13 Assassins

13 Assassins tiene todo lo necesario para ser una buena peli, lastimosamente no lo es. Tiene un nombre pegasoso y atractivo, un director como Takashi Miike que es divertido, oscuro y buen desarrollador de trama, una edición musical espectacular (lo mejor hasta ahora en esta maratón de cine) a cargo de Kôji Endô y el reconocimiento con nominaciones en los Asian, los Japanese’s y La Biennale.

Miike conocido por Audition y Sukiyaki Western Django emprende una aventura feudal en Japón a finales del siglo XIX justo cuando se está acabando el periodo del Shogunato, su autor original es Kaneo Ikegami un escritor que logró desarrollar un guión en 1963 para Eiichi Kudo llamado Jûsan-nin no shikaku (The Thirteen Assassins) y ahora desarrolló el guión para la versión de Miike.

La historia está basada en un hecho de la vida real donde unos samurais se rebelan contra su jefe político el Shogún, quien es el hijo del antiguo Shogún y hermano del señor Naritsugu. La cuestión se revela cuando se descubre la mezquindad y profunda crueldad de Naritsugu, la frustración porque su hermano no lo corrije por el contrario le va a dar más poder político pero incapacitados en su honor no pueden matarlo a sangre fría. Deben proponerse enfrentarlo en franca lid y esto desencadena una pelea a muerte de cientos.

En términos generales, la peli está bien planteada, la violencia gráfica es contundente y el espectador toma partido rápidamente en la batalla pero el acaecimiento del desarrollo no está bien logrado y parece que el baño de sangre se le sale de las manos al director quien simplemente no sabe cómo terminar su filme. Una historia muy clásica, con una trama un poco acartonada por el paso del los años y las actuaciones muy teatrales hacen que el impulso que tenía el inicio se pierda en la cuesta y termine en un final desbocado y predecible. Qué rabia que todo el trabajo de Kôji Endô haya sido tan en vano.

Afiches más Destacados

Kûki ningyô

(Continúa de Parte II)

Kûki ningyô (Air Doll) es una peli hermosa sobre una muñeca inflable que una mañana cualquiera en el lecho de su dueño despierta en forma humana. Al igual que su referencia más primaria, Pinocho (Pinocchio), Nozomi se aventura en el mundo real y ansía convertirse en un mujer de carne y hueso o por lo menos sentirse igual que una de ellas. En su búsqueda encuentra su propia esencia y cuestiona su ser.

Claramente, existencialista y como casi todos los proyectos japoneses muy costumbrista, Kûki ningyô es una crítica fuerte a varios factores. Por un lado, es una exhortación a la mujer japonesa a desarrollarse como persona, a proponerse sueños y cumplir su formación como individuo lejos de su tradicional posición sumisa en el matrimonio japonés; por otro lado, es una crítica a la sociedad japonesa contemporánea que mecánicamente se olvida de socializar y relacionarse con otras personas (crítica muy parecida a la abordada por Joon-ho Bong en Shaking Tokyo su segmento en la triglifo Tokyo!). Reflexionando aún más profundo, o como dirían por ahí “hilando fino”, la peli también puede tener una cercanía temática a Ai no korîda (In the Realm of the Senses o El Imperio de los Sentidos) donde Nozomi logra unos niveles de cariño y amor por su cónyugue difíciles de aceptar por nuestros estándares.

Su director Hirokazu Koreeda desarrolló la historia a partir del manga creado por Yoshiie Goda y por eso Cinemax lo incluye en el ciclo.

Sono otoko, kyôbô ni tsuki

La primera peli que vi de Takeshi Kitano fue Kikujirô, y como les decía en Akiresu to kame esa es favorita. Es un thriller de gangsters pero que tiende al drama emocional, muy bonita y súper recomendada (de pronto me la repito en estos días para hacer su entrada como es debido). Recientemente vi Sono otoko, kyôbô ni tsuki (Violent Cop) que fue su primera peli como director (recordemos que Kitano ha participado en 51 filmes como actor, 17 de ellos como actor-drector) y me encantó el corte de thriller policiaco que me había encantado también Kikujirô. Mucho más joven y sin sus ya acostumbrados tics, Kitano interpreta a un policia que tiene una personalidad agresiva pero es respetado en el departamento. Gracias a la llegada de un nuevo dirigente en la fuerza, se pone en la mira por su particular accionar y su encuentro con las mafias japonesas.

La fotografía es agradable aunque un tanto desordenada y se limite a describir el recorrido de este policía sin ser demasiado protagonista. La narración es impecable, gracias a la ingeniosa ayuda de Kitano en el equipo de elaboración del guión, que permite una líneas interesantes y un desarrolo del perfil psicológico de los personajes realmente sobresaliente. Como espectador uno es conducido en ese vals de Kitano hacia un final común de los thrillers de acción, sin embargo el director audazmente cambia la trayectoria hacia un inesperado encuentro de Sukiyaki Western demostrando toda su rudeza y su coraje.

A excepción de pronto de Zatôichi, Kitano en su madurez se ha vuelto más tierno, más transcendental y existencialista, no es que esté mal pero su estilo en los thrillers es mucho más entretenido y profundo para mi gusto. Esta peli es fácil de encontrar, se las recomiendo.

Akira

Veintitrés años después de su lanzamiento, puedo afirmar que me vi Akira de Katsuhiro Ôtomo. Es una peli de culto basada en un manga del mismo nombre que enfrasca una novela épica de ciencia ficción ubicada en el año 2019 en Neo-Tokyio, una ciudad de la post guerra y como tal que es pionera en el término cyberpunk.

Por un lado, es criticada por su adaptación de los personajes y escenarios sobre los originales del manga que se publicó desde 1982 hasta casi 1990. Como saben, los mangas son novelas hechas de pulpa barata para leerse en el metro, son los “pulp fiction” japoneses y esta logró un impacto muy fuerte llegando a considerar casi 2182 páginas de ilustraciones y viñetas. La historia es un poco enredada al principio y el tono sicodélico, no ayuda mucho a entender muy bien el sofisticado planteamiento. Tetsuo Shima es abducido y alterado mentalmente por una agencia del gobierno que investiga la supuesta presencia de Akira en la sociedad. Tres «genoinfantes» son los encargados de su madurez intelectual que potencia la telequinésis pero a la vez altera sus miedos y ansiedades más profundas. Shôtarô Kaneda es amigo de infancia de Tetsuo y emprende su búsqueda de manera frenética ayudado de Kei una niña que conoce en una inspección de policia.

No sólo el hecho que no hay computador y que es pionero de este tipo de animación japonesa, Akira se vuelve hito por su compleja e intrincada ciencia ficción. La animación tiene sus orígenes en Japón a principios del siglo XX, pero sólo hasta los 60’s o 70’s se empieza a conjugar con los mangas y realmente a desarrollar un producto original y autóctono. La cultura japonesa que honra la tradición potencia las labores específicas de ciertos animadores, por ejemplo, hay maestros en el arte de dibujar robots como también maestros para animarlos. Akira da la pauta para el género de ciencia ficción a nivel de novela épica y aunque no es mi favorita si es clara influencia de muchas otras posteriores personalmente más interesantes como por ejemplo Ghost in the Shell. Akira además abrió el mercado occidental y posó los ojos de festivales en este género no tan común entre nosotros para así en 1992 (casi diez años después del lanzamiento del manga y cuatro después de su peli) llevarse el Silver Scream en Amsterdam.

Hausu

Yo nací en el año 1977 y revisando las pelis que se estrenaron ese año siempre me llamó la atención Hausu (House) de Nobuhiko Ôbayashi por su poderoso afiche naranja. No hay mucho que aportar, no soy muy fanático del género Camp y esta indudablemente cabe dentro de la categoría. Algo sicodélica, desaseada, con excesivos fundidos y efectos que no aportaron nunca a la trama Hausu es sin duda una de las peores pelis japonesas que me he visto.

Queriendo ser una peli de suspenso su peor desacierto es la edición musical, que termina siendo ramplona y desafortunada. Pero la música es tan sólo uno de los tantos factores que hacen nefasta esta pieza. Las actuaciones no tienen tono en absoluto, las niñas están muy sobreactuadas y no se siente hilo conductor o desarrollo de sus personajes. El montaje es patético así como la fotografía, las cámaras, el diseño de producción.

A diferencia de Waters no veo ningún sentido transgresor, la estetica es rudimentaria y naif y los desnudos de las niñas son más que fortuitos. La verdad creo que es una peli sobrevalorada, no la siento de culto y aunque Ôbayashi tenga más de 40 títulos en su haber, habría que revisar muy bien su proceso porque lo que es su ópera prima deja mucho que desear.

Akiresu to kame

“Aquiles y la Tortuga” es una peli de Takeshi Kitano de 2008 que están rotando por Cinemax en estos días pero igual es una peli que ya me había visto hace un año o dos también en el mismo canal.

Comienza con una paradoja matemática, narrada en Animé japonés donde se explica que en un tramo de diez metros Aquiles pacta una carrera con una tortuga que corre diez veces más lento que él, la tortuga se pone en el último metro y empieza la carrera. La pregunta entonces es ¿cuándo alcanza Aquiles a la tortuga? Bueno resulta que si al noveno metro se revisa la acción, Aquiles ha recorrido nueve metros y la tortuga nueve décimos del último metro; si ese último tramo se divide otra vez en diez tramos y se revisa la acción en el noveno, Aquiles otra vez habrá recorrido casi por completo la distancia pero la tortuga se habrá desplazado nueve décimos de ese último tramo. Si el análisis prosigue la cuestión matemática se podría enunciar como 0.999999999… de la distancia habrá recorrido Aquiles en una constante infinita donde definitivamente no puede alcanzar la tortuga por mucho que se esfuerce, por mucho que corra.

Esta paradoja matemática le sirve a Kitano para explicar el desarrollo artístico de Machisu Kuramochi, un niño que asumió el sueño de ser artista, que se volvió joven y no lograba vender un cuadro y se hizo maduro pero aún no lo conseguía. ¿Cuándo alcanza Machisu su sueño? No lo sabemos sino hasta el final de una peli muy tierna e increíblemente colorida y plástica.

La primera vez que la vi recordé que el arte no es lo que definan los críticos como tal, si se vive en torno a la crítica el producto es vacío, es impuro, es cliché. Sin embargo Machisu o mejor Kitano entre más inocente y espontáneo fuera lograba sorprender al mundo primero con unas deliciosas gallinas de una sóla pata, después con su lenguado puntillista, luego con su realismo impresionista del puerto y finalmente toda su vida se vuelve un análisis historiográfico del arte, sencillo, humano, contundente, desquiciado.

La inocencia con que Kitano maneja sus pelis es sencillamente adorable y nos cautiva cada vez que una de sus pelis ha estado en salas; nos han traído “Las Flores de Fuego” (Kikujirô no natsu) que fue la primera que vi, después en su orden, “Muñecas” (Dolls) y “Zatoichi” (Zatôichi) sin embargo como siempre el cine independiente no tiene tanto éxito en taquilla y terminamos por ver estas pelis en TV o en el peor de los casos en Cuevana. “Zatoichi” es sin lugar a dudas una de sus pelis más éxitosas a nivel de taquilla y reconocimientos, yo particularmente me quedo con “Las Flores de Fuego“. Esta no está para nada mal sobretodo por ese plasticismo impresionante capturado en la pantalla.

The Cove

Esta, al igual que muchas entradas en diversos blogs que he visitado sobre el mismo tema, no es una entrada usual. En mi caso porque no soy una persona conocedora del género documental para saber si alguna pieza es buena o mala. Mi única referencia es que recientemente esta peli ganó Oscar y Sundance como mejor documental y ya.

Pero hay muchas cosas que decir.
Lo primero es que a continuación pongo el enlace (que gentilmente me pasó una amiga) donde se puede ver el documental completo (incluso puede descargarse libremente). Pero antes de verlo aconsejo que sus mentes estén preparadas para la cruda realidad, la ignominia y el desespero de la impotencia.

http://www.movstreaming.com/watch-movie-the-cove-streaming-megavideo-4733.html

Si ya la vieron se pueden dar cuenta que no es simplemente una peli de delfines o carne contaminada con mercurio es una desgarradora descripción del genocidio de delfines en Taiji, Japón.

* Genocidio según la Real Academia de la Lengua Española se define como el exterminio o eliminación sistemática de un grupo social por motivo de raza, de etnia, de religión, de política o de nacionalidad.

Richard O’Barry fue el entrenador de cinco de los delfines que se usaron durante la producción del programa de televisión Flipper a mediados de los 60’s hasta que uno de ellos se le murió en sus brazos a causa del estrés. Estos animales fuertemente sensibles al sonido viven momentos reales de agobio y tensión cuando son recluídos. A pesar de su renuncia al programa, O’Barry se dió cuenta que su daño ya estaba encausado y ha durado estos años siendo un estratega, militante y subversivo en su guerra por liberar a tantos delfines como sean necesarios para que estas muertes no sean en vano. En su caminar se encontró que Taiji en Japón es la principal proveedora de “flippers” para espectáculos marinos alrededor del mundo pero ir allí fue más que inspirador, fue desgarradoramente traumático.

Este documental dirigido por Louie Psihoyos cuenta la odisea de un grupo de amigos que apoyados con tecnología de punta proporcionada por gente de ILM y que quieren mostrar el horror que sucede allí cada septiembre donde cerca de veintitrés mil delfines mueren al año. El drama de encontrarse con las imágenes, con la cruda verdad.

Yo no soy motor de convocatoria, ni mis pensamientos son políticamente correctos como para motivarlos hacer algo “bueno”, sin embargo para los interesados hay muchas formas de apoyar a este grupo de entusiastas, hay instrucciones en el sitio oficial.