Actor, Africaans, Aussies, Auteur, Awards, Biopic, Bollywood, Brit, Canadians, Cine de España, Comedy, Czech Kino, Den Danske Film, Drama, Русское Kино, Emo, Folk, French Cinema, Indie, Ελληνικό Κινηματογράφο, 한국영화, Latin, Melodrama, Miguel Vaca, Nederlandse Bioskoop, Neues Deutsches Kino, New Zealand Cinema, Norsk Kino, Nuovo Cinema Italiano, Polskie Kino, Romance, Srpskog Filma, Storytelling, Suspense, Svensk Film, Vacacion, World, 廣東戲院, 映画館, 中国戏院, הקולנוע הישראלי

Berlinale 2014

por Diego Taborda

Si el 2013 fue un gran año para los norteamericanos que con David Gordon Green ganaron Oso de Plata a la mejor dirección por Prince Avalanche, este año las cosas siguen mejorando cuando Wes Anderson gana Oso de Plata del Gran Jurado por The Grand Budapest Hotel y Richard Linklater mejor dirección por Boyhood en La Berlinale 2014. He aquí la lista completa:

Goldener Bär para mejor película

  • Bai ri yan huo de Diao Yi’nan

Silbener Bär Grand Prix de jurado

  • The Grand Budapest Hotel de Wes Anderson

Silbener Bär mejor director

  • Richard Linklater por Boyhood

Silbener Bär mejor actriz

  • Haru Kuroki por Chiisai Ouchi de Yôji Yamada

Silbener Bär mejor actor

  • Liao Fan por Bai ri yan huo de Diao Yi’nan

Silbener Bär mejor guión

  • Dietrich Brüggemann y Anna Brüggemann por Kreuzweg de Dietrich Brüggemann

Silbener Bär mejor logro artístico

  • Premio para mejor cámara a Zeng Jian por Tui na de Lou Yeh

Alfred Bauer Prize

  • Premio concedido en memoria del fundador de El Festival por un trabajo de particular innovación a Alain Resnais por Aimer, boire et chanter
Standard
Auteur, Comedy, Drama, Epic, Epochal, Folk, French Cinema, Hollywood, Indie, Internet, Miguel Vaca, Movie, Richard Linklater, Romance, Storytelling, Vacacion, World

Before Midnight

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Qué buen cierre a una excelente trilogía la que han planteado Richard Linklater, Ethan Hawke y Julie Delpy en Before Midnight. Sin lugar a dudas, la mejor de las tres por ese gusto refinado y añejado que da la experiencia y el saber de sus personajes. Es posible -y extiendo mis súplicas a la triada- que dentro de otros diez años tengamos una sorpresa y que esta maravillosa serie siga investigando adentro muy profundo de la cotidianidad de las relaciones interpersonales de un hombre y una mujer, que se aman pero que no la tienen tampoco fácil por lo mismo.

Los que no se han visto ninguna de estas pelis, porque no los han enganchado o porque les parece un bodrio súper cursi, estén dispuestos, por el interés de la misma trilogía, que a continuación evidenciemos contenido revelador de la primera y la segunda parte para hacerlos dudar y de pronto revisarlas con otros ojos.

Richard Linklater en 1995, junto a Kim Krizan, escriben el guión de una de las comedias románticas más destacadas de la época, Before Sunrise con Ethan Hawke y Julie Delpy; un hombre se encuentra a una mujer en un tren con origen en Budapest rumbo a Viena; mientras, Céline (Delpy) debe continuar a París para visitar a su abuela, Jesse (Hawke) debe tomar su vuelo de vuelta a Estados Unidos; él la convence de bajarse del bus diciéndole que en 10 o 20 años se estará maldiciendo por el matrimonio que la rodea y por no haberle dado la oportunidad a ese hombre que alguna vez le habló en dicho tren. El ritmo de la cinta es un tanto monótono pero es avivado por sus conversaciones sobre la vida, las relaciones humanas, la religión y la ciudad misma. Un beso y una serie de confesiones hacen que su conexión romántica parezca predeterminada pero ambos, al calor del amanecer, se despiden y continúan con sus rutas no sin antes prometerse verse en seis meses, allí mismo en Viena.

La peli finalmente le dió el Oso de Plata a Linklater en La Berlinale y se volvió un clásico instantáneo entre nosotros los juveniles cuando MTV galardonó ese beso de Céline y Jesse en el atardecer de Viena como el mejor del año.

Casi una década después, en el 2004 Richard Linklater, Ethan Hawke y Julie Delpy se apropian de los personajes y escriben una segunda parte de la historia, Before Sunset; nueve años han pasado y mucho de las vidas de Jesse y Céline han cambiado casi al punto de parecer un par de extraños; él se ha vuelto un joven escritor famoso, galardonado y respetado por la interpretación romántica y existencial de ese momento en Viena; ella… No recuerdo bien pero creo que vivía en un apartamento con su novio francés; él ayudando a las ventas de Europa hace una gira por varios países cuya última parada es París, en donde leyendo citas del libro se topa increíblemente con Céline; la situación también está enmarcada por la premura del vuelo que debe tomar Jesse de vuelta a Estados Unidos y de nuevo desencadenan una serie de discusiones de todo tipo pero de nada en especial; Jesse le confiesa que sigue enamorado de ella y que él si estuvo en Viena a los seis meses como habían prometido; saca un anillo y le pide que se casen pero ella retira su mano y lo invita a tomar café; en la calma de su apartamento ella acepta casarse con él con una maravillosa frase antes de que el sol se oculte: “Baby … you are gonna miss that plane”.

Before Sunset se interna de nuevo y con frescura en la relación amorosa dentro de esta pareja, en esa serie de discusiones superficiales de este par de seres humanos comunes y corrientes, nada pretenciosas y súper honestas con los miedos y alegrías de su misma cotidianidad; yo las llamo las conversaciones de Pulp Fiction hechas comedia romántica; Before Sunset no sólo fue una idea maravillosa por brindarle nueva energía y nuevo combustible a la historia sino porque, al igual que sus conversaciones que se miden casi en tiempo real, su relato se interna diez años después y no hay necesidad de mayores ajustes en maquillajes o vestuarios, los personajes hablan por si mismos y de nuevo se sienten honestos con ellos y con nosotros.

La pieza esta vez concurso por el Oso de Oro en La Berlinale, mejor guión en los Oscar y también mejor guión guión en los Spirit, además de otros grandes reconocimientos del sector independiente.

Nuevamente en el 2013, después de nueve años, Richard Linklater, Ethan Hawke y Julie Delpy se reúnen en Grecia para redactar el guión de una nueva salida; mientras todo el mundo esperaba noticias de cuando empezarían el rodaje de su tercer capítulo, el trío sorpresivamente anuncia que no sólo el guión está listo sino que todo el rodaje se realizó en el Peloponeso. Una noticia que retumbó dentro de los fanáticos más fervientes de la historia.

La peli abre con un niño de diez u once años, que habla con Jesse y le confirma que este ha sido el mejor verano de su vida; Jesse se siente conmovido con las palabras de su hijo y lo aparta de la fila de emigración para tomarse un tiempo y despedirse con más fervor; en la conversación notamos que tiene problemas con su exesposa y de un sólo golpe, con un profundo escalofrío pensamos en Céline; Jesse se aleja del contador, ve como su hijo entrega sus papeles y se dirige a su destino; en un plano secuencia, Jesse sale del aeropuerto, busca su carro y vemos a Céline hablando por teléfono, un gran alivio se apodera de nosotros y sabemos que la historia de amor continúa, que tienen dos hermosas hijas y que están pasando vacaciones en Grecia.

El ritmo de las conversaciones es el mismo; el sentido y la esencia están intactos pero la historia explora las dificultades de estar enamorados, decidir continuar al lado de esa persona y enfrentar todas las nuevas vicisitudes que implica esa decisión. Richard Linklater, Ethan Hawke y Julie Delpy logran apartar su franquicia del género comercial romántico y le agregan verdadero drama, nos internan en aguas tenebrosas y profundas sin mucha esperanza de supervivencia. De pronto, la sinergia de sus capítulos anteriores le ayuda mucho pero Before Midnight es una gran pieza con tintes sublimes romance, drama y comedia que merece arrasar en el Gremio de Escritores, en los Spirit, en los Globo de Oro y de nuevo ser merecidos protagonistas en los Oscar.

Standard
Auteur, Comedy, David Gordon Green, Drama, Folk, Hollywood, Indie, Internet, Miguel Vaca, Movie, Romance, Storytelling, Vacacion

Prince Avalanche

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Esta peli sólo es definible como hermosa. Su música (Explosions in the Sky, David Wingo), sus encuadres, sus colores, su fotografía (Tim Orr), sus locaciones (Joshua Locy) son una exaltación de la sensibilidad y la conciencia de la belleza en la naturaleza. Podría ser clasificada como una road-movie pero no cumple con el principio de salir de su casa hacia una aventura por un camino aunque en su trayecto los personajes de Prince Avalanche si alcanzan un conocimiento superior y una enseñanza. Pueda ser que para algunos de nosotros sea extraño ver a David Gordon Green haciendo este tipo de piezas porque lo reconocemos por Pineapple Express, Your Highness o incluso Eastbound & Bound pero para sus fanáticos más fervientes, aquellos que lo acusaron de vendido y traidor al hacer precisamente este tipo de productos en Hollywood, no es para nada insólito que haya vuelto a sus raíces.

Entonces, aun sin poder verlas, hice mis averiguaciones y al parecer Snow Angels, Undertow o George Washington son unas cintas de un poder dramático increíble y que nada tienen que ver con las ya nombradas piezas de explotación que ha venido realizando.

Prince Avalanche es protagonizada por Paul Rudd y Emile Hirsch quienes interpretan a un par de trabajadores que pintan los separadores de una vía en Texas después de los famosos incendios forestales de 1987. Alvin (Rudd) es un hombre dedicado a su trabajo que abraza la soledad temporal que el oficio le provee para reflexionar sobre su existencia; es como él mismo dice un príncipe regocijándose en sus dominios; aunque es preciso que hay una diferencia clara, en cierta forma también se define como un hombre solitario que le escribe a su mujer, un fantasma del cual está profundamente enamorado, sólo para tratar de no volverse loco y poder seguir trabajando tranquilo; es tan seguro de si mismo como estricto y cree fervientemente que eso es lo que lo ha sacado adelante y así que le da trabajo a su cuñado Lance (Hirsch) para también ayudarlo, alejándose de las singularidades de su persona; Lance es inmaduro, inseguro y aventurero; su relación con las mujeres es enfermiza y las objetiviza sin conciencia del daño que les hace; el diario vivir de este par se vuelven “Las Aventuras de Alvin y Lance”, las aventuras quijotescas en el principado que ha creado Alvin para Lance con borrachos, fantasmas, amores platónicos y alcohol, «The Adventures of Prince Avalanche».

Más que un drama, Prince Avalanche es una comedia indie -¿recuerdan cuando hablamos de Celeste and Jesse Forever, de Seeking a Friend for the End of the World o Safety Not Guaranteed?-, con profundas reflexiones existenciales, con intensos tonos de dramatismo pero que auténticamente es simpática y graciosa; Prince Avalanche es capaz de conmover y hacernos reír mientras contemplamos la belleza de sus 90 minutos.

Corta, directa y exquisita, la última peli de David Gordon Green participó oficialmente en La Berlinale de este año donde ganó Oso de Plata a mejor director y estuvo nominada al Oso de Oro; sin duda una gran pieza que pone a Gordon Green de vuelta donde sus fanáticos lo reclamaron y que le abre camino a Joe, una historia ala Mud sobre un niño y un exconvicto que le ofrece un rol paterno poco ortodoxo.

Standard
Canadians, Emo, Exploitation, Folk, Indie, Internet, Kim Nguyen, Melodrama, Miguel Vaca, Movie, Storytelling, Vacacion, War, World

Rebelle

rebelle

Rachel Mwanza es Rebelle (o War Witch como se la conoce en inglés). Mwanza interpreta a Komona una niña que es sacada violentamente del cálido hogar de sus padres y debe asesinarlos para aliviarles el dolor de una muerte aún más trágica, mientras el resto de su aldea es saqueada y destruída; se une forzosamente al ejercito del Gran Tigre Real (Mizinga Mwinga) y gracias a las pesadillas que tiene con sus padres, un brujo la empieza a adoctrinar en los campos de la hechicería y la magia negra. Su vida es sólo perdonada mientras sus predicciones le funcionen al Gran Tigre Real pero sólo hasta que alguna de ellas le falle a la causa de su insurgencia.

Kim Nguyen nos trae una historia inteligentemente anacrónica y sin claras referencias geográficas. No soy erúdito de la geografía africana, en absoluto, pero gracias a las noticias -y pelis- de Uganda, Nigeria, Sudán del Sur o incluso Zimbabue podríamos afirmar que Rebelle se ubica en alguna parte al sur del Sahara, en la Africa Central o incluso más meridional. Las referencias a esta subversión se vuelven míticas cuando se mezclan los movimientos de las guerrillas de Mogadishu, las doctrinas de Koni al sur del Sudán o el horrendo accionar de Idi Amin en Uganda. La historia se vuelve argumental gracias a la narración de Komona que nos cuenta como en dos años pasa de ser una niña, a una rebelde, embarazada, viuda y de un destino destrozado; no hay una aparente esperanza y tal vez las referencias anacrónicas o la falta de mayor puntualidad geográfica se debe precisamente a que esta niña es analfabeta y su poca conciencia no le permiten analizar el conflicto con una mejor perspectiva.

Kim Nguyen llega haciendo mucho ruido con Rebelle al lograr nominaciones en prestigiosos círculos como los Spirit, Sitges, Tribeca e incluso los Oscar pero no termina de convencer.

Al final, la fotografía es muy bonita, el drama de Komona da frutos en La Berlinale y logra un merecidísimo Oso de Plata para Rachel Mwanza pero en este tipo de piezas es muy complicado armar este tipo de imaginarios y ser planos en la crítica socio-política de contexto. Su historia se torna melodramática y su éxito se siente politizado. El uso de actores naturales da un gran impulso pero Rebelle parece una historia bonita, sencilla y con un gran interés para captar premiaciones; se siente una agenda interna y no es muy agradable; Nguyen quiere hacernos sentir lástima de Komona sin construir algo alrededor.

Standard
Auteur, Christian Petzold, Drama, Epochal, Folk, Indie, Miguel Vaca, Movie, Neues Deutsches Kino, Vacacion, World

Barbara

Barbara

Barbara es una peli sencilla, muy alemana y ganadora del Oso de Plata en La Berlinale del año pasado otorgado a Christian Petzold por su destacado desempeño en la dirección de la pieza.

Barbara empieza descaradamente en seco y en medio de la nada, con la historia de una mujer fumando un cigarrillo. El espectador tiene que, de inmediato, empezar a atar cabos para entender que esa mujer se llama Barbara, es alemana, recién se instala en su apartamento y es doctora. Después finalmente nos empieza a llegar información más clara y empezamos a armar el trasfondo de Barbara que es dedicada en su trabajo, tiene una sensibilidad especial para tratar a sus pacientes, no le cae muy bien su casera -pero no es que sea la mujer más agradable y feliz- y además, tal vez lo más importante, su historia se ve contextualizada a finales de los 70’s o principios de los 80’s.

¿Qué debe hacer de nuevo, el espectador? La siguiente tarea es ubicarse en ese entorno y revisar el ambiente geopolítico de Alemania: El muro no ha sido tumbado, somos protagonistas posiblemente de una historia en la República Democrática de Alemania y sus personajes experimentan las limitaciones del régimen del este.

Todo empieza a tener más lógica. Aparecen las Stasi, el mercado negro, las encuentros furtivos en el campo limítrofe con la frontera de la Alemania Federal, las referencias a Berlín y su muro. Barbara primero muy introvertida, parece que ha tomado confianza frente a nosotros y ahora sonríe. Parece disfrutar su trabajo y crea empatía fácilmente con su jefe directo y sus pacientes.

Si de alguna forma se puede definir esta pieza, creo que podría ser a través de una sola palabra y sería: sutil. Petzold se toma todo su tiempo para levemente irnos darnos información sobre el personaje central, su contexto y sus relaciones interpersonales. Además Petzold, de la mano de Hans Fromm, suavemente describe la austera Alemania Democrática perspicazmente describiendo cada momento pero sutilmente criticando cada aspecto del modus vivendi de las personas en ese justo instante. Aunque la narración es áspera, seca y astringente, Petzold que también es el encargado del guión, nos deja entrever una pequeña fragilidad en el carácter de Barbara que aporta la proporción justa del dilema en el nudo y el desenlace de su historia. Tal vez lo que más me gustó es el delicado desarrollo de los personajes. Nina Hoss interpreta a Barbara, una mujer sobria, en la mitad de sus treintas, contemplativa, reflexiva y siempre muy bien peinada con el pelo recogido en una moña detrás de la cabeza; las Stassi la despeinan, la desnudan, la alteran; su defensa se va amainando y a medida que avanza la historia, no sólo sonríe y es simpática, somos testigos de su humanidad, de su vulnerabilidad y la vemos despeinarse. Por su parte, Ronald Zehrfeld interpreta a André Reiser, el jefe directo de Barbara que sueña con descifrar el enigma de esta mujer; le muestra sus logros en sus pacientes, los alcances en su laboratorio, le habla de literatura interesante, le cuenta las desgracias de su pasado y de cómo tampoco llegó a tener una sólida carrera en La Charité -un prestigioso hospital donde los grandes doctores hacen carrera e investigación-; la mejor forma que encontré para definir a André fue la de un oso, corpulento, noble, feroz y defensor de sus crias; al final su actuación se ve glorificada con los dos últimos planos de la cinta, que definitivamente pagan la boleta.

¡Barbara es bárbara!
Una pieza genial del nuevo cine alemán que no se aleja de su fundamentación en el neo-expresionismo, sino que por el contrario parece refrescarlo y recrearlo muy bien para hacerlo contemporáneo. Barbara se encuentra ahora mismo en cartelera y creo que es imperdible.

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Actor, Africaans, Aussies, Auteur, Awards, Biopic, Bollywood, Brit, Canadians, Cine de España, Comedy, Czech Kino, Den Danske Film, Drama, Русское Kино, Emo, Folk, French Cinema, Indie, Ελληνικό Κινηματογράφο, 한국영화, Latin, Melodrama, Miguel Vaca, Nederlandse Bioskoop, Neues Deutsches Kino, New Zealand Cinema, Norsk Kino, Nuovo Cinema Italiano, Polskie Kino, Romance, Srpskog Filma, Storytelling, Suspense, Svensk Film, Vacacion, World, 映画館, 中国戏院, הקולנוע הישראלי

Berlinale 2013

por Diego Taborda

Mientras ayer se entregaron los Osos en La querida Berlinale, esta noche aguardamos por los premios del último gremio de Hollywood. Felicitaciones a las tres pelis colombianas que lograron llegar hasta Berlín a concursar 😉

Goldener Bär para mejor película

  • Poziţia Copilului de Călin Peter Netzer

Silbener Bär Grand Prix de jurado

  • Epizoda u životu berača željeza de Danis Tanović

Silbener Bär mejor director

  • David Gordon Green por Prince Avalanche

Silbener Bär mejor actriz

  • Paulina García por Gloria de Sebastián Lelio

Silbener Bär mejor actor

  • Nazif Mujić por Epizoda u životu berača željeza de Danis Tanović

Silbener Bär mejor guión

  • Jafar Panahi por Pardé de Jafar Panahi y Kamboziya Partovi

Silbener Bär mejor logro artístico

  • Premio para mejor cámara a Aziz Zhambakiyev por Uroki Garmonii de Emir Baigazin

Alfred Bauer Prize

  • Premio concedido en memoria del fundador de El Festival por un trabajo de particular innovación a Denis Côté por Vic+Flo ont vu un ours
Standard
Biopic, Comedy, Documentary, Exploitation, Folk, Hollywood, Indie, Melodrama, Miguel Vaca, Movie, Richard Linklater, Vacacion

Bernie

Esta, Bernie es una peli extraña del director Richard Linklater, realizada en 2011. Linklater no es un director que se caracterice por los estereotipos así sea el autor y realizador de una de las pocas franquicias de comedias románticas que conozcamos, Before Sunrise en 1995, Before Sunset en 2004 y la tercera parte que imaginamos sabemos está cocinando en su mente aún sin título. Le gusta escribir y dirigir pero por ejemplo en 2001 desarrolló una técnica de rotoscopia para filmar su pieza existencialista Waking Life y después en 2006 para A Scanner Darkly junto a Bob Sabiston mejoró la técnica con Rotoshop, un programa de edición gráfica de video que en tiempo real crea la rotoscopia.

Es contestario como por ejemplo cuando llevó al cine la trama de Fast Food Nation basado en la exitosa novela del periodista Eric Schlosser o puede ser muy comercial y divertido como por ejemplo con el clásico instantáneo The School of Rock escrita por Mike White y protagonizada por Jack Black. Pero nunca me imaginé un formato tan extraño para hacer una biopic como Bernie.

Skip Hollandsworth, periodista de la revista Texas Monthly, escribió la crónica “Midnight in the Garden of East Texas” que relata y describe los eventos alrededor del asesinato de la octagenaria y millonaria Marjorie Nugent a manos de su compañero Bernhardt Tiede en Carthage, Texas. Linklater como buen texano quiso llevar esta historia al cine y convenció a Hollandsworth para que le ayudara a escribir el guión.

Pero ¿qué le podría interesar a Linklater en una biopic de un caso relativamente ordinario de asesinato? Por un lado la historia. Bernie, como lo conocía la gente de Carthage, era el director y trabajador de la funeraria del pueblo, era director del coro de la iglesia y hacía muchas labores de servicio comunitario que termnaron por robarle el corazón a cada uno de sus vecinos que lo adoraron incluso hasta el momento del asesinato. Llegado el momento en que fue descubierto, nunca negó los hechos, por el contrario, colaboró en todo lo posible y estaba dispuesto a recibir su castigo en un juicio justo. Lo raro es que el fiscal dedujo que su vecindario estaba tan viciado y era tan poco objetivo que transladó el juicio a otra ciudad, una actitud poco convencional que terminó con la condena a cadena perpetua que recibió finalmente Tiede.

Los eventos y circunstancias llevaron a Linklater y Hollandsworth a elaborar un guión de esta historia particular a manera de mocudrama. Es decir, una especie de documental tragicómico. Su protagonista sería de nuevo Jack Black como Bernie, Shirley MacLaine como la señora Nugent y Matthew McConaughey como el fiscal del distrito. Un formato peculiar que provee una narración divertida y que pone en duda si los eventos ocurridos realmente ocurrieron o es otra forzada comedia de Black. El punto realmente ingenioso es el uso de algunos actores naturales para representar el pueblo de Carthage que caracterizan muy bien la idiosincracia texana.

El ganador del Oso de Plata en la Berlinale, esta vez no cosechó ningún premio o reconocimiento pero el formato mismo bien valdría la pena su revisión.

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Auteur, Brothers, Comedy, Drama, Emo, Folk, Hollywood, Indie, Jay Duplass, Mark Duplass, Miguel Vaca, Movie, Road Movie, Romance, Storytelling, Vacacion

Jeff, Who Lives at Home

Jay Duplass y Mark Duplass son un par de jóvenes realizadores norteamericanos que se han venido abriendo camino a punta de cortometrajes premiados por la crítica independiente. Han participado en Sundance, han sido reconocidos en los Spirit, ganaron un Oso de Plata y un Teddy en La Berlinale de 2005 por su corto The Intervention -que incluso los nominó a Oso de Oro en esa misma ocasión-.

Con Jason Segel y Ed Helms como protagonistas, Judy Greer como personaje de apoyo lo mínimo que uno puede suponer de Jeff, Who Lives at Home es que sea una comedia física del corte de Judd Apatow. Sabemos que Susan Sarandon se presta tanto para el drama como para cierto tipo de parodias entonces uno no se espera un drama indie como el que proponen los realizadores.

Al hablar de cine independiente, o siendo más precisos de drama en el cine independiente, no se puede clasificar categóricamente las pelis. Mientras en Hollywood si uno asiste a una comedia, de principio a fin le estarán botando chistes y chistes sin pausa, habrá algunos momentos románticos, algunas pausas y momentos de reflexión pero siempre la tónica es el chiste por el chiste. No es una queja. A veces mi única finalidad en una silla de una sala cualquiera es sentarme a reír, como quise hacer en 21 Jump Street o The Hangover. Lo mismo sucede con los thrillers, los dramas o los cintas de acción, Hollywood es suficientemente cuadrado como para que todas sus piezas se puedan poner en un anaquel perfectamente etiquetadas. En el cine independiente, por el contrario, se vive la vida naturalmente, si hay un drama aunque puede ser profundo y desgarrador pero puede coexistir con numerosos momentos cómicos que terminan siendo súper conmovedores y no por eso la cinta se vuelve una comedia. De la otra forma funciona igual, y sus comedias tienen tintes dramáticos con el desarrollo de sus personajes o la definición de las relaciones de estos dentro de un contexto. Sin dar muchos más rodeos, una cinta independiente tiene personajes reales que sufren, ríen y lloran como cualquiera de nosotros. Casi que para poder clasificarlas nos toca como el pobre señor Crick en Stranger Than Fiction quien con su libretica anota sus victorias y derrotas para determinar si una historia es una comedia o una tragedia. Sin embargo el truco no es infalible ya que a veces en las comedias independientes el protagonista como un ser humano real que es puede morir al final sin alterar el valor de la obra.

Para mi, esta peli es una «road movie» que nos cuenta como Jeff, Jason Segel, impresionado por Signs de M. Night Shyamalan emprende una aventura buscando a Kevin, resultado de una llamada equivocada. Los Duplass nos muestran un hombre de mediana edad, recluído en su sofa, sin ninguna aspiración personal, apenas bañado y vestido que se la pasa viendo TV. Una perfecta definición de un vago que levanta el teléfono y al escuchar Kevin decide de modo «shyamalanesco» definir ese día basado en ese objetivo de búsqueda. Ed Helms su hermano más centrado, con un negocio entremanos y un matrimonio aparentemente estable con Judy Greer parece que lee perfectamente a Jeff y está harto de tener que cuidar de él. El planteamiento termina con la aparición y conjugación de Susan Sarandon como la madre sobreprotectora que está cansada de ver cómo su hijo es un echado a perder que no es capaz siquiera de hacer bien un mandado. Encarga a Helms que lo supervise en una tarea simple que saben no puede realizar solo.

La trama se desarrolla tranquila y pausadamente. Agregando cada vez más información a cada una de las relaciones hasta que vamos sorprendiéndonos con cada eventualidad que se viene desarrollando. Me parece que la comedia desarrolla un drama delicado y muy sofisticado. No es un tema de grandes actuaciones sino de momentos muy bien narrados. La música es promedio, la fotografía y cámaras son promedio, el montaje propone una historia lineal sencilla pero la historia es genial. Sus ritmos, figuras y desarrollos desenvuelven un final perfecto y aunque la peli no ganó o fue reconocida en ningún festival o alguna ceremonia, como otras predecesoras de los hermanos Duplass, esta definitivamente es una cinta para no perderse y disfrutar.

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Asghar Farhadi, Drama, Folk, Indie, Miguel Vaca, Movie, Vacacion, World, الفيلم الإيراني

Jodaeiye Nader az Simin


Jodaeiye Nader az Simin es una de esas pelis locas que ganó todo a nivel independiente. En la Berlinale por ejemplo mejor actor, mejor actriz y mejor película, también en los Spirits, el círculo independiente de Nueva York, Los Angeles, Melbourne, Chicago, Césares, San Sebastián, British Independent’s, Sydney incluso Globos de Oro y Oscar.

Podría uno pensar que tantos premios y tantos reconocimientos hacen de la cinta una pieza promedio, ya lo hemos visto antes, pero lejos está de serlo. Una gran historia que se desarrolla muy calmadamente, sin pretenciones, sin efectos de cámara, sin música en absoluto, en el centro un gran drama y alrededor unas actuaciones impresionantes. Todo pareciera definir una pieza de Dogma 95. Asghar Farhadi, su director es un gran alumno de Thomas Vinterberg o Lars Von Trier quienes podrían estar muy orgullosos de su legado en tierras asiáticas.

Simin (Leila Hatami) es una mujer que se presenta frente a un tribunal iraní para separarse de su marido, Nader (Peyman Moadi). Quiere irse del país y le ruega al juez que le de la custodia de su hija, Termeh. Cautelosa por estar en una posición desventajosa trata de explicarle al juez que no hay mucho tiempo pues su visa está por vencer, que la única excusa de su marido es cuidar a un padre que tiene Alzheimer y no puede siquiera reconocerlo. La ley dice que el hombre debe tomar esa decisión, no un juez, lo cual pone en aprietos a Simin pues su esposo no le da el derecho de llevarse su hija fuera del país.

Firman la sentencia de separación y tratan de avanzar en sus vidas tratando de solucionar qué hacer con Termeh pero los infortunios de ese mundo los llevan a explorar todas las vicisitudes de la religión, la sociedad árabe y porqué no, el mismo amor. De tribunal en tribunal, Farhadi, su escritor director, nos va mostrando pasmosamente y con una deliberada agudeza cada una de las capas que conforman la cultura iraní. Los factores van apareciendo uno a uno, las cargas morales y éticas van desarrollando los personajes y al final, en un espléndido movimiento finaliza la obra sin tomar partido pero con todas las cartas muy bien jugadas. Un perfecto ejemplo de planteamiento, nudo y desenlace. Los créditos aparecen y una profunda orquestación ausente completamente en la cinta llena la sala y nos deja boquiabiertos sedientos de conversar y discernir sobre lo que ha sucedido frente a nuestros ojos.

Un clásico instantáneo y una obra maestra que tiene muy merecido todos sus premios y reconocimientos.

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Auteur, Drama, Indie, Miguel Vaca, Polskie Kino, Roman Polanski, Suspense, Thriller, Trailer, Vacacion, World

Carnage

El verdadero maestro del thriller y el suspenso vivo, en el mundo, se llama Roman Polanski. Mientras algunos autores se han volcado infructuosamente a este género tal vez por la renovación, la reinvención o la experimentación, Polanski ha hecho de este género su sello y su forma de hacer cine. En algunos casos hay humor (negro y mordaz), en otros hay un poco de romance pero siempre los violines, las violas y los chelos nos llevan a una intriga profunda que termina desencadenando un final inesperado. Me encanta el cine Polanski. Me encantan sus pelis viejas como sus nuevas. Muchas de ellas me tocaron en video pero el autor sigue haciendo cine y por lo mismo he sido afortunado de verlo en salas.

Su último trabajo, The Ghost Writer, ganó Oso de Plata como mejor director y estuvo nominado a Oso de Oro en La Berlinale del año pasado, estuvo nominado a los César, arrasó en los European, ganó además Londres, Los Angeles, entre otros. Carnage no es la diferencia, es un drama inquietante de dos parejas de casados, cuatro personajes atrapados en los rituales de etiqueta de una reunión social que alentados por la charla, los prejuicios y el exceso de alcohol desatan sus sentimientos sin control.

La peli ya empezó a recolectar premios y reconocimientos en la reciente muestra de la Biennale de este año fue nominado al León de Oro y ya ganó El pequeño León de Oro. El reparto es impresionante (tres ganadores del Oscar y un nominado) seguramente no pasará desapercibido. Las buenas noticias es que se espera su llegada a salas colombianas en diciembre de este año.

Jodie Foster (Penelope Longstreet)
Kate Winslet (Nancy Cowan)
Christoph Waltz (Alan Cowan)
John C. Reilly (Michael Longstreet)

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