La semana pasada vi la peli que lanzó a Paddy Considine como escritor-director en un exitoso drama que ya le reconoció mejor debut en BAFTA y los British Independent Film Awards, mejor director en Sundance, mejor actriz en los London Critics Circle Film Awards, British Independent Film Awards, Chicago y Sundance y mejor actor también en Sundance. La historia se basa en un hombre contaminado de rabia, dolor y amargura. Incapaz de amar u ofrecer cariño todos los que están alrededor suyo terminan muriendo, incluso Blooey su incondicional amigo que accidentalmente recibe su merecido de una forma cruda e inconsciente. Pero igualmente azaroso fue su encuentro con Hannah, una mujer que a través de su inocencia y su fé lo contagia con algo de positivismo y una nueva perspectiva.
Joseph es interpretado impecablemente por Peter Mullan No hay recuerdos, la ensoñación del pasado está nublada y parece sólo importar para determinar el nombre de la peli, Tyrannosaur
El verdadero maestro del thriller y el suspenso vivo, en el mundo, se llama Roman Polanski. Mientras algunos autores se han volcado infructuosamente a este género tal vez por la renovación, la reinvención o la experimentación, Polanski ha hecho de este género su sello y su forma de hacer cine. En algunos casos hay humor (negro y mordaz), en otros hay un poco de romance pero siempre los violines, las violas y los chelos nos llevan a una intriga profunda que termina desencadenando un final inesperado. Me encanta el cine Polanski. Me encantan sus pelis viejas como sus nuevas. Muchas de ellas me tocaron en video pero el autor sigue haciendo cine y por lo mismo he sido afortunado de verlo en salas.
Su último trabajo, The Ghost Writer, ganó Oso de Plata como mejor director y estuvo nominado a Oso de Oro en La Berlinale del año pasado, estuvo nominado a los César, arrasó en los European, ganó además Londres, Los Angeles, entre otros. Carnage no es la diferencia, es un drama inquietante de dos parejas de casados, cuatro personajes atrapados en los rituales de etiqueta de una reunión social que alentados por la charla, los prejuicios y el exceso de alcohol desatan sus sentimientos sin control.
La peli ya empezó a recolectar premios y reconocimientos en la reciente muestra de la Biennale de este año fue nominado al León de Oro y ya ganó El pequeño León de Oro. El reparto es impresionante (tres ganadores del Oscar y un nominado) seguramente no pasará desapercibido. Las buenas noticias es que se espera su llegada a salas colombianas en diciembre de este año.
Jodie Foster (Penelope Longstreet) Kate Winslet (Nancy Cowan) Christoph Waltz (Alan Cowan) John C. Reilly (Michael Longstreet)
Alejándose un poco de su perfil terrorista pero tampoco olvidándolo del todo, Carlos es la biopic de Ilich Ramírez Sánchez más conocido como Carlos “El Chacal” Martínez Torres. En 1994 es arrestado por células de contraespionaje francés y Estados Unidos desarrolla una peli llamada The Jackal dirigida por Michael Caton-Jones en 1997 donde se caricaturiza completamente la imagen de este personaje y se aparta tanto que casi no tiene relevancia. “El Chacal” es personificado por Bruce Willis, perseguido y atrapado por Richard Gere. ¿Qué podría ser más patético, “El Chacal” siendo atrapado por Gere o este tratando de imitar desafortunadamente el acento de un norirlandés ex-elemento del IRA?
Olivier Assayas retrata a este personaje en Carlos de una manera bastante diferente al imaginario que tenemos. Ni era tan heroico, ni era tan peligroso y mercenario como lo pintan ambas partes. Carlos es un abanderado de la extrema izquierda latinoamericana que se lanza a entrenamiento y combate subversivo por la meta política afiliada a la liberación de Palestina y uno de sus frentes el FPLP. Por su entusiasmo, su gusto por las grandes operaciones y la huída de París asesinando a un par de agentes franceses, hiriendo a uno más y ajusticiando a un supuesto libanés que lo estaba delatando se volvió una celebridad. Assayas describe en esta serie de TV (adaptada al formato de cine en nuestras salas) como “El Chacal” se fue llenando de soberbia y su extraña popularidad lo fue cegando. Fue un ídolo que emplazó la imagen del reciente fallecido Ernesto Guevara a finales de los 60’s y fue uno de los hombres más buscados en los 80’s cuando la persecución al comunismo se hizo más virulenta; en el momento que se desploma mundialmente esta ideología con la Perestroika y la caída del Muro de Berlín, no hubo nadie que pudiera protegerlo, lo cual facilitó su posterior aprisionamiento.
El formato no termina de gustarme, no es un programa de TV, no es una peli. Yo sabía que era una serie de Sundance Channel pero la adecuación en salas es afortunada para los que pudimos aprovecharla, sin embargo entiendo perfectamente la gente que se paró y se fue, los reto a que se vean tres capítulos, de una hora cada uno, de la serie que más desean True Blood, Big Love, Breaking Bad, House M.D., Game of Thrones y entenderán a lo que se enfrentan además si es medio histórica estos capítulos pueden ser como The Tudors, The Pacific o Treme esas tres horas pueden ser tortuosas, siendo sinceros yo no las sentí. Imaginé como terminaba cada capítulo y pude lograr el ritmo televisivo, lo cual me ayudó a sostenerme casi sin parpadear toda la peli.
En los European ganó mejor montaje (Marion Monnier, Luc Barnier), en los Globo mejor mini serie para TV, en Los Angeles mejor director y mejor peli, en el Círculo de Críticos de Nueva York mejor peli extranjera, en San Pablo mejor peli pero definitivamente sus credenciales más importantes se las lleva sin duda Édgar Ramírez quien ganó Londres, Los Angeles, Montecarlo, Online Film Critics y el Gremio de Actores de Hollywood (además codo a codo peleó con Al Pacino, Ian McShane e Idris Elba en los Globo como mejor actor en una mini serie para TV). Su actuación y su transformación es lo que paga la boleta y el hecho que esta serie no la van a pasar en ningún canal de nuestra TV, en su formato original.
Aún quedan un par de salas donde la están presentando para los que estén interesados.
Derek Cianfrance es un director independiente documentalista con tan sólo dos largos en su haber, Brother Tied su ópera prima que le dió tres reconocimientos en festivales de bajo perfil y Blue Valentine que obtuvo dieciseís nominaciones incluídas un Oscar a mejor actriz para Michelle Williams, dos Globo repitiendo Williams con Ryan Gosling, Sundance, Chicago, Londres, Spirits, entre otros.
Seamos sinceros, la peli raya un poco entre el melodrama y lo emo de una pareja común y corriente que viven una crisis después de un periodo relativamente corto de casados pero es muy bonita y está muy bien contada. Uno de los grandes atributos por lo mismo es que es una historia sencilla muy creíble gracias al excelente trabajo de los dos actores protagonistas y el impresionante trabajo de maquillaje. El paso de los años es increíble tanto en Gosling y Williams como en John Doman que interpreta al padre del personaje de Williams. Siento que el único descache hubiera podido estar en que Gosling se excedió un poco en lágrimas de cocodrilo que más que un error del actor me pareció falta (o exceso) de dirección por parte de Cianfrance.
Una escena que nos repetían y nos repetían en los cortos era la escena de la calle en Nueva York, cuando Gosling le dedica una canción a Williams tocando un ukulele, esta baila un «tapcito» y estalla en aplausos al dejarse llevar por la canción y la letra; cuando llega esta escena, el espectador también estalla en sonrisas y se deja conmover por la gracia del actor. A mi particularmente me hizo pensar en sus calidades musicales y descubrí que tiene un grupo llamado Dead Man’s Bones con un álbum sellado y otro en producción para lanzarse este año, además es productor ejecutivo de esta peli. Bien por este canadiense que explora el lado independiente de Hollywood con bastante solvencia. El resto de la música original es compuesta por Grizzly Bear un grupo oriundo de Brooklyn que le añade esa característica particular a la peli de estar en Nueva York en una eterna primavera.
Blue Valentine mantiene un equipo de producción bien amplio que va desde las personas que produjeron recientemente Terri hasta sus dos protagonistas. La historia no está mal y me encantó los vacíos que deja en algunas partes importantes que son irrelevantes en el centro de la trama pero que uno está acostumbrado con Hollywood a que se lo cuenten al detalle, por lo mismo, me encanta el final. La fotografía fue manejada con tonos melancólicos y con una perspicacia indudable de Andrij Parekh y hace muy llevadera toda la historia.
La peli deja en mi una inquietud grande en los siguientes proyectos de Gosling más que en los del director pero igual vale la pena verla en salas.
¿Se acuerdan de Nicolas Winding Refn? Recientemente acaba de ganar mejor director por Driven en Cannes. El escritor director danés además ha hecho varias pelis que le han dado un puesto de reconocimiento en el mundo del cine, como por ejemplo Valhalla Rising (que si no estoy mal la trajeron a cartelera), Pusher, Bleeder y Bronson. Esta última le confirió una nominación en Sundance por mejor drama del mundo y en Sydney ganó mejor película en la competición oficial.
Estuve buscando mucho tiempo esta peli de 2008, no por su director o su tema, sino por la actuación de Tom Hardy (RocknRolla, Inception) y nunca aparecía en las fuentes que tengo a mi alcance, hasta que me topé con la más interesante de todas. Bronson fue mi primera experiencia con Netflix y fue realmente emocionante. Un portal con muchas, muchísimas pelis al alcance de un clic o la espera de un DVD que llega físicamente por correo por una realmente módica suma mensual que contempla, alcance a todas las pelis en Instant View o si no se encuentra en esa lista en un estado Queue que permite esperar por ella un par de días.
Bronson es una biopic de Michael Peterson, un prisionero británico que ganó su fama por ser «el prisionero más peligroso del Reino Unido», título que fue aportado por la prensa británica no sólo por el hecho de ser un prisionero problema sino además porque su conducta lo mantenía confinado en establecimientos carcelarios demasiado costosos y La Corona tomó la decisión de acondonarle su pena; sin embargo fue capturado de nuevo. La peli es divertida, no tiene demasiada trascendencia pero la actuación de Hardy definitivamente es muy buena y le valió nominación en Londres por su desempeño. Comparada con Hunger que si es una verdadera crítica al sistema carcelario británico, Bronson es una farsa, muy coqueta y que tiene unas tomas muy bien logradas y unos juegos de luz en su fotografía muy interesantes todo responsabilidad de Larry Smith, veterano director de fotografía que incluso trabajó con Kubrick en Eyes Wide Shut.
El realizador Nicolas Winding Refn igual no decepciona en lo absoluto y nos deja muy pendientes después de esta peli y Valhalla Rising con su nuevo trabajo Drive que ojalá traigan a cartelera.
El viernes pasado se lanzó el corto avance mundial de Saluda al diablo de mi partede los hermanos Orozco, como ellos dicen una de las pelis colombianas más esperadas. Y es que la peli empieza a tomar un revuelo impresionante no sólo por la buena calidad de su ópera prima, Al final del espectro (2006), por lo increíble que es este corto sino además por tener vinculado al proyecto a Édgar Ramírez, actor que recientemente fue nominado por su actuación en los Globo de Oro, Lóndres, los Online Film Critics Society y el gremio de actores por Carlos.
Ya conocíamos el reparto desde la anterior entrada, entonces ésta además de querer mostrar el corto, aprovecho para mostrarles una entrevista que tuve recientemente con Esteban Orozco, escritor de la pieza.
Que los disfruten.
Miguel Vaca: Para la gente que no los conoce, ustedes participaron en la realización de Al Final del Espectro ¿cómo fue esa participación? ¿Tengo entendido que actuaban cómo colectivo? Esteban Orozco: La producción de Al Final del Espectro se llevó acabo por un conjunto de personas donde había economistas, diseñadores, ingenieros, administradores abogados, estos perfiles se enfocaron en prácticamente las cabezas de los equipos de la producción, de ahi salió Paloalto Films.
MV: ¿Qué ha pasado con todos ellos, por Chapinero ve uno a Lucho (Luis Otero Prada) pero hace rato no me hablo con él? EO: Luis Otero trabajó en una película en Venezuela hace poco que se llama La Hora Cero, que en este momento es la película venezolana más taquillera de los últimos tiempos; Sara Millán está trabajando ahora en un par de películas que se van a rodar en Barranquilla; otros se dedicaron a montar empresas audiovisuales, algunos se retiraron del medio. muchos de ellos volvieron a trabajar con nosotros en Saluda al Diablo.
MV: ¿Qué es Sanantero Films? ¿Quiénes lo componen? EO: Sanantero Films es una productora compuesta por Juan Felipe Orozco, Carlos Esteban Orozco y Alejandro Ángel, el primer proyecto es Saluda al Diablo de mi Parte, pero ya estamos trabajando en nuevos proyectos de los que esperamos contarles más adelante.
MV: ¿Cuál es el balance de hacer una peli de suspenso y/o terror en Colombia y por qué se lanzaron a ese proyecto tan extraño para nuestra cartelera de cine? EO: El balance fue muy bueno, precisamente por ser un formato distinto impulsó a que mucha gente se metiera en proyectos más arriesgados, en este momento se están preparando varias películas de terror para salir en cartelera, entre ella El Páramo que sale este año.
MV: ¿Páramo? ¿Qué es El Páramo? ¿Si se puede saber, cuéntenos un poquito de eso? EO: El paramo es una película de terror Colombiana producida por Rayuela, este es el trailer (clic aquí) Hace un par de meses cerraron para hacer la versión en inglés, y esperamos se estrene la version original este año en Colombia. En este momento están trabajando en un nuevo trailer.
MV: ¿Que hay de cierto en At the end of Spectra? EO: Mucho, pronto les daremos una noticia que seguro causará algo de revuelo, pero esperamos que se pueda comenzar a producir este mismo año.
MV: Usted es escritor y músico, en esa primera peli usted colaboró como escritor y como realizador de la banda sonora, sin embargo vemos que se ha ido especializando en hacer sus propios guiones y el tema de la música ha pasado a un segundo plano, corríjame si estoy equivocado pero ¿no le hace falta este proceso creativo? EO: Bastante, hace más de un año tengo mi sintetizador apagado y eso me tiene un poco aburrido, pero decidí enfocarme en una sóla tarea y dejarle esa área a las personas que realmente tienen experiencia, para explorar mis necesidades musicales, tengo dos proyectos: Radio Kills Marie (http://www.myspace.com/rkmband) y Manray (http://www.myspace.com/manrayband)
MV: Gracias a esta entrevista escuché Radio Kills Marie, Manray y sentí como ese ambientalismo de las pelis setenteras, muy divertido no debería abandonar completamente el sinte en las pelis 😉 EO: La verdad me gusta bastante experimentar con música, el último trabajo que hice fue la música del trailer de La Sangre y la Lluvia pero el proceso de componer la música en todo un largometraje es bastante desgastante, sobre todo si uno no posee los conocimientos básicos de música, y yo lo que he aprendido lo he aprendido chachareando. Al Final del Espectro por ser una película de terror, permitió mucha experimentación con ruido y atmósferas, pero otro tipo de películas requieren una dinámica para la que de verdad no me siento preparado y honestamente no me siento con la motivación suficiente para dedicarle tanto trabajo en este momento, por ahora prefiero quedarme con la escritura y mis proyectos independientes de música.
MV: Recientemente, nos hemos venido contactando a través de Twitter y mucho más esporádicamente por Flickr, a través de esos medios me enteré que estuvo en Nueva York, ¿haciendo qué? EO: Nada importante la verdad, sólo de paseo, aunque terminé escribiendo allá un telemovie que salió en RCN llamado Una Anomalía Perfecta.
MV: Nueva York es más que una ciudad, una experiencia, un ser vivo que lo llama y lo alienta a entremezclarse con todo ese salpicón de culturas y cosas divertidas que suceden allá, ¿cómo afectó eso su vida y su acto de escribir? EO: Mucho, ciudades como Nueva York son increíblemente inspiradoras, sobre todo por el estado de asombro con el que uno convive casi todo el tiempo que está alla.
MV: Finalmente, la intención de esta entrevista era saber de su nuevo proyecto, ¿qué es Saluda al Diablo de mi Parte? EO: Es una película que comenzamos hace unos 3 años, que cuenta la historia de Ángel, un desmovilizado que se ve obligado a hacer parte de un proceso de venganza. Una película un poco brusca pero que garantizo no los dejará mover de la silla.
MV: Leí hace poco que terminaron el draft de la peli y había escuchado que algunos directores colombianos primero lanzan sus pelis en muchos festivales independientes buscando reconocimientos y así poder entrar al mercado colombiano de una forma más sólida, ¿cuándo podríamos estar viendo esta peli en nuestras carteleras? EO: Ya está filmada y se lanzará en Colombia el 12 de Agosto.
MV: ¿Quién es Jermaine Stegall y cómo llegó al proyecto? EO: Es un músico norteamericano, Juan Felipe lo conoció a través de internet, y una vez estábamos buscando compositor le ofrecimos la posibilidad y aceptó sin dudarlo.
MV: Edgar Ramírez es toda una figura en Hollywood, ¿cómo lograron vincularlo al proyecto? EO: En un viaje que tuvo a Colombia promocionando Vantage point, él había escuchado de nosotros y nos quiso conocer, en ese momento no teníamos protagonista ya que Marlon no iba a poder hacer parte de la película, así que le ofrecimos el papel, fue inmediato, comenzábamos el rodaje en menos de un mes.
MV: Salirse del esquema de pelis que se han venido haciendo en Colombia es todo un reto, ¿cómo responde el público colombiano a esos retos? EO: Muy positivamente, el público colombiano no quiere sentir que el cine colombiano es un sólo género. Está sediento de otro cine.
MV: Qué más proyectos están en el tintero? EO: En este momento estamos escribiendo una nueva película de Ciencia Ficción, esperamos pronto poder contarles más.
MV: En el blog, he considerado que los realizadores que son a la vez escritores obtienen, no necesariamente un producto mejor, pero definitivamente más consistente, hablo de Von Trier, Tarantino, Nolan, Jarmusch, ¿cómo explica este fenómeno de escritores-directores? EO: Normalmente, es gente que tiene muy claro el universo en el que se desarrolla su historia, y que aprovechan eso para potenciar ese poder en la imagen, eso sólo funciona cuando son realmente autores y se mueven cómodamente en sus universos.
MV: Quiénes han influenciado su escritura últimamente? EO: Eric Roth
MV: Un libro que esté leyendo? EO: Los detectives salvajes de Bolaño.
MV: Un disco? EO: This is happening de LCD Soundsystem
MV: Qué tiene ganas de ver en cine? EO: Cualquier cosa que saque Paul Thomas Anderson
MV: En serio muchas gracias, de paso, felicitaciones por ese último corto. Impresionante. Gracias por hacer cine colombiano diferente, la mejor de las suertes. Saludos a Pipe. EO: Gracias parce!!
Cerrando el festival de Eurocine este año me fuí a ver Hunger, primera peli de Steve McQueen sobre la posición de Bobby Sands, un soldado del IRA (siglas de su nombre en inglés, Ejercito Republicano Irlandés) interpretado fastuosamente por Michael Fassbender.
Más que mostrar la muerte de esta persona gracias a la poca atención que tuvo sobre su huelga de hambre, la peli creo que evidencia lo rudo que es el régimen británico, lo áspero del mandato de la Thatcher y la humanidad involucrada en las dos partes de la cárcel. Por un lado obviamente los huelguistas que querían hacer valer sus derechos y tratar de lograr su estatus político. Sin embargo, McQueen, británico, lejos de proveernos una versión mamerta de la situación en el encierro de Sands, también nos muestra lo duro y la reflexión de algunas facciones de la fuerza policiaca que debían tratar con fuerza a los reos por ejemplo cuando no se dejaban peluquear. Lo inquietante es que su crítica no trata de aprobar los hechos cometidos por el Ejercito ni sus violentas retaliaciones y así como denuncia las brutales golpizas y el maltrato indigno hacia los reclusos también refleja las consecuencias en la psique de estos cuidadores.
Por lado y lado la cinta es muy conmovedora. El clímax es un diálogo entre Bobby Sands y un cura amigo que reniega de la iglesia, de los negocios, de la corrupción y de su vocación. La conversación está cargada de puyas al sistema político, al régimen británico, a la iglesia, a la revolución, a la motivación de las huelgas de hambre, a los extremos, al suicidio y al homicidio. De verdad un momento de astucia del realizador para expulsar toda la ponzoña que tenía guardada, con gracia y a la vez con bilis, sin cortes, una cámara grabando desde un sólo punto toda la conversación y el peso de las líneas de estos dos personajes. El relato se redondea con una imagen campestre relatada por Fassbender mientras consume su tercer cigarrillo.
Impresionante.
La peli gana premios muy importantes en BAFTA’s, Chicago, British Independent, Londres, Nueva York, Sydney, Montreal, Estocolmo, European, Irish Awards, Toronto generalmente destacando la labor de Fassbender y de McQueen que a la postre también se llevó Golden Camera en Cannes y Gucci en La Biennale posicionándolo de un sólo golpe como un director importantísimo en el medio. La peli ojalá la traigan a cartelera comercial, siendo ayer su última aparición en el Festival que ya termina.
El pasado jueves 28 de abril se dió comienzo a una de las muestras de cine más importante en Bogotá y Colombia, Eurocine. Particularmente, le he ido tomando distancia sobretodo cuando he entendido que esta muestra no necesariamente es la más independiente, la más interesante o la que verdaderamente muestra cine novedoso y actual. Desde esta perspectiva es mucha más interesante el Festival 4+1 que unió a Baires, Bogotá, San Pablo, Ciudad de México y Madrid en una muestra impresionante de tan sólo cuatro días.
Este año revisaba apaticamente la programación y me encantó sorprenderme con el repertorio. Desde hacía mucho tiempo no había visto una cartelera tan variada y expquisita. Espero poder acercarme un poco más a la muestra e invitarlos a que asistan que se ve en serio muy interesante.
Tradicionalmente, la muestra itinerante se turna las salas de la Cinemateca Distrital, la Sala Fundadores de la Universidad Central, Cinema Avenida Chile, Teatro Skandia y el Cinema Paraíso pero este año se vincula la sala del Multiplex Babilla de Cine Chía.
Cuando se revisa la programación de uno u otro festival generalmente queda uno muy loco con tantas novedades (lo digo porque me pasa mucho con el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá o el mismo Festival de Cine de Bogotá) y termina uno aferrándose a su suerte para después con un par de tragos discernir con los amigos compartiéndo experiencias y frustraciones. Siempre he querido que a estos eventos alguien se arriesgue a decir cuál es «la joya de la reina», la imperdible. Voy a arriesgarme a decirles lo que voy a ver, porqué y así trato de cumplir con ese deber.
Hunger es definitivamente la peli que toca ir a ver. Del reconocido y británico director Steve McQueen nos llega esta peli abrumadora sobre un huelguista de hambre en pleno conflicto irlandés. No sólo se arrasó McQueen en BAFTA’s, British Independent, European, Nueva York, Londres, Toronto, Venecia, Chicago y Cannes como mejor director, la actuación de Michael Fassbender es sobrecogedora y también fue súper reconocida.
Al lado de Hunger vale la pena destacar, Siete mesas de billar francés de Gracia Querejeta, Prezít svuj zivot de Jan Svankmajer y Nothing Personal de Urszula Antoniak sin embargo hay muchas más pelis interesantes y la muestra además nos trae como invitado de honor a Polonia, lo que hace la tarea esta semana aún más rigurosa.
Si quieren ver la programación completa de Eurocine 2011, pueden hacer clic aquí.
En la superficie Un prophète de Jacques Audiard es una peli de gangsters que trata sobre un joven de 19 años que es ingresado a prisión por haber atacado a unos policias, es primero recluído en un reformatorio para menores pero cumplida su mayoría de edad el estado lo translada a una prisión para cumplir su condena como un adulto. Lo que parece ser una condena justa para un árabe, seis años en prisión por desacato a la autoridad, se convierte en la escuela de su profesionalidad como delincuente. Así, si necesita escribir o leer, la cárcel le ofrece alfabetización, si necesita comunicarse con sus compinches corsos, la prisión le enseña la lengua y si necesita estrategia… Bueno, hay que verse la peli para ver qué le ofrece la reclusión a este joven árabe que termina su carrera con todos los honores.
La crítica compara esta peli con Goodfellas de Scorsese lo que me parece demasiado pretencioso. Goodfellas es una pieza de arte que aborda los intrincados caminos de un delincuente, sí a través de sus conexiones y su fidelidad con sus amigos pero es más profunda en la introspección de la cultura italo-americana. Se aprende desde la jerga del mafioso, su modus operandi, hasta como cocinar un buen par de platos de la cocina italiana. Tal vez si tengo algo que reclamar de Un prophète es precisamente el hecho que se centró en la carrera criminal y dejó aparte la descripción folclórica de este joven muchacho entre un fuego cruzado de dos culturas. La peli se hace grande en la descripción de la segregación y el crisol racista que es Francia actualmente, una crítica muy dura a un sistema que toma a un joven y lo vuelve una ficha de un juego que no comprende pero que la misma reclusión le enseña a cabalidad.
Ganó Chicago, Austin, Los Angeles, BAFTA’s, Cannes, European, Londres (Círculo de Críticos y el Festival de Cine), los British Independent, arrasó en los César (Meilleur acteur, Meilleure photographie, Meilleur réalisateur, Meilleur montage, Meilleur film, Meilleurs décors, Meilleur acteur dans un second rôle, Meilleur scénario original, Meilleur espoir masculin) y finalmente tan sólo logró nominación en los Globo y los Oscar: Increíble pero cierto. Qué se podría agregar al respecto, mientras Un prophète tiene lo que se necesita a nivel de producción para ganarse un Oscar, esa noche compitió con El Secreto de Sus Ojos (Argentina), Ajami (Alemania/Israel), Das weisse Band (Alemania), La Teta Asustada (Perú) donde finalmente ganó la argentina con una historia más bonita, más romántica, más dulce. El racismo no es un tema fácil en La Academia y generalmente se destaca con recelo.
Recientemente la peli la vienen rotando por Cinemax, bien recomendada para ver la excelente y destacada actuación de su protagonista Tahar Rahim y de su compañero de reparto Niels Arestrup así como la fábula de este muchacho contada a través de sus amigos que capitulan su estadía en la prisión.
Han pasado 18 años desde que Harold Ramis nos sorprendió con esta maravillosa obra. Para mi una de las mejores historias jamás contada en cine. Una hitoria de Danny Rubin que tiene todas las características de la perfección y que encajan perfectamente con el estilo de este blog. Es una historia sencilla nada complicada, que plantea el nudo dramático perfectamente en el momento indicado y desencadena el giro sin apresurarse con un final impredecible y encantador. Además la peli hace partícipe al director-escritor (otra característica de la cual somos fanáticos) pero es tan compleja que no puede ser clasificada en un sólo golpe de voz, hay que revisarla una y otra vez para reconocer que es una comedia, un drama, un thriller de suspenso, una peli para chicas (o «chick-flick» que llaman), una peli existencialista o una perfecta cita para un sábado en la mañana.
La peli se puede analizar desde muchos puntos de vista, siendo el más débil la actuación de Andie MacDowell que sin embargo en su papel de toda la vida logra un desempeño aceptable. De resto todo es magnífico. Impresionante Bill Murray que su personaje repite una y otra vez un día como si fuera una maldición, hace partícipe al espectador que es consciente de esta situación y vive con él la extrañeza, la ansiedad, la rabia, el desespero, la negación de esta terrible condena. Murray logra desenvolverse muy bien y desarrollar su papel al máximo; si, también es Murray haciendo de Murray, lo sabemos, lo hemos dicho muchas veces en pelis como Zombieland o Broken Flowers donde a pesar de ser ese personaje vanidoso y egocéntrico logra esa calidad de frescura y empatía en la pantalla difícil de igualar por otro actor.
Pero quisiera hablar más allá de los elementos súper destacados de la producción y la dirección de la peli, como la edición musical (George Fenton), la cinematografía (John Bailey) que nos permite entender la extensa filmación como la eternidad en un mismo día o el mismo montaje (Pembroke J. Herring) que por lo mismo después de colectar muchas escenas, muchas tomas, como dice Jarmusch, lograron darle una continuidad asombrosa a la historia. Todo esto llevo a esta pieza a una posición importante en la historia del cine y obtuvo reconocimientos importantes incluído mejor guión en los BAFTA’s. Sin embargo estoy fascinado por la historia, una narración casi mítica sin un porqué o una justificación, no hay tampoco una respuesta correcta y sin embargo es un héroe atrapado en una maldición temporal por el resto de su inagotable existencia. Tiene connotaciones dramáticas griegas, es una obra clásica.
Recientemente leía un artículo de cuánto tiempo realmente ha vivido Bill Murray en Punxsutawney. La peli me la he visto unas dos o tres veces completas y las primeras veces entendí el paso de unos cuantos meses por las pistas que da el personaje para adquirir y desenvolverse de la forma en que lo hace en cada toma; cada vez que Murray y su naturalidad abordan un tema, por ejemplo ser diestro en el arte de botar cartas irrebatiblemente pueden pasar dos o tres meses, esculpir hielo un par de años o aprender poesía otros tantos más. Si la pregunta es cuántos días pasa Murray realmente ni siquiera Ramis con su respuesta de «…8 años, 8 meses y 16 días» es ligeramente acertado. Digamos que palpablemente el espectador observa 38 días que transcurren frente a sus ojos, asumiendo que cada día aprendió algo o hizo algo destacable y si tomamos los días que enumera sus múltiples intentos de suicidio, el tiempo que pasó jugando cartas, los días de ocio y desesperación digamos que por encimita ya llevamos setecientos cincuenta y pico días transcurridos.
Cuando uno verdaderamente siente que hay tiempo pasando por detrás de nuestros ojos suceden cuatro hechos indiscutibles, Murray recita poesía, habla fluídamente francés, se hace maestro en esculturas de hielo y maestro en el piano. Guiado en un artículo de Simon Gallagher del blog Obsessed with Film celebrando el 2 de febrero traté de hacer mi cuenta mirando la peli (el ejercicio es realmente divertido si lo quieren llevar a cabo), palabras más palabras menos, refutando unas cosas y aceptando otras, logré una cifra redonda de casi doce mil novecientos días, algo más cercano a 35 años y tres meses. Una locura de carácter esquizofrénico que me puso a pensar en otras hipótesis. Por ejemplo, asumiendo que la MacDowell interpreta a una frígida y delicada mujer, ingenua princesa que brinda por la paz mundial cada vez que puede, ¿Phil Connors simplemente no se volvió loco al intentar seducir a una mujer de ese perfil? ¿Estas princesitas no tienen un complejo más serio, como el de Electra donde no son capaces de relacionarse con alguien de su edad, digamos unos 38 años sino abuelos de 70, 75 o 78 años (si le sumamos la verdadera edad intelectual de Phil, el día que la conquistó)?
En fin, la peli es exquisita y deja mucho que pensar y Ramis, puede ser cercano a un genio ¿no?
La Vacación 