Knives Out es un descanso que se pega el director Rian Johnson después de haber dedicado su ingenio al Episodio 8 de Star Wars (The Last Jedi) y a Looper. El realizador acostumbra a dirigir y escribir sus piezas, imagino que después de un trabajo, no lo llamemos serio pero si, algo dramático disfruta mucho de cintas ligeras, que le promuevan distracción y divertimento.
Así como cambia de temática y rumbo, a veces también da unos giros con cambios completos en el reparto -donde Joseph Gordon-Levitt es tal vez el único que repitió una vez- y este es un claro ejemplo, aunque podemos tomar a Frank Oz como un invitado especial de una pequeña indulgencia. Su equipo por el contrario se hace fuerte y consistente con Steve Yedlin en la cinematografía, su primo Nathan en la composición de la música y el montaje con Bob Ducsay que los han llevado a numerosas nominaciones y reconocimientos como equipo en montaje, guión, partitura y producción.
No creo siquiera que Knives Out sea el mejor de sus divertimentos pero si la aventura de volver a tener un juego de Agatha Christie en pantalla ala Clue -el juego de mesa donde se adivina quién es el asesino- con sus giros inesperados, con los sospechosos de siempre y con sus estrambóticos personajes.
Si me lo preguntan, esta peli no es la única válvula de escape de Johnson. Lo es también para Daniel Craig y su fabuloso James Bond; para Chris Evans y su Captain America; para Michael Shannon y sus innumerables decisiones megadramáticas; para Toni Collette y toda las series psicológicas que están en nuestros catálogos de TV; incluso para Christopher Plummer que después de su Oscar, no ha parado de recibir papeles y papeles por doquier. El resto de personajes también disfrutan de una pieza ligera -para su propia diversión- pero también para abrirse o consolidar su posición en Hollywood.
El problema de la temporada de premios es que puede dejar muy mal parqueadas estas producciones porque las inflan demasiado. A cine para ver Knives Out hay que ir sin pretenciones o prejuicios, simplemente igual que ellos mismos a divertirse con un sano entretenimiento… ¿Quién fue?
Por obvias razones Don Jon ha sido promocionada como el debut de Joseph Gordon-Levitt como director y como escritor de una pieza cinematográfica. Más que un golpecito en la espalda y un reconocimiento por haber logrado una pieza de buena calidad en el primer intento, Don Jon es una gran peli y permite entrever un gran futuro para el actor que puede armar una carrera diferente con este nuevo enfoque -más aún cuando en las últimas semanas nos enteramos que Warner Bros. acaba de confiarle nada más y nada menos que el comic de Sandman para que lo dirija y lo protagonice-.
Don Jon es la historia de un trabajador de bajo perfil de Nueva Jersey que está en plan de conquista todas las noches en Nueva York, con muy buena fortuna. De esta forma su historia es la de un mujeriego, que usa a las mujeres, las desprecia, las despacha y continúa aconsejando a sus seguidores en narración constantemente durante toda la peli; el giro en el planteamiento es que a pesar de su éxito con las mujeres y el constante sexo que mantiene con ellas -en gran diversidad y en gran cantidad- su satisfacción sólo es alcanzada con el alto nivel de pornografía que consume diariamente; todo su universo entra en crisis cuando conoce a Barbara, quien le pide que avance en su carrera profesional tomando clases nocturnas, se ejerciten juntos, siga siendo muy considerado y, tácitamente, le pide que sólo tenga ojos para ella después de su primera relación sexual, lo cual él cumple pero no a cabalidad como ella quisiera; cuando en un intento de continuar su vida alterna de sexo real y pornografía es descubierto por Barbara, él niega su condición y dice que nunca más va a volver a hacerlo. Lo cual es falso. Cuando recae en la pornografía y es nuevamente descubierto evidencia una adicción que le ayuda a entenderse, a entenderla pero sobre todo a entender mejor la relación amorosa con otras mujeres.
Don Jon es una comedia romántica independiente, con esto lo que se afirma es que no es una historia romanticona entre dos personas que están destinadas a quererse sino que por el contrario surge algo de drama y no necesariamente hay un final feliz de los que estamos acostumbrados en Hollywood; ejemplos de estas historias y sus conmovedores relatos los hemos tenido a la mano con Safety Not Guaranteed, Seeking a Friend for the End of the World o Celeste & Jesse Forever.
Don Jon no sólo es divertida, entretenida y audaz. Definiendo las labores de Joseph Gordon-Levitt en la pieza tiene varios puntos en consideración; el mismo Gordon-Levitt desarrolla un personaje honesto, con un perfil claro y un desempeño impecable a nivel de vestuario, maquillaje y tono de voz; su compañera de aventura es Scarlett Johansson que al igual que el protagonista describe un tipo de personas que nos parecen de ficción cuando alguna vez ojeamos «realities» como Jersey Shore pero que existen y a veces es muy complicado retratarlos sin que se vean como caricaturas y este no fue el caso; en general, todo el resto de su reparto (Julianne Moore, Tony Danza, Glenne Headly, Brie Larson) no se excede en sobreactuaciones -de pronto se explota un poco de más el tema del estereotipo de Nueva Jersey– pero es consistente y se encuentra armonía en cada uno de los personajes-. Esto quiere decir, que Gordon-Levitt no se limitó solamente a estar detrás de cámaras definiendo las escenas que quería sino que cumplió una labor titánica de dirigir a sus actores en el punto que él los quiso y fue capaz -que es uno de los logros más grandes- de mantenerlos en sincronía sin que ninguno se adelante o se aparte; la historia es interesante y cómo rompe la cuarta pared en la narración es punto innovador, para dejar de ser un narrador protagonista en primera persona y ser simplemente un testigo que ha asistido al desarrollo de los hechos pero que ya no es consciente de su destino sino que crece a medida que avanza; este tipo de figuras pueden ser tomadas como «choco-locuras» del hombre encargado de su pieza para hacerse lucir pero en esta peli se llega a este punto mediante una evolución programada y, de nuevo, armónica.
Cerrando el tema de la producción, la fotografía y la iluminación de la cinta son cuidadosas, atractivas y muy bien logradas, el responsable Thomas Kloss; siendo el montaje lo más atractivo y lo que nos deja más boquiabiertos dentro de la pieza porque nos permite observar tranquilamente las actuaciones, la fotografía y el resto de la producción, un gran trabajo sin duda de Lauren Zuckerman, es muy grato encontrar a un gran conocido como lo es Nathan Johnson; Johnson ha trabajado casi que invariablemente y como sello de todas las pelis de su hermano Rian Johnson (Brick, The Brothers Bloom y recientemente Looper); es interesante que con el genio influenciador de este compositor, la música permanece excelentemente al margen, acompañando pero no sobrecogiendo demasiado.
Gordon-Levitt ha recibido un par de elogios de círculos independientes de la industria, y a pesar de haber concursado oficialmente en Sundance sin mayores reconocimientos, su gran esperanza se encuentra en los Spirit donde está nominado como mejor primer guión. Un reconocimiento que sin duda lo pondría muy alto en este nuevo punto de su carrera.
Primer llegó a mi gracias a que Netflix me lo estaba sugiriendo constantemente después de afinar mis gustos personales en la interfaz. Había puesto que quería ver Upstream Color gracias a que en Sundance, este año, había ganado premio especial del jurado en drama y estaba nominada al gran premio del jurado que finalmente se llevo Fruitvale Station de Ryan Coogler. Actualicé mis listas en Amazon, Netflix e incluso las puse ambas en mis notas por si aparecían milagrosamente por ahí en algún lado. Con todo y el seguimiento que le estaba haciendo, Shane Carruth, director de Primer y Upstream Color seguía rondando mucho en mi cabeza pero no sabía porqué hasta que por fin hubo una epifanía. Cuando compré el blu-ray de Looper y me puse a ver todos los contenidos adicionales, me puse a escuchar la composición de la partitura hecha por Nathan Johnson -hermano de Rian Johnson el director- para cada uno de los momentos de la cinta; en el segmento ‘Time Travel‘, Johnson no sólo agradece la colaboración a su amigo compositor, DJ y diseñador de sonidos Shane Carruth sino que explica cómo grabó toda una serie de dispositivos electrónicos y cómo Carruth le ayudó a mezclarlos.
[Es extraño empezar la entrada con esta intricada maraña de relaciones. Pero si eso les pareció complicado prepárense para la trama y su desarrollo en Primer]
Primer es una cinta de ciencia ficción donde un grupo de cuatro ingenieros gama alta, están trabajando en un proyecto personal diseñando unas mejoras a la tarjeta maestra de un computador, en el garaje de Aaron (Carruth, que acostumbra a dirigir, escribir y actuar sus pelis). La presentación es altamente técnica pero ayuda a dar contexto, credibilidad y un asentamiento cronológico. Dos de sus colegas son apartados del proyecto al decidir que las mejoras no tienen mayor importancia pero si la suspensión de objetos mediante una especie de magnetos derivado de su estudio previo. Abe (David Sullivan) y Aaron empiezan a trabajar en ese estudio hasta que Abe hace un descubrimiento formidable de un fenómeno inusual; primero, las pilas con las que trabaja su máquina dan una especie de inercia a la máquina que no tenían contemplado, segundo un hongo presente en condiciones de oscuridad y acumulación de polvo se ha desarrollado alocadamente mientras la máquina estuvo activa y tercero un cronómetro albergado en la cápsula de suspensión con Argón hace una marca de 6 horas después de haber sido expuesto un par de minutos. Al unir cabos se dan cuenta que de algún modo han descubierto una forma de apertura de un ciclo cronológico donde por cada lapso de exposición en la máquina se devuelven seis.
Para demostrarle a Aaron sus análisis, Abe tomó la iniciativa de ir a analizar los hongos y darle todo el fundamento científico a lo que habían descubierto. Lo que no le contó Abe a Aaron es que armó una cápsula más grande para poder introducirse él mismo y experimentar el viaje en el tiempo con humanos. Durante la apertura del intervalo, un doble de Abe es creado mientras existe el ciclo, apenas se acaba, tanto el ciclo como el doble desaparecen.
La cuestión empieza a complicarse exponencialmente, y es cuando hay que ponerle mucho, mucho cuidado a la trama y los diálogos porque en aras de sellar todas las inconsistencias posibles Carruth acelera el tempo y da un giro vertiginoso donde decenas y decenas de preguntas nos empiezan a taladrar la mente cuando una y otra vez empiezan a aparecer dobles tanto de Aaron como de Abe. Más que el final mismo, todo el desenlace es desquiciado y uno necesita un par de horas para asimilarlo todo.
Ahora más allá de que Primer es un thriller indie de bajo presupuesto, no es de extrañar que Carruth trabaje no sólo en la dirección y la escritura, sino que también sea el productor, el editor, el director de reparto y diseño, además obviamente de ser el protagonista. Pero volviendo a Upstream Color, es importante saber que en Sundance de este año se creo una nueva categoría que resalta el tema del diseño de sonido y que Upstream Color se lo ganó; ganarse este premio, ser inspirador para la composición musical de Looper y ser el responsable del sonido y la partitura original en Primer, nos llama muchísimo la atención en su desempeño. Aunque el doblaje de las voces no es de todo mi agrado, porque logró parecerme que en exteriores las voces estaban artificialmente grabadas en estudio, el resto del sonido, que es muy importante para que una historia se sienta real, fue impecable, casi a la altura de calidad de una megaproducción «hollywoodense». El tema de las voces puede entenderse como una figura que nos acerca a la encapsulación de los dobles y ese nivel de detalle nos llama la atención lo suficiente para buscar y ver de una vez por todas Upstream Color, su siguiente y más reciente proyecto.
Rian Johnson es uno de los recién asentados directores independientes que nos ofreció el cierre de su ópera prima, con una de las mejores, si no la mejor pieza del año pasado, Looper.
Ya habíamos visto también de él Los Brothers Bloom, con una calidad escalofriante pero la crítica seguía alabando Brick, su primer largometraje lo cual me tenía un poco frenético. Independiente de lo que piense de la peli, en general, siempre admiro el hecho de que un director salga adelante de su primer proyecto y me sobrecoge cuando ese primer proyecto, tiene una buena factura o es creativo o es propositivo de alguna forma en la industria. Johnson, por ejemplo, es un escritor-director que en su primer intento logra clasificar a Sundance y llevarse el premio especial del jurado por su visión creativa.
Brick es la historia de Brendan, interpretado por un escuálido Joseph Gordon-Levitt, que va en el cuarto año de una secundaria en San Clemente, California. Es corajudo, solitario y sedicioso. No le come a los populares de la escuela, ni a los del equipo de fútbol, ni a los jíbaros que rodean la institución, por el contrario, los enfrenta y aún con su apariencia desabrida tiene una relación con una hermosa joven (Emilie de Ravin) que estudia con él. La trama de la peli empieza con el cadáver de la joven, dispuesto en uno de los caños adyacentes. La imagen es fuerte pero hermosa y Brendan se queda contemplándola por un tiempo hasta que decide ocultar el cuerpo, aislar a la policía de la ecuación y descubrir por si mismo que está sucediendo.
En principio, el argumento de Brick envuelve un gran thriller de suspenso y su resolución tiene las mismas connotaciones policiacas. El problema es que tanto la historia como los personajes son poco creíbles dentro del contexto en el que están colocados. El maton, la diva, el capo son más caricaturas de personajes bien elaborados pero que dispuestos en un colegio crean ambientes y situaciones improbables, sin sentido y de nuevo, poco creíbles. Johnson afirma que esta peli la filma en su escuela secundaria y tal vez su deseo de volver a la institución de nuevo, convertido en héroe es mucho más fuerte que su deseo de hacer una pieza más verosímil, más madura o por lo menos un poco más congruente.
Es innegable que Brick tiene mucho potencial. El epónimo ladrillo de cocaína que rodea la historia envuelve muy bien a todos los personajes. Sus tropos y sus chispas de genialidad se vislumbran en algunos roles secundarios, en la forma como Johnson desarrolla su montaje y permite que el espectador intuya más que digerir ciertas afirmaciones -aunque a veces se excede y confunde-. Las tomas y los desenfoques ayudan a complementar la narración pero incluso en el final abierto, el desenfoque nos permite elucubrar sobre una posibilidad lejana donde un personaje tangencial podría ser la clave de todo el embrollo, en el que posiblemente Brendan sólo dio vueltas en círculos para terminar en el mismo punto de partida con una posibilidad muy sólida, siempre en frente de sus narices.
Grandes sorpresas se vieron en la velada de los WGA el sábado pasado. En resumen, la respuesta del gremio fue diversa en cuanto a los favoritos y abre un gran espectro en cuanto a los nominados al Oscar. He aquí la lista de los ganadores.
Original Screenplay: Movie Pictures Gran, gran sorpresa la de noche. El ganador fue Mark Boal por Zero Dark Thirty. Después del desplante de La Academia a Kathryn Bigelow, de pronto se podría repetir la historia donde hace un par de años Boal hacía la dupleta de los WGA y el Oscar a mejor guión original.
Adapted Screenplay: Movie Pictures El ganador fue Chris Terrio por la adaptación escrita para la pantalla basado en una selección de The Master of Disguise de Antonio J. Mendez y el artículo de la Wired Magazine “The Great Escape” de Joshuah Bearman para Argo. Igual, la controversia desatada por el artículo que reveló Backstory sobre Barry Ira Geller y su guión Lord of Light dejó mucha desazón en el ambiente. Geller condenó con pruebas que el suyo fue el guión que finalmente la CIA tomó para hacer el rescate. La Central de Inteligencia lo renombraría como “Argo” y llevaría a cabo su estratagema para liberar a los estadounidenses atrapados en Irán. Aunque en Argo casualmente hay una escena donde se discute cuál es el guión y el arte de los que se van a comprar los derechos, en la realidad no sucedió de esa forma en la vida real y Geller fue prácticamente estafado.
Life of Pi escrita para la pantalla por David Magee, basado en la novela de Yann Martel
Lincoln escrita para la pantalla por Tony Kushner, basado en una parte del libro Team of Rivals: The Political Genius of Abraham Lincoln de Doris Kearns Goodwin
The Perks of Being a Wallflower escrita para la pantalla por Stephen Chbosky, basado en su libro
Silver Linings Playbook escrita para la pantalla por David O. Russell, basado en la novela de Matthew Quick
Documentary Screenplay: Movie Pictures Una predicción segura que se cumplió a la perfección. Malik Bendejelloul por Searching for Sugar Man
The Central Park Five escrita por Sarah Burns, David McMahon y Ken Burns
The Invisible War escrita por Kirby Dick
Mea Maxima Culpa: Silence in the House of God escrita por Alex Gibney
We Are Legion: The Story of the Hacktivists escrita por Brian Knappenberger
West of Memphis escrita por Amy Berg y Billy McMillin
La velada tuvo más ganadores en las categorías de TV como mejor guión para serie dramática Sam Catlin, Vince Gilligan, Peter Gould, Gennifer Hutchison, George Mastras, Thomas Schnauz y Moira Walley-Beckett por Breaking Bad (AMC); mejor guión para serie cómica Pamela Adlon, Vernon Chatman y Louis C.K. por Louie (FX); mejor guión en una nueva serie Judd Apatow, Lesley Arfin, Lena Dunham, Sarah Heyward, Bruce Eric Kaplan, Jenni Konner, Deborah Schoeneman y Dan Sterling por Girls; y muchos más. Si quieren tener más información al respecto pueden revisar todo el reporte de la velada haciendo clic aquí.
Esta es la primera vez que hago una reseña sobre los premios del Gremio de Directores de Hollywood pero es sólo un ejercicio para que entendamos como en realidad funciona la industria en Hollywood y sobre todo Su Academia. La noche del sábado se celebró esta ceremonia en su versión 65 y estos fueron los ganadores:
Outstanding Directorial Achievement in Feature Film
Outstanding Directorial Achievement in Musical Variety
Glenn Weiss director de 66th Annual Tony Awards (CBS)
Outstanding Directorial Achievement in Documentary
Malik Bendjelloul director de Searching for Sugar Man
La lista es un poco más larga pero la verdad no me atraen las categorías de mejor dirección en un «reality», en una telenovela o en una presentación comercial pero para los que si estén interesados pueden investigar más a fondo este enlace.
Ya son tres años trabajando en este blog. Hemos acumulado en ese periodo 860 entradas, más de 80 mil visitas y un agradable acumulado de 2.000 comentarios. Todas estas cifras son más que alentadoras para continuar viendo cine con ustedes, cada vez que pueda.
Muchos hablan del 2012 como el año con el pico de las mejores pelis de la década -tardía- que termina, no sólo por la buena calidad de las producciones sino además por la cantidad de piezas que fueron promovidas. Gracias a esto esta entrada puede llegar a ser bastante extensa y nos ha tomado más de tres semanas llegar a redactarla completamente pero rigiéndonos por una pequeña regla de sólo nombrar cinco títulos por categoría, hemos logrado resumirlo bastante bien. Lastimosamente, se nos van a escapar un par de producciones importantes que hubiéramos querido incluir pero que no lograron llegar a nuestras salas o pantallas. A continuación este el listado que hemos preparado para ustedes sobre lo que vimos en este año.
Siendo estrictos con la clasificación y resumen del año hasta este momento, no hubo ninguna cinta perfecta -con una clasificación de 10 sobre 10- y la única ilusión para que esto cambie sería de pronto esperar a que The Master de Paul Thomas Anderson se estrenara en nuestras pantallas -porque Thomas Anderson siempre nos ha guardado una bella sorpresa con cada una de sus piezas-. Pero The Master no es la única esperanzadora a este nivel, también están Amour de Michael Haneke, Killing Them Softly de Andrew Dominik, Mud de Jeff Nichols y The Paperboy de Lee Daniels; lo que nos dice efectivamente que aún falta mucho por revisar para finalizar este año.
En este pequeño balance ya empieza a aparecer un protagonista y gran ganador, Matthew McConaughey. Con cinco producciones, Magic Mike, Killer Joe, Mud, The Paperboy y Bernie -si la aceptamos como una pieza temprana del 2012-, McConaughey demuestra que fue poco ortodoxo en sus decisiones de trabajo y que por el contrario fue muy arriesgado. De ser la cara más bonita de Hollywood casi que pasó a ser el texano más peligroso. Su riesgo le permitió con grandes directores independientes que sin duda sacaron lo mejor de él. Aunque pasó desapercibido en los Oscar de este año y en los SAG’s, en los Spirit logró dos nominaciones como actor principal y actor de reparto. Como una alineación especial de los planetas, no creo que Soderbergh, Nichols, Daniels o Friedkin vuelvan a dirigirlo el mismo año, en cuatro diferentes producciones. Sería este el año más especial dentro de toda su carrera y ojalá alcance los premios que le son tan merecidos en este periodo.
Si hablamos de las mejores pelis del 2012 para mi existe sólo una y es Looper de Rian Johnson. Looper no sólo marcó expectativa sino que casi fue impecable en el uso de los viajes a través del tiempo, en donde tan fácilmente se pueden generar incongruencias. No es una cinta perfecta, como lo decíamos antes, en este año no hubo tal, pero logró manejar audazmente la historia, los vacíos y el ritmo en la trama hasta desencadenar un final espectacular. Looper además de ser una cinta de ciencia ficción permite que una serie de subgéneros se entretejan y sea aún más fascinante su experiencia. Realmente sobresaliente el trabajo de maquillaje que sutilmente pudo vendernos el truco de que Joseph Gordon-Levitt era el joven pasado de Bruce Willis y la partitura original de Nathan Johnson. Otras que no desentonaron fueron Seven Psychopaths de Martin McDonagh, Skyfall de Sam Mendes, The Avengers de Joss Whedon, Madagascar 3: Europe’s Most Wanted de Eric Darnell, Tom McGrath y Conrad Vernon. Todas a niveles muy diferentes, lograron cumplir sus promesas frente a los espectadores pero debemos hacer una excepción y nombrar, además, Moonrise Kingdom de Wes Anderson. Anderson con su estilo súper definido y su perfecta artesanía nos devuelve un resumen de su carrera en una historia de amor enmarcada en los bellos parajes de Rhode Island.
Aparecen apenas dos “rompe-taquillas” de todo el paquete de megaestrenos, Skyfall y The Avengers, que a su manera lograron sobresalir de la competencia y lograr millonarios retornos sin afectar sus agendas internas; por un lado, Skyfall fue la mejor forma de celebrar los 50 años de la franquicia, se erige como la mejor peli de James Bond de todos los tiempos (supera claramente a Casino Royale) y reconfirma a Daniel Craig como el mejor Bond; por el otro, The Avengers siendo una peli de súper-héroes de comics y un “rompe-taquillas” de verano fue la única que prometió, respondió, no defraudó y siendo la primera en revelar su golpe dejó muy mal parqueadas al resto con un estándar muy alto para superar.
Una gran ovación se merece el cine colombiano este año pues tuvimos para escoger muy buenas cintas. La Sirga de William Vega, Sofía y el Terco de Andrés Burgos, Chocó de Jhonny Hendrix Hinestroza, y si hacemos un esfuerzo, Apaporis de Antonio Dorado y El cartel de los sapos de Carlos Moreno son las destacadas de este periodo. Sobre todo las tres primeras, marcan un hito en el estilo de hacer cine en Colombia, definiendo una narrativa, una selección de reparto y una temática de expresión muy propias de un fenómeno que aún nos queda muy difícil definir como movimiento y -aunque nos faltó ver La Playa D.C., Apatía y El Resquicio– seguramente no van a ser las últimas de este movimiento.
Pero como en todo, siempre existen desafortunadas equivocaciones, este año no fue la excepción. Sin ser malas, las decepciones del 2012 fueron Argo de Ben Affleck porque comparada con su previa The TownAffleck se rindió frente a una chovinista y a la vez muy bien elaborada artesanía, Prometheus de Ridley Scott porque Lindelof sigue pensando que la fórmula de Lost es ilimitada y aplicable a todo y en Prometheus no sólo hay una gran cantidad de incongruencias que rompen la trama y su tensión sino que además posteriormente descubrimos que el guión original tenía mejor relevancia pero fue masacrado por la petulancia de él, The Bourne Legacy de Tony Gilroy porque descubrimos que fue creada para continuar la franquicia sin mayor sentido que eso, The Hobbit: An Unexpected Journey de Peter Jackson porque sencillamente es una gran salida en falso y The Dark Knight Rises de Christopher Nolan porque aunque es consecuente con toda la trilogía, Nolan fue víctima de su propio invento y todo lo que había construido sobrecayó sobre él duramente. The Dark Knight Rises es tal vez la cinta con la tengo más problemas, de alguna forma, borró con el codo lo que había definido perfectamente con sus dos salidas anteriores, además que Nolan infantilmente fue demasiado pertinaz, reticente y receloso con la imagen del Joker lo que provocó vacíos aún más profundos en la trama. Su universo más humanizado, más real y consecuente terminó dilucidando precisamente desdén y apatía hacia la franquicia para proveer un final que sólo es adecuado en una alucinación dolosa de Alfred.
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Oficialmente empieza la temporada de celebraciones y premios en Hollywood. Después de la decepcionante lista de nominados a la versión 70 de los Globo de Oro, hoy se revela la lista de nominados a los premios del Gremio de Escritores de América -siempre se dice que los Globo de Oro son la antesala de los Oscar y que funcionan como predicción en algunos temas; aunque no se niega su importancia los verdaderos influyentes en los Oscar son definitivamente los gremios de actores, escritores, productores y realizadores de la industria; pocas veces los Oscar se alejan demasiado de ellos-.
Viendo la lista es reconfortante ver de nuevo en carrera a Looper, The Master y Moonrise Kingdom y aunque hicieron falta, de pronto Django Unchained o Skyfall, con estas tres grandes sorpresas de nuevo podemos mirar con interés los próximos Oscar de La Academia el 24 de febrero.
Argo escrita para la pantalla por Chris Terrio, basado en una selección de The Master of Disguise de Antonio J. Mendez y el artículo de la Wired Magazine “The Great Escape” de Joshuah Bearman
Life of Pi escrita para la pantalla por David Magee, basado en la novela de Yann Martel
Lincoln escrita para la pantalla por Tony Kushner, basado en una parte del libro Team of Rivals: The Political Genius of Abraham Lincoln de Doris Kearns Goodwin
The Perks of Being a Wallflower escrita para la pantalla por Stephen Chbosky, basado en su libro
Silver Linings Playbook escrita para la pantalla por David O. Russell, basado en la novela de Matthew Quick
Documentary Screenplay:
The Central Park Five escrita por Sarah Burns, David McMahon y Ken Burns
The Invisible War escrita por Kirby Dick
Mea Maxima Culpa: Silence in the House of God escrita por Alex Gibney
Searching for Sugar Man escrita por Malik Bendejelloul
We Are Legion: The Story of the Hacktivists escrita por Brian Knappenberger
West of Memphis escrita por Amy Berg y Billy McMillin
Looper es una de esas cintas que llega con unas expectativas clarísimas y las colma perfectamente. Una excelente narrativa con dos temas complicadísimos (A) una peli de ciencia ficción y (B) viajes en el tiempo. El responsable de semejante osadía Rian Johnson, un realizador que recordamos por The Brothers Bloom y que precisamente por esa peli es que logramos investigar un poco más y descubrir que es un gran contador de historias, que Brick fue su primera cinta, que fue un proyecto independiente, que la crítica la adoró y que gracias a ella y al éxito de su segunda se le permitió involucrarse en esta mediana producción apoyándose de nuevo en Joseph Gordon-Levitt -el hombre más popular del momento en Hollywood-. Looper es la muestra fehaciente que su excelente creatividad aún no ha encontrado límites y que apenas cierra su ópera prima. Si esto es lo bueno, no tenemos palabras para definir como esperamos lo que está por venir.
Joseph Gordon-Levitt interpreta a Joe un asesino a sueldo que religiosamente mata a sus encargos del futuro silenciosamente en las afueras de una ciudad de 2044. Su profesión se conoce como «cerrador de ciclos» es decir que ayuda a que en el futuro sus jefes no deban preocuparse por un fulano o su cuerpo, a cambio recibe un pago en lingotes de plata aferrado a las espaldas de sus víctimas que tienen sus caras tapadas. Sin embargo de vez en cuando a cada uno de estos «cerradores de ciclos» les llega su licenciamiento y deben matarse a ellos mismos del futuro, por lo cual reciben su último pago en oro en un proceso que se llama «fin del ciclo», el trabajador recibe esta paga, sus ahorros en plata y se dispone a vivir 30 años de vacaciones mientras sus jefes deciden eliminarlo. Es un trato justo y deciden aceptarlo de vez en vez. El problema es cuando los ciclos quedan “abiertos” y el asesino no mata su encargo. Se crea una cacería para buscar al responsable y el mismo encargo los cuales deben eliminarse al mismo tiempo.
Un día Joe recibe un encargo que viene sin la cara tapada y se da cuenta que es él mismo pero viejo. Duda. Trastabillea. Lo deja escapar. Looper es la historia que debe corregir Joe del futuro interpretado por Bruce Willis para que no afecten su vida de la forma en que sucedió y la historia de Joe del presente que quiere ser leal a su trabajo y corregir que se le haya escapado su encargo.
De detalles finísimos y delicadamente hilados, Looper es una historia sin vacíos o incongruencias graves. Es la clarividencia de este director para traernos una historia de muchos giros, que podría tener muchas contradicciones narrativas -muchas de ellas genialmente fuera de cámara- y que al final es tan entretenida como Terminator I o 12 Monkeys pero al mismo tiempo es sorpresiva y aterrorizante como Scanners o The Omen. El 2044 no se siente como una «distopia» absurda, es más un futuro cercano a lo que podríamos acceder desde hoy en día, sin embargo es acertado en pequeñas apuestas como el yuan chino como moneda regular o los ahorros en plata y oro en bancos subversivos. Aunque la historia ronda las zonas marginales de esta ciudad del futuro y por lo mismo los avances en arquitectura no deberían ser tan obvios se alcanza a percibir muy sutilmente el cambio. Obviamente, una contradicción de estas zonas vulnerables es que de pronto no tengan cómo alimentarse, vivir o vestirse muy bien pero siempre habrá ciertos objetos que les llamarán la atención como los bafles de sonido, los carros o como en esta peli las motos flotantes con turbinas.
En los cortos, nunca se da una aproximación exacta a la historia de Emily Blunt -aquí tampoco lo haremos- es una variación de la línea de tiempo alterada que permite que la historia no sea plana y que tenga un final de cinco estrellas.
Esta va a ser una cinta que va a tener muchas repercusiones en los premios a principio del próximo año. No se si alcance a ser tan independiente como para que sea considerada en los Spirit pero seguramente si habrá nominaciones a mejor guión original, mejor maquillaje, mejor mezcla de sonido, de pronto mejor producción y mejor dirección en los Globo de Oro, los Oscar y de pronto algo de los BAFTA’s.
Muchas veces una peli es igual a un cerveza en una mesa de un comedor. Sóla puede ser normal e incluso aburridora, a menos que esté haciendo un calor impresionante y esté servida al frío intenso de un vaso largo. Sin embargo, y esto es muy personal ya que conozco gente que no lo practica, cuando se sirve al lado de un plato de carne, pescado, cerdo o pollo puede llegar a ser un complemento grandioso, puede llegar a ser el todo más que la suma de sus partes, es decir, se vuelve, sinérgica.
Esta peli, como Rian Johnson, su director, llegó a mi completamente desconocida. No había absolutamente nada nuevo en cartelera y me arriesgué a verla. Otra vez, me decidí gracias a su reparto, esta vez compuesto por Adrien Brody, Mark Ruffalo y Rachel Weisz. Johnson todavía está en su ópera prima, pero como esta, sus otras dos pelis completamente desconocidas.
En fin, retomando el tema de la cerveza, mi versión de esta peli está determinado por la compañía de esa noche que me la ví. No es precisamente una peli de romance pero al calor de una chica, todo se tornó más cálido y entrañable (casi conmovedora).
Lo primero, es que el reparto no defrauda. Qué bien cae Mark Ruffalo en sus papeles; en esta cumple la función de reparto como antagónico al anti-héroe y lo cumple de maravilla (logra nominación en los independientes Satellite Awards), un mago haciendo el truco de su vida. Brody, de anti-héroe, enamorado de Rachel Weisz logra encantar y conmover. Y Weisz más hermosa que nunca, más bella que siempre rompe en la pantalla llena de ingenuidad, llena de entusiasmo, llena de alegría y frescura.
Pero la peli me cautiva por otro aspecto importante, siendo reiterativo, me encanta que los directores escriban sus pelis, les da el poder de expresar lo que piensan desde el primer momento en que lo pensaron y les da el control necesario para no salirse de curso y aún poder improvisar alternativas congruentes de la historia. Entonces siendo una historia contada, narrada por Brody, en un principio volviéndose narrador omnisciente, se pierde en una narración en tercera persona con un narrador tácito que involucra al espectador dentro de la misma línea de tiempo de la historia, es decir, se deja de percibir como un fin presupuesto.
La trama sin dañar el final, es la historia de dos niños estafadores; uno que era el que creaba y escribía las estafas (Ruffalo) y el otro, el que se dejaba llevar por ellas, las creía apasionadamente y se desilusionaba al final al reaccionar y entender la finalidad de todo el artilugio (Brody). Hechos grandes, el escritor estaba encantado con su vida, el intérprete se siente vacío y confuso de no entender cuando es real, y cuando no, su vida cotidiana, entonces, el escritor prepara una gran estafa donde incluso el espectador se rinde a sus artimañas y se deja caer en sus lógicas para que todo el mundo obtenga lo que buscó inicialmente y sea la estafa perfecta.
Nota personal. Qué buena fue la música, aunque la peli se vió ambientada contemporaneamente, tanto la historia, como el vesturio y la música lo llevaban a uno a una ambigüedad lejana, unas veces a los 20’s del siglo pasado otras a mediados del siglo XVIII… Y la música acorde a cada periodo de la historia. Excelente!!!
La Vacación 