco taxis en diferentes ciudades del mundo, en el mismo momento.

Paralelo a este trabajo venía realizando cortos argumentativos de corte documental donde involucraba a actores como Roberto Benigni, Steve Buscemi, Iggy Pop, Tom Waits, que finalmente fueron recopilados en el 2003 en una edición completa de Coffee and Cigarettes y a los que se sumaron Cate Blanchet, Steve Coogan, Alfred Molina, The GZA, RZA y Bill Murray actuando como ellos mismos.

Para el tiempo en que escribía estas frases Jarmusch no había rodado Dead Man que es de 1995 donde Johnny Depp encarna un contador que huye de un asesinato y se encuentra con un indio que lo encursa en una travesía espiritual, o el documental Year of the Horse en 1997  del concierto Neil Young y Crazy Horse , o Ghost Dog: The Way of the Samurai en 1999 la increíble peli donde Forest Whitaker encarna un asesino a sueldo de la mafia italiana y emprende un camino de autoconocimiento cuando es apuntado como su propia víctima.

Ya he hablado de Broken Flowers de 2005 y esperaré hablar recientemente de él cuando pueda ver The Limits of Control una peli que sacó el año pasado. Un gran director, una gran garantía para ir y divertirse cada vez que saque una peli.

Broken Flowers

El año era 1992 o tal vez 1993, de seguro fue cuando estaba aún en el colegio cuando a través de una columna que escribía Manuel Kalmanovitz en El Espectador me enteré de este gran director. Tal vez fue la forma en que Kalmanovitz escribía, tal vez era la sensación de no saber qué iba a estudiar yo o tal vez fue esa misma fantasía proyectado en Jim Jarmusch que faltándole un año de estudios decide hacer otra cosa. Lo más divertido es que encontré los apuntes de esos días, entonces, muy posiblemente, haga un esfuerzo y escriba sobre todos esos directores que me apasionaban en ese entonces.

La oportunidad en este momento es para Broken Flowers, una peli fascinante escrita y dirida por el mismo Jarmusch y con unas actuaciones espectaculares de Bill Murray como principal y Jeffrey Wright como secundario. En el reparto igualmente especiales están Sharon Stone, Cloë Sevigny, Jessica Lange, Tilda Swinton y Frances Conroy.

La peli es el desarrollo de una investigación de corte aficionado orquestada por el vecino de un pudiente ex-vendedor de computadoras que es informado que tiene un hijo de diez y nueve años, que huyó de la casa y que muy posiblemente fue a buscar a su padre. El dilema es que este envejecido Donjuán debe recordar hace veinte años con quién estaba y si alguna de sus novias podría ser la madre del supuesto hijo. Convencido por el entusiasta vecino emprende una aventura burguesa recorriendo medio país en busca de estas cinco mujeres y se vuelve el calvario de este sibarita que todo el plan fue organizado por un hombre de medianos recursos, con cinco hijos y con la mente más ahorrativa posible, luego entonces, el resto de la peli vemos a un hombre cansado de su travesía, viajando en clase ejecutiva, con carros de mediana clase y con el rigor de una vida llena de lujos haciéndole cuenta de cobro. La imagen es súper divertida y al igual que esta, la peli está cargada con decenas y decenas de situaciones de un humor muy fino y elaborado.

Pueda ser que acostumbre a buscar simbolismos, conjeturas, metáforas donde no las hay creo que esta peli es perfecta para elucubrar muchas teorías y conexiones, no se si sean todas correctas pero igual el viaje de Don Johnston es de hermenéutica pura lo cual es un aliciente para seguir pensando y pensando. En este sentido, para mi es importante destacar todo lo rosado que aparece como un nuevo protagonista, estas bellísimas mujeres en el pasado del Donjuán, que el nombre original de la peli era Dead Flowers y cambió a Broken Flowers y de nuevo el televisor (un protagonista especial en las pelis de Jarmusch) que también nos da pistas de ciertos pensamientos tácitos en la obra.

Quién es el verdadero hijo que lo está buscando? Quién es la madre que pensó en el agobiado padre y le mandó esa carta de alerta? Qué le dejó a Johnston y a Winston esta aventura? Para qué dañar la percepción de la peli en los espectadores, de seguro cada uno sale con una versión de los hechos que hace a la peli más que interesante, la hace una verdadera obra de arte y del entretenimiento. La peli obtuvo cuatro premios independientes tres para Jarmusch por su excelente dirección y uno para Jeffrey Wright como mejor actor de reparto.

Bill Murray pueda que se repita actoralmente en ese papel egolatra, prepotente y pretencioso en cada una de sus pelis, me parece que cuando el entorno se sincroniza con esa actuación él logra unas acciones realmente conmovedoras hablo de Broken Flowers, Lost in Translation y Groundhog’s Day.

Finalmente, el último y más grandioso aporte de la peli, ese magnífico CD que le quema Winston a Don (“There Is an End” de Holly Golightly with The Greenhornes, “Yegelle Tezeta” de Mulatu Astatke, “Ride Yu Donkey” de The Tennors), “I Want You” de Marvin Gaye, “Yekermo Sew” de Mulatu Astatke, “Not if You Were the Last Dandy on Earth” de The Brian Jonestown Massacre, “Tell Me Now So I Know” de Holly Golightly, “Gubèlyé” de Mulatu Astatke, “Dopesmoker” de Sleep, Requiem in D minor, Op. 48 version de Oxford Camerata, “Ethanopium” de Dengue Fever, Instrumental de Mulatu Astatke, “Unnatural Habitat”  de The Greenhornes, “Dreams” de The Allman Brothers Band, “El Bang Bang” de Jackie Mittoo, “Playboy Cha-Cha” de Mulatu Astatke, “Mascaram Seteba” de Mulatu Astatke, “Aire” de William Lawes, “Fantasy” de William Lawes, “Alone in the Crowd” de Mulatu Astatke) para que haga su travesía y se vuelva la banda sonora de la peli definitivamente le pone el toque de genialidad que le hacía falta a la peli, con sonidos del pasado y de tierras muy lejanas que alegran el corazón; es lo que finalmente conmueve el corazón frío de este casanova. Mi preferida: “There Is an End” de Holly Golightly with The Greenhornes.