Action, Auteur, Brit, Epochal, Exploitation, Film Noir, Folk, Guy Ritchie, Melodrama, Miguel Vaca, Movie, Remake, Serie B, Spy Film, Storytelling, Suspense, Thriller, TV, Vacacion, War, World

The Man from U.N.C.L.E.

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The Man from U.N.C.L.E. es una reedición del homónimo programa de TV que se emitió con considerable éxito en la Inglaterra de los 60’s (más exactamente ente 1964 y 1968). La trama se centra en una relación cooperativa entre dos espias en medio de la Guerra Fría después de la Segunda Guerra Mundial; en la esquina estadounidense, Napoleon Solo y, en la esquina soviética, Illya Kuryakin, un duelo clásico mientras resuelven misiones dictadas por un director de inteligencia británica, Alexander Waverly. Teniendo poca referencia de la serie televisiva, se hace evidente la influencia bondiana de Ian Fleming que actuó como consejero de los creativos de la producción; menos mal Guy Ritchie, el director de la producción cinematográfica actual, no se centró en los artefactos y trucos de aparatos, clichés sobresaturados de Fleming que, al parecer, si fueron eje del programa televisivo.

Es emocionante ir a ver una peli de Guy Ritchie. Los diálogos, las líneas cómicas y, la estética, hacen refrescante la experiencia de sentarse frente a una pantalla de cine. Aunque su genialidad se hizo evidente con su forma de contar historias en el barrio obrero, se fue saturando y el ghetto no dió más para su retórica. Sin embargo, en sus últimas salidas, la acción y la química carismática con Robert Downey Jr. en las dos partes de Sherlock Holmes le dieron la posibilidad de explorar otros proyectos más bonachones. El problema es cuando la disculpa se vuelve divertir por divertir y no hay realmente mucho rescatable en el análisis.

Si bien el reparto, constituido por Henry Cavill, Alicia Vikander, Armie Hammer y el mismísimo Hugh Grant, tiene una química insospechada, la ridiculez de la trama, y de nuevo, la presencia de los arquetipos y la dinámica de Fleming dejan una pieza vacía y sin mucho más que un par de sonrisas. El ritmo generado por el toma y dame de Solo y Kuryakin se vuelve un sonsonete aburridor y la estética de Ritchie presente tímidamente a lo largo de la cinta aparece rimbombante –y casi ensordecedoramente– en el desenlace del tercer acto de la cinta aportando mucho más ruido que calidad. En un partido de fútbol, se nota cuando a los jugadores se les acaban los argumentos y empiezan a jugar de corazón tratando a toda costa de ganar el partido. El equipo de The Man from U.N.C.L.E. no podría adaptarse mejor a esta figura. Ahora si lo lograron queda a criterio de todos ustedes.

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Adventure, Andy Wachowski, Aussies, Brothers, Coral, Epic, Epochal, Experimental, Fantasia, Indie, Lana Wachowski, Miguel Vaca, Movie, Neues Deutsches Kino, New Zealand Cinema, Psychedelia, Storytelling, Vacacion, World

Cloud Atlas

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Cloud Atlas es una ópereta cinematográfica basada en la novela de David Mitchell que tuvo que ser escrita y dirigida para el cine por tres personas, Andy Wachowski, Lana Wachowski (Los hermanos Wachowski) y Tom Tykwer. Claramente Cloud Atlas no es una pieza de la que uno se pueda zafar fácilmente. Por lo mismo, no es una cinta que uno pueda aprobar o desaprobar negligentemente de un solo golpe, hay que revisarla una y otra vez -esta es la segunda vez que la veo atreviéndome, sólo hasta ahora, a hacer una pequeña reseña, tratando de ser lo más profunda posible pero igualmente humilde. Debo reconocer, que aún se me escapan muchos detalles y, creería que siendo la metáfora de esta sinfonía de fondo, me cuesta mucho llegar a profundizar demasiado en toda la trama por falta de un oído más educado-.

Cloud Atlas hará su marca en la historia cinematográfica como una de las más grandes producciones independientes, muy poco posible de igualar, llegando casi hasta a los límites del delirio y la megalomanía de este par de hermanos que lograron convencer a Tykwer de embarcarse en esta empresa.

En un despliegue alucinante, Cloud Atlas entrevé la exploración del alma humana cautiva en recipientes corpóreos que moldea aleatoriamente de acuerdo a pequeñas particularidades que a través de los tiempos definen la esencia del hombre en la Tierra. Dichas particularidades perspicazmente delinean la psique de un personaje y lo hacen en apariencia diferente a sus pares pero a su vez delimitan una personalidad compleja que determina la dirección heroica o antagónica de un ser humano. -En parte, esto resume una de mis más profundas creencias y es la que todo ser humano tiene en su ser todos los ingredientes que definen la esencia de la humanidad, todos somos egoístas, mezquinos, mentirosos, celosos, vagabundos, perezosos, así como, bondadosos, tiernos, cursis, enamoradizos, nobles. Mi teoría, no iba tanto a la transitoriedad del alma y la reencarnación en vidas pasada sino que es un poco más instintivo. Cada vez que nos topamos con una persona que nos empareja, dichos condimentos salen a flote y se mezclan en una proporción única de acuerdo a esa persona. Estamos con alguien y nos sorprendemos en celos, amargura o mentiras o nos regocijamos en cariño, armonía y ternura pero al final somos espejos de lo que esa persona potenció en nosotros-.

Los críticos, la califican como un “beautiful mess” y creo no podría estar más de acuerdo. Por un lado, alrededor de trece o catorce súper estrellas se reparten más de setenta papeles. No es que esté mal pero si nos alejamos por un momento de nuestro propio asombro, setenta papeles, casi todos protagónicos, conllevan a una guerra interna donde ninguno prevalece, donde casi ninguno de los actores -a excepción de Tom Hanks, Halle Berry y Hugh Grant– logra desarrollar un personaje sino más bien cada uno tiene varios retos dentro de la producción para tener momentos de profunda honestidad en el instante en el que uno de sus papeles hace su aparición. De pronto, en la novela funciona muy bien -tengo una gran inquietud por ella gracias a la peli-, pero en la pantalla no es más que desorden y consfusión. La pregunta entonces sería en una adaptación menos literal de la novela, ¿Los Wachosky y Tykwer no debieron haber tenido un mejor filtro y eliminar personajes que contribuyeron a una mejor comprensión de las historias sacrificando la orgiástica producción que implicó la inclusión de los más de setenta personajes, en un poco menos de tres horas de proyección?

Cloud Atlas fue duramente castigada por sus colegas. Al ser una megaproducción independiente, los círculos indies no la vieron con buenos ojos y pocos, casi ninguno de ellos, la nombraron o mencionaron. En los Globo de Oro fue nominada por mejor partitura original y mejor peli del año pero imagino que no fue estrenada dentro del periodo de clasificación en los Oscar porque fue blanqueada completamente, en un acto inconcebible porque si algo tiene esta pieza es un despliegue impecable de imaginería y producción. En primer plano, la partitura compuesta por el mismo Tykwer, al lado de Reinhold Heil y Johnny Klimek es determinante y, para mis oídos, sublime. Es cierto, tal vez no sepa mucho del tema pero La Sinfonía del Atlas se siente como un narrador omnisciente durante la narración de la pieza en un delicado cortejo sobre la trama.

El segundo punto importantísimo es el montaje de Alexander Berner acompañado de una excelente cinematografía a cargo de Frank Griebe y John Toll. Este grupo de artistas logró no sólo darle coherencia a la visión conjunta de tres realizadores, en varias épocas, con diferentísimos personajes sino que además logró lo imposible: obtener una visión cohesiva de Cloud Atlas como una historia única. Gran, gran trabajo que no ha sido valorado por nadie.

Finalmente, y es el punto que más nos impresiona. Descubrir a Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Hugo Weaving, Jim Sturgess, Doona Bae, Ben Whishaw, Keith David, James D’Arcy, Xun Zhou, David Gyasi, Susan Sarandon y Hugh Grant actuando en Cloud Atlas no es siquiera el inicio de nuestro asombro, cuando nos damos cuenta que cada uno de ellos amasa entre cuatro o cinco papeles durante la peli que van entre diferentes acentos, diferentes fenotipos raciales o incluso diferentes sexos ahí es cuando quedamos boquiabiertos. El trabajo de maquillaje es abiertamente impresionante, es la piedra angular que sostiene todo el truco de los realizadores.

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Brit, Comedy, Exploitation, Folk, Lasse Hallström, Melodrama, Miguel Vaca, Movie, Romance, Svensk Film, Vacacion, World

Salmon Fishing in the Yemen

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Nunca estuve demasiado interesado en ver Salmon Fishing in the Yemen en cines y, la verdad es que lo ratifico hasta ahora que la veo, por todo el ruido hecho en los Globo de Oro, con sus tres nominaciones importantes -mejor peli, mejor actor Ewan McGregor y mejor actriz Emily Blunt de comedia o musical-. Sin embargo dichas nominaciones pertenecen a una subcategoría que pareciera no tener mucho mérito y más bien se convierte en premio de consolación para ciertas producciones y ciertos artistas.

Salmon Fishing in the Yemen de Lasse Hallström me gusta por dos aspectos bien particulares. El primero personal, me abre los ojos a que no todas las producciones de The National Lottery y la BBC Films son excelentes. Tienen una calidad sobresaliente pero siempre habrá una excepción que rompe la regla, y aunque su factura para nada es mediocre la temática de Salmon Fishing in the Yemen es muy promedio y casi que por alimentarse demasiado de las piezas que protagonizó Hugh Grant como ícono de la comedia romántica de los 90’s abusa del género.

El otro aspecto importante es que su estilo, contrario a lo que opina el público y la crítica, no es una cinta diferente de comedia romántica, por el contrario tiene su valor en que aboga por el clasicismo de las historias de amor de los años 50’s. Entonces de alguna forma Hallström logra ese equilibrio de comedia actual y antigua con una narración inocente. No es mi tipo de cintas donde la acomodación de los factores es tan singular para que los personajes se conjuguen porque se siente artificial. Una cosa es la adaptación de la historia, la creación de giros en la trama para darle versatilidad a la tensión y otra es el ajuste fantasioso que se dan típicamente en las últimas obras Hallström. Extraño con melancolía The Shipping News, The Cider House Rules o What’s Eating Gilbert Grape donde la narración puede llegar a ser pícara pero el sentido del drama era intachable.

Rescato de esta peli la fotografía de Terry Stacey -aunque en muy pocas tomas logró resaltar la belleza pura de Emily Blunt– y la partitura angelical del veterano Dario Marianelli que es favorito en los Oscar para llevarse la estatuilla dorada.

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Auteur, Bernard Rose, Brit, Drama, Epochal, Folk, Indie, Miguel Vaca, Romance, Storytelling, Thriller, Trailer, Vacacion, World

Mr. Nice

Mr. Nice es una biopic dirigida por el londinense Bernard Rose sobre Howard Marks, un expendedor y traficante de droga de la élite británica. Aunque su historia es bien particular al haber tenido nexos con entidades gubernamentales y de inteligencia de Inglaterra y Estados Unidos para poder controlar el 10% del mercado internacional de hachís, esta peli me evoca demasiado cerca el último largo de Ted Demme, Blow, donde Johnny Depp interpretaba a George Jung el eslabón en Estados Unidos de la cadena de distribución más grande de cocaína del mundo durante el reinado de Pablo Escobar.

Me llama la atención porque pocas veces ve uno a Rhys Ifans realmente como protagonista de una peli. Si se ponen a pensar Ifans llama mucho la atención en sus papeles secundarios y son la pimienta necesaria para resaltar el sabor de muchas historias. Siendo tan sólo protagonista en Human Nature de Gondry, sus papeles no pasan de ser el mejor amigo del protagonista pero ¿quién podría olvidar el compañero de vivienda de Hugh Grant en Nothing Hill o el agripado periodista de The Shipping News o el acosador miedoso de Enduring Love? Esta peli es la gran posibilidad de debutar en un papel en el que se siente cómodo siendo el empático, elamiguero, el chévere. Ojalá y no sea una mala copia y podamos ver matices de una historia nueva y no un enlatado más de tráfico y pasíon.

Rhys Ifans (Howard Marks)
Chloë Sevigny (Judy Marks)
David Thewlis (Jim McCann)
Elsa Pataky (Ilze)
Crispin Glover (Ernie Combs)
Andrew Tiernan (Alan Marcuson)

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Fantasia, Miguel Vaca, Mike Newell, Vacacion

Harry Potter and the Goblet of Fire

The Goblet of Fire

Esta peli es dirigida por Mike Newell gran sorpresa al ver que conozco más de dos pelis en un director de la franquicia (bah! después revisé y también conozco más de dos con Cuarón y con Columbus); Newell no tiene un perfil definitivo pero me deja un leve tufillo a pelis de serie B como comedias románticas en fin un tipo extraño. Me gusta Donnie Brasco con Johnnie Depp,  Al Pacino y Michael Madsen, me gusta Four Weddings and a Funeral con Hugh Grant, Kristin Scott Thomas y Andie MacDowell, no me molesta demasiado Mona Lisa Smile con Julia Roberts, Kirsten Dunst, Julia Stiles, Maggie Gyllenhaal y Ginnifer Goodwin y siento que tiene un gran sentido del humor recapitulando su portafolio para televisión.
La historia en este capítulo, como lo decía anteriormente, se vuelve trágica y siento que Newell la trató con un buen respeto y delicadeza. El gran problema es que los actores son muy jóvenes, neonatos y no toda la actuación puede sobrecaer sobre los hombros de las estrellas; en este caso Timothy Spall, Jason Isaac, Robbie Coltrane, Michael Gambon, Maggie Smith, Alan Rickman, Brendan Gleeson, Miranda Richardson, Gary Oldman y Ralph Fiennes. Siento entonces que hace falta mucha fuerza a nivel de forma pero que Newell hizo un gran esfuerzo y que Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint y Robert Pattinson como Cedric Diggory pudieron esforzarse al máximo pero les hizo falta mucho tramo para llegar a una posición honrosa.
Lo divertido de la peli es la primera gran aparición de Voldemort encarnado por Ralph Fiennes. Usando un maquillaje sobrio pero definitivamente perverso la historia gana un personaje villano de características épicas.

Esta peli es dirigida por Mike Newell gran sorpresa al ver que conozco más de dos pelis en un director de la franquicia (bah! después revisé y también conozco más de dos con Cuarón y con Columbus); Newell no tiene un perfil definitivo pero me deja un leve tufillo a pelis de serie B y comedias románticas, en fin, un tipo extraño. Me gusta Donnie Brasco con Johnny Depp,  Al Pacino y Michael Madsen, me gusta Four Weddings and a Funeral con Hugh Grant, Kristin Scott Thomas y Andie MacDowell, no me molesta demasiado Mona Lisa Smile con Julia Roberts, Kirsten Dunst, Julia Stiles, Maggie Gyllenhaal y Ginnifer Goodwin y siento que tiene un gran sentido del humor recapitulando su portafolio para televisión.

La historia en este capítulo, como lo decía anteriormente, se vuelve trágica y siento que Newell la trató con un buen respeto y delicadeza. El gran problema es que los actores son muy jóvenes, neonatos y no toda la actuación puede recaer sobre los hombros de las estrellas; en este caso Timothy Spall, Jason Isaac, Robbie Coltrane, Michael Gambon, Maggie Smith, Alan Rickman, Brendan Gleeson, Miranda Richardson (quien ya había trabajado con Newell en Dance With a Stranger), Gary Oldman y Ralph Fiennes. Siento entonces que hace falta mucha fuerza a nivel de forma pero que Newell hizo un gran esfuerzo y que Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint y Robert Pattinson, como Cedric Diggory, pudieron esforzarse al máximo pero les hizo falta mucho tramo para llegar a una posición honrosa.

Lo divertido de la peli es la primera gran aparición de Voldemort encarnado por Ralph Fiennes. Usando un maquillaje sobrio pero definitivamente perverso; la historia gana un personaje villano de características épicas.

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