Inside Llewyn Davis

Una veintena de piezas cinematográficas nos han traído Los Hermanos Coen (sin incluir sus segmentos en Paris, je t’aime y Chacun son cinéma); casi que inexorablemente, todos los años son protagonistas tanto en los Globo de Oro, como en los BAFTA’s y los Oscar, llegando así a la ridícula cifra de 89 nominaciones (20 + 36 + 33, respectivamente) y 15 galardones (3 + 6 + 6, respectivamente). El año pasado, estrenaron Inside Llewyn Davis -que está en este momento en salas- y curiosamente ha sido blanqueada sistemáticamente de las principales posiciones de estas ceremonias, cosa que llama mucho la atención.

Llewyn Davis es un autor e intérprete de «folk» que ha luchado demasiado en su vida para lograr tener éxito pero sus intentos han resultado fallidos, en parte a que el segmento musical escogido no es el más lucrativo y también porque su actitud frente a la vida, los problemas y sus sueños no han sido manejados con cabeza fría. Davis es personalizado por Oscar Isaac quien de nuevo se encuentra con Carey Mulligan (Jean) -su coestrella en Drive-; ambos establecen una trama de un triángulo amoroso que completa Justin Timberlake (Jim) como esposo de Jean (Mulligan); cayendo de casa en casa, de sofá en sofá, la vida de Davis parece un fracaso constante, agobiante por las múltiples complicaciones que le pasan y con el pensamiento de renunciar a su carrera rondando todos los días en su cabeza.

Desde que se anunciaron los cortos de la cinta, tuve un gran tedio de verla; por un lado, me daba un cierto disgusto que este par de hermanos siempre hicieran las cosas bien y calladamente quería que fallaran; lo segundo es que la música folk tampoco ha sido nunca una de mis favoritas, y respetando la importancia de las figuras de su género, sus angustiosas melodías y afligidos cantautores me generaban profunda animadversión. No obstante, apenas vi los Globo de Oro y las nominaciones de los Oscar quise entender el repudio general de todo Hollywood sobre la cinta (reforzado por su ausencia en el gremio de directores, productores, actores y escritores).

Personalmente, detesto los musicales, Inside Llewyn Davis es uno de ellos y no es muy diferente a Nine, Chicago, Les Misérables o Mamma Mia!; brutal pero cada dos escenas Isaac saca su guitarra y toca una canción, hasta Disney había superado el tema en sus largos animados. Ahora el desempeño de Isaac es avasallador y si el año pasado Hugh Jackman y Anne Hathaway, con actuaciones más deslucidas, lograron nominaciones y estatuillas es increíble que este año no haya sido nombrado; la fotografía es densa, sepiada, muy triste y Bruno Delbonnel ha sido reconocido por su intachable trabajo en las cámaras, sus encuadres y la luz; tanto Oscar Isaac -exestudiante Juilliard– y Timberlake aportan unas sendas interpretaciones de las canciones que más allá de una buena mezcla de sonido –segunda nominación– merecían reconocimiento en banda sonora original; finalmente, John Goodman, F. Murray Abraham, Garrett Hedlund sumados a Adam Driver, Alex Karpovsky, Max Casella, Robin Bartlett, Ethan Phillips redondean un universo de personajes increíbles, como siempre, muy bien recreados por el guión de estos hermanos y por su propia dirección.

La disculpa puede ser justa y perfecta para este año en particular; la competencia está muy alta y se nota en las figuras versus sus desempeños en cada categoría; no creo que haya llegado un punto chato en la carrera de Los Hermanos Coen, su promedio esta vez no alcanzó -como si en ocasiones anteriores como por ejemplo con True Grit– y por el contrario,
así no me haya gustado completamente esta Inside Llewyn Davis, reconozco que es un intento por hacer algo diferente y su manera de escribir es genial; por eso me caen también los Spirit que lograron darle tres nominaciones precisamente en actuación principal, cinematografía y mejor peli del año. El desenlace de esta historia es fascinante, maravilloso y paga perfectamente la tortura de su musical.

360

A veces es muy complicado seguirle la pista a todos los directores que a uno le parecen interesantes. Por diversas razones, se van quedando en un momento de la vida, de pronto con una peli en particular y no volvemos a escuchar de ellos. Fernando Meirelles es el caso más reciente que puedo nombrar. A pesar de haber entrado a la industria independiente del Reino Unido su proceso no es muy nombrado en titulares obviamente porque su perfil es bajo por el mismo carácter alternativo que produce así sus repartos sean de primera línea. Pero la verdad es que tampoco es un realizador que esté buscando figurar y sus proyectos son escogidos con pinzas. El cierre de su ópera prima fue precisamente con la peli que nos ayudó a conocerlo internacionalmente, Cidade de Deus; un baldado de frescura, originalidad y una narración súper destacable que lo hubiera podido catapultar poderosamente en Hollywood pero que con calma decidió otra opción menos alienante. Vino The Constant Gardener, con Rachel Weisz, Ralph Fiennes y Danny Huston, y era definitivamente un salto diametralmente opuesto en una lucha del director en la industria británica tratando de ser independiente con una historia bastante contestaria y que a la postre lo dejó con tres nominaciones al Oscar y a la Weisz con su primera estatuilla dorada como mejor actriz. Su última peli Blindness fue un gran homenaje post mortem al escritor de habla portuguesa José Saramago y a su novela Ensayo sobre la ceguera con un reparto más «hollywoodense», de la cual podría decir que fue no fue tan inesperada pero es que el autor y esa novela en particular me encantaban por lo que apenas supe de su producción estuve muy pendiente.

Hace una semana estrenaron 360, no reconocí el afiche donde figuraban Anthony Hopkins, Rachel Weisz y Jude Law. Tenía una pinta de historia sensiblera y aburrida pero menos mal me atreví a ver el corto-avance. No sólo me interesó la trama sino que al final el crédito del director apareció y dije no me la puedo perder. Este fin de semana muy juicioso me dispuse a verla y no falla, es otra vez una gran peli.

Una historia que es tan amplia -como su nombre lo indica- como el espectro en un rango de 360 grados, no tiene protagonistas claros, así el afiche en su función mercantilista nos muestre sólo a las grandes estrellas. Hopkins, Weisz y Law sólo son tan importantes como Lucia Siposová, Gabriela Marcinkova, Johannes Krisch, Moritz Bleibtreu, Jamel Debbouze, Dinara Drukarova, Vladimir Vdovichenkov, Maria Flor o Ben Foster -por eso de alguna forma, escogí este afiche donde ya no son tan claras las caras de los actores reconocidos-. Cada historia es fundamental y es excitante como cada una de ellas, primero se va dispersando pero luego va encajando perfectamente en un vasto rompecabezas que hace poco probable predecir el final de la(s) historia(s). La gran capacidad de Meirelles se define en tres grandes potencias; la primera, es que es un gran contador de historias, nos narra por lo menos diez relatos y estamos fascinados con cada uno de ellos; segundo, su gran dirección de actores, tanto las estrellas como el resto del reparto aporto frecura, experiencia, drama, elocuencia, originalidad y sobre todo visceralidad, nadie se sobrepasó, nadie se sintió repetido, nadie se sintió cojo en su desempeño, un gran despliegue de actuación que al final sólo hacen muy consistente la pieza; finalmente, Meirelles es un gran arquitecto. Muy parecido a Paris je t’aime o New York, I Love You, 360 es un mosaico de historias y personajes que definen una sensación de proximidad entre los seres humanos y como en nuestros caminos a veces se nos presentan bifurcaciones o desvíos que definen un nuevo destino. La gran diferencia con estas dos piezas (Paris je t’aime, New York, I Love You), es que no es un pelotón de directores los responsables detrás de la peli, es Meirelles solito, concentrado, enfocado y muy riguroso en su narración. Si además de eso se le suma un gran sentido de musicalidad, una cinematografía llena de tomas audaces a cargo de Adriano Goldman y un montaje impecable a cargo de su gran aliado Daniel Rezende, 360 es una peli imperdible.

En la contemporaneidad del cine independiente, se ha vuelto costumbre, o mejor, tema de mucho interés las historias corales. Digamos que es una forma del posmodernismo que tuvo sus orígenes en la literatura pero ha encontrado un nicho importante en la industria del cine. Su exponente más sonoro es Alejandro González Iñárritu (Amores perros, 21 grams, Biutiful) pero también Guillermo Arriaga (The Burning Plain), Rodrigo García Barcha (Mother and Child), Carlos Sorín (Historias mínimas), Denis Villeneuve (Incendies), el mismísimo Steven Soderbergh con Contagion y muchos más que se me escapan en esta larga lista de piezas pertenecientes al género. En la universidad la pieza que expresaba de mejor forma el posmodernismo era In weiter Ferne, so nah! (¡Tan lejos, tan cerca!) de Wim Wenders también con un estilo coral y con una mezcla natural de léxicos que la hacían, sí babilónica, pero también universal. Para mi 360 es un gran ejemplo de posmodernidad muy bien elaborada y sin el plasticismo iconoclasta en el que autores como González Iñárritu han caído sin mayores reparos.

69th Annual Golden Globe Awards

por Diego Taborda

Hoy (anoche) fue una noche de grandes sorpresas y grandes alegrías. Pudiera no estar hablando de la sexagésima novena ceremonia de los Globo de Oro pero sí, lo estoy haciendo. Una noche donde Ricky Gervais se muestra jactancioso de haber salido ileso de su presentación del año pasado y que entre más escandaloso fuera su presentación esta noche seguramente podría presentarlos también el próximo año. No se podía quedar callado e hizo pública la carta de recomendación de los productores del espectáculo y le sacó partido al máximo. Los comentarios parecían añejándose con el paso del tiempo, se fue desatando al calor del licor que pasaba por sus manos hasta que al final al presentar a Colin Firth logró sacarme una completa carcajada.

Al final el balance es un poco desabrido y hubiera sido un evento más de no ser por el señor Gervais, Sydney Poitier, Christopher Plummer y Morgan Freeman quienes lograron conmoverme y sacarme un par de lagrimitas. A continuación el resumen de los ganadores de la velada:

Cecil B. DeMille

• Morgan Freeman

Mejor película dramática

• The Descendants de Alexander Payne

. Una excelente noticia para los admiradores de Payne que no teníamos un largo desde Sideways de 2004 aunque su corto en Paris, je t’aime y Hung es una de las series que aún sigo en HBO son ejemplos de que su ingenio igual no descansó en ese lapso.

Mejor desempeño de una actriz en una película dramática

• Meryl Streep por The Iron Lady

Mejor desempeño de un actor en una película dramática

• George Clooney por The Descendants

Mejor película de comedia o musical

• The Artist de Michel Hazanavicius

Mejor desempeño de una actriz en una película de comedia o musical

• Michelle Williams por My Week with Marilyn

Mejor desempeño de un actor en una película de comedia o musical

• Jean Dujardin por The Artist

Mejor desempeño de una actriz de reparto en una película dramática

• Octavia Spencer por The Help

Mejor desempeño de un actor de reparto en una película dramática

• Christopher Plummer por Beginners

Mejor película animada

• The Adventures of Tintin de Steven Spielberg

Mejor película extranjera

• Jodaeiye Nader az Simin (Irán) de Asghar Farhadi

Mejor director de una película

• Martin Scorsese por Hugo

Mejor guión para una película

• Woody Allen por Midnight in Paris

Mejor banda sonora para una película

• Ludovic Bource por The Artist

Mejor serie dramática para Televisión

• Homeland (FOX)

Mejor desempeño de una actriz en una serie dramática

• Claire Danes por Homeland (Showtime)

Mejor desempeño de un actor en una serie dramática

• Kelsey Grammer por Boss (Showtime)

Mejor serie de comedia o musical para televisión

• Modern Family (FOX)

Mejor desempeño de una actriz en una serie de comedia o musical

• Laura Dern por Enlightened (HBO)

Mejor desempeño de un actor en una serie de comedia o musical

• Matt LeBlanc por Episodes

Mejor mini serie o película hecha para televión

• Downton Abbey (HBO)

Mejor desempeño de una actriz en una mini serie o película hecha para televisión

• Jessica Lange por American Horror Story (FX)

Mejor desempeño de un actor en una mini serie o película hecha para televisión

• Idris Elba por Luther

Mejor desempeño de una actriz de reparto en una mini serie o película hecha para televisión

• Kate Winslet por Mildred Pierce (HBO)

Mejor desempeño de un actor de reparto en una mini serie o película hecha para televisión

• Peter Dinklage por Game of Thrones (HBO)

Presentados por Ricky Gervais

La vieille dame et les pigeons

Sylvain Chomet es un realizador francés que fue nominado al Oscar por L’illusionniste, tuvo parte en el conglomerado de Paris, je t’aime  y que nos deslumbró con Les triplettes de Belleville. Su género dominante es la animación y por el cual se siente un apasionado. Pero para haber logrado estas dos piezas animadas debió haber tenido algún preludio, algún comienzo y ese comienzo es el cortometraje La vieille dame et les pigeons.

La vielle es una historia de un gendarme francés famélico que observa a esta viejita darle de comer a las palomas grandes banquetes, cuando él aguanta hambre inconsolablemente. Mientras él es un escuálido remedo de lo que es un hombre, las palomas están rechonchas y saludables y toma una decisión para cambiar su suerte. 

Los dejo con el corto. 

Eros

Eros es la pieza colaborativa entre Michelangelo Antonioni, Wong Kar-wai y Steven Soderbergh sobre el basto tema del erotismo. Ya somos testigos de varios ejercicios de este exquisito objetivo, New York Stories, la misma Paris, Je t’aime o Tokyo! pero han sido más geográficos que un ejercicio de género como el porpuesto por estos tres directores.

El primer segmento se llama The Dangerous Thread of Things del maestro Antonioni y aborda el erotismo desde el clasicismo italiano, una geografía paradisiaca, un hombre en conflicto, dos mujeres hermosas. Un planteamiento que evoca la ansiedad y la angustia de los humanos que tienen su pareja al lado para exigirle esto que ya no pueden ofrecerles, pero que cuando se lo ofrece ya no es lo que les apetece. Un juego donde las víctimas buscan salidas fáciles y donde los victimarios permanecen insatisfechos. Siendo sinceros fue el que menos me gustó, la aproximación del maestro me parece un poco quedada, sin ritmo, ralentizada en unas actuaciones demasiado teatrales donde la historia no es muy consistente y el final llega inesperado pero medio absurdo.

El segundo segmento es encantador. Equilibrium de Soderbergh es erótico sin serlo explícitamente, es narrativa pura, descripción y eso fue más erótico que mostrar miles de desnudos. Soderbergh es un director maduro y seguro de si mismo, sabe lo que quiere; su estilo tiene humor, juegos de cámara, excelente fotografía y una narración impecable.

La peli termina con el segmento de Wong Kar-wai, una historia refinada bajo la paleta de Christopher Doyle que más profundo y extremo no muestra un sólo desnudo, su erotismo se siente a través de las telas, las relaciones carnales son concebidas de pensamiento y su delicadeza aborda exquisitamente una historia de amor imposible, una fantasía entre una señora, su satre y las manos que se tocan.

Estos ejercicios, estas colaboraciones son bien interesantes. Es el estudio de grandes directores haciendo lo que les gusta desde la comodidad de lo que les gusta. Es cine independiente libre y descarado. Una forma sana de entender el cine de verdad, sin pretenciones, sin elucubraciones demasiado elaboradas, simplemente el gusto por contar historias.

New York, I Love You

Como varias segundas partes, New York, I Love You no logró sobrepasar o si quiera llegar a la calidad de producción de su primera parte París, Je t’aime. No es sin embargo una mala peli simplemente lograr sobrellevar el discurso y colmar las expectativas de una excelente parte no siempre se logra fácilmente. En realidad, la historia del cine está repleto de segundas partes que no lograron ser y muy pocas que aportaron un punto de complemento e incluso son eslabones de terceras partes también exitosas.

Una gran diferencia es que esta segunda parte cobija una buena cantidad de directores más inexpertos, actores que quieren ser directores y aunque pueden llegar a ser más creativos y más flexibles, la experiencia de los directores de la primera parte se nota mucho en narración, estilo y continuidad. Ahora, si tomamos los segmentos de los directores más experimentados (tan sólo seis de ellos) sus propuestas fueron sosas y poco novedosas, nada que resalte y llame la atención.

El éxito fue logrado en el segmento que dirigió Shekhar Kapur de una historia de Anthony Minghella, una historia bien contada y con un giro interesante. Pero definitivamente el mejor segmento, para mí, fue el escrito y dirigido por Fatih Akin una verdadera pieza, completa, novedosa y honesta. Muy bien por el segmento de Natalie Portman trascendiendo prejuicios raciales, Jiang Wen trascendiendo prejuicios sociales y de pronto el de Joshua Marston que de los experimentados es el único que saca la cara.

Sin embargo, esperaba mucho más de esta producción, no sólo un par chispazos y un par de historias divertidas. La verdad Nueva York es una que lo transforma a uno con su belleza, su complejidad, su imaginario, su comida, su arquitectura y sus personas. Siento que la producción llegó tan sólo a explorar sus personas y desaprovechó la gran oportunidad de poder hablar de una ciudad viva, llena de recuerdos, de situaciones memorables y sobretodo una ciudad hecha de cine, excusa predilecta de Robert De Niro para sacar adelante su festival de cine en Tribeca.

The International

Tom Tykwer es un director nuevo alemán que nos tiene acostumbrados a buenas producciones. Lo conocimos con Lola rennt en 1998, luego en el 2000 con Der Krieger und die Kaiserin, Heaven un poco más hollywoodense con Giovanni Ribisi y Cate Blanchet en 2002, Faubourg Saint-Denis su corto en Paris, je t’aime y de ahí en adelante comienza su carrera comercial primero con la adaptación de la novela de Patrick Süskind y luego con The International.

A Tykwer le encanta el thriller de suspenso y acción, The International es un buen thriller, un poco enredado por lo que toca estar muy pendiente de la trama para no perderse detalles importantes en la solución de los eventos.

Tal vez, lo más destacado es la poderosa fotografía arquitectónica con planos abiertos muy abiertos y usados como hilos geográficos que permiten contemplar fascinantemente desde el Guggenheim en Nueva York como, la estación central de trenes en Berlín o la hermosa Santa Sofía en Estanbul. Gran logro cuyos responsables son Frank Griebe por cinematografía y Mathilde Bonnefoy por montaje.

El reparto para esta súper producción lo encabezan actores de primera línea como Clive Owen, repiten pareja después de Eastern Promises, Naomi Watts y Armin Mueller-Stahl y lo completa Ulrich Thomsen.

En general, los thrillers de acción y suspenso no son catalogados como de buena calidad por la crítica pero para mi como en cualquier género si uno logra entretenerse y sobrepasar expectativas, el final es bien desarrollado y además tiene elementos clave en la producción como la música y la fotografía la peli siempre será sobresaliente.

Hung

Alexander Payne es uno de esos directores que le gusta escribir sus proyectos. No es el único ni el último, desde Spike Lee hasta Jim Jarmusch, Paul Thomas Anderson, Christopher Nolan, Quentin Tarnatino, Robert Rodríguez o el mismo Wes Anderson, esta tendencia divertida los hace especiales en esta camada de realizadores independientes que entienden el poder del guión y la inherencia del escritor en el producto final.

Recuerdo a Payne primero por About Schmidt de 2002 peli que le hice mucha fuerza para que Jack Nicholson se llevara un Oscar ese año, después vino Sideways en 2004 y un amigo me recomendó Election de 1999 porque seguramente me iba a encantar (efectivamente). El último rastro lo tuve en el 2006 cuando de la mano de otros creadores se hizo el collage de Paris, Je t’aime con su segmento 14ème Arrondissement me dejó completamente conmovido (de todos fue el que más me gustó).

En fin, había visto un par de avances en HBO de una nueva serie llamada Hung y  la cual vi el domingo pasado. Pues cuál sería mi sorpresa al descubrir que la había dirigido Payne y que todo el estilo de narración subjetiva y existencialista aparecía de nuevo ante mis ojos.

Al parecer Payne sólo hizo el piloto y después se dedicó a la producción ejecutiva de la serie. Por lo menos ese piloto es muy interesante, esperemos que el resto sea de la misma calidad que el entremés. Nunca me ha convencido demasiado Thomas Jane pero definitivamente Jane Adams la tengo presente desde Happiness de Todd Solondz en 1998.

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