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Transformers: Age of Extinction

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El mundial, mi hija, el trabajo, todo se había interpuesto entre mi pasión favorita y mis posibilidades de escribir sobre ella. Estoy profundamente atrasado pero espero poder adelantarme poco a poco. Una gran motivación puede ser la celebración de cinco años de estar escribiendo, casi, ininterrumpidamente. A ustedes, gracias por tenerme paciencia, tomarse el tiempo de leer estas líneas desordenadas y atreverse a dejar un comentario sobre sus propias experiencias… Ah! Que no se me olvide #eraGolDeYepes

Aunque aún me falta por escribir sobre The Lego Movie, Bad Grandpa o Muppets Most Wanted, empezaré por uno de los poderosos taquilleros de este verano, Transformers: Age of Extinction de Michael Bay.

Más allá de Transformers, Shia LaBeouf como héroe o a pesar del mismísimo Michael Bay, la franquicia de Paramount y Hasbro había logrado la no despreciable suma de dos mil setecientos millones de dólares recolectados mundialmente, hasta la fecha. Ni las pésimas críticas, ni las pésimas actuaciones lograron minar la confianza de la pésima dirección de Bay en esta serie de ciento por ciento explotación; incluso sus efectos fueron meritorios de nominación en toda la sección técnica de los Oscar. La verdad, tarde que temprano, y sin mucha sorpresa, se nos avecinaba una cuarta exposición de peleas de gigantes robots destruyendo de nuevo Chicago y, de nuevo, en honor a la verdad Bay logró desarrollar un relanzamiento de la historia apuntándole a un éxito taquillero impresionante, que ya suma 900 millones de dólares alrededor del mundo.

Esta vez ‘Marky MarkWahlberg es el encargado de llevar el liderazgo de la cinta de acción como un padre de familia en Texas, desesperado por sacar adelante a su hija mediante su taller de eléctricos y robótica. En su afán por buscar materia prima se topa con un autobot, Optimus Prime, que encuentra abandonado, casi destruido y olvidado bajo capas de polvo causadas por batallas de otrora. Wahlberg se involucra con la causa del autobot y persiste hasta poder encontrar la fuerza maligna del gobierno que está destruyendo tanto decepticons como autobots, a diestra y siniestra.

La peli obviamente está cargada de mucha acción, buen humor pero sobre todo una mejor química entre Wahlberg y el público –100 puntos a Michael Bay por liberarse de Shia LaBeouf que hacía menos que creíble su historia ridícula–. Como decía anteriormente, es un relanzamiento de la franquicia, no obstante no vuelve a los orígenes de la narración para poder justificarla y logra su cometido en un capítulo donde pasamos la hoja con la anterior trilogía y nos preparamos para otra, ojalá completamente diferente. No es una gran cinta de todas formas; uno se divierte hasta donde Bay se lo permite; los lugares comunes, los giros ridículos y la explotación desmesurada de todos los clichés siguen presentes pero logra adaptarse para construir algo mejor. La disculpa de este episodio es la aparición de Galvatron como fuerza antagónica y el adiestramiento de los dinobots como nuevos refuerzos de los autobots pero no le alcanzó el tiempo para desarrollar mejor estos personajes y son incluidos dentro de la trama con un forcejeo realmente desagradable.

Wahlberg ya había trabajado con Michael Bay en Pain & Gain, en un estilo completamente diferente del director, sin embargo le permitió conocer a Wahlberg e imaginárselo como el nuevo héroe de esta serie de ciencia ficción, melodrama y mucha serie B.

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All Is Lost

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No importa el nombre del marinero, no importa su historia, ni porqué llegó hasta ese punto en medio del Océano Índico, tan sólo sabemos que un día cualquiera, este hombre despierta de un profundo sueño y su bote-barco-yate está gravemente averiado por un contenedor de zapaticos, que a la deriva, ha dado contra el casco de la nave, lo ha fracturado de gravedad y el agua empieza a colarse por el gran hueco que el accidente ha ocasionado.

Si estuviéramos en una sala de cine, y el hombre que despierta de su siesta es Jason Statham o Tom Hanks o Bruce Willis o incluso Harrison Ford, sabemos de corazón que algo va a suceder y su heroismo saldrá a flote para salvarse el pellejo; cuando en realidad lo que vemos es que Robert Redford, no Sundance Kid -que recientemente pude ver en Netflix– sino el octogenario visiblemente muy cansado, es el que se despierta y hunde sus pies en el agua para darse cuenta de la calamidad uno se preocupa, y bastante.

Recordamos a J.C. Chandor por ser el director del excelente thriller Margin Call, aquel revoltijo financiero lleno de intrigas y majestuosos hijos de puta que lo llevó a una nominación al Oscar además de Berlinales, Nuevayores y Torontos; Margin Call es una gran cinta y marcó su establecimiento en la industria independiente del cine a sus escasos 40 años. Su paso a dirigir a Robert Redford, en esta All Is Lost, no parece tan desquiciada después de todo; haber trabajado con Stanley Tucci, Demi Moore, Jeremy Irons y Kevin Spacey, haber logrado sido reconocido como un gran director y mantenerse a flote dentro de la industria independiente fueron casi que requisitos en estricto orden para que Redford aceptara volver a estar frente de una cámara después de casi cinco años de relativa inactividad.

En All Is Lost, no hay más personajes sino el coraje de este hombre y su profunda convicción de no desfallecer. Pero la cinta empieza con un discurso desolador que torpedea nuestras ilusiones y esperanzas en nuestro héroe. All Is Lost es una epopeya, con un clásico titán, galán y semidiós que se enfrenta a la furia de los dioses sin mayor razón que su propio entretenimiento. El giro, repetimos es que el héroe no tiene 20, 30 o 40 años; su avanzada edad y la forma en cómo resuelve los retos y los debacles son de profunda admiración; cuánto debe sufrir un hombre optimista para perder toda su fe.

Yo acostumbro a ver este tipo de cintas para aprender cosas que le sirvan a uno en situaciones de profundo estrés, no necesariamente parecidas; gracias a The Edge, The Grey o incluso mucho más atrás en las aventuras de Robert Louis Stevenson o Julio Verne, estas experiencias me ayudan a mantener la calma, a pensar con cabeza fría y me hacen un hombre pausado en situaciones críticas; no sabría decirles porqué uno debería ir a ver una cinta de estas; donde todo es angustia, desesperación y frustración; donde no hay diálogos ni otros personajes durante todo el relato; donde si uno se mete en los zapatos del protagonista ciertamente se da cuenta que uno al minuto 20 o al minuto 40 ya se hubiera rendido. Claramente, yo no hubiera llevado libros complementarios para navegar, a la muerte de todos mis dispositivos estaría más que perdido y sobre todo, en mi profunda negligencia, no tendría todos los gallos necesarios que hacen que Redford no desfallezca en el primer totazo que recibe en la cabeza -eso si estamos de acuerdo que un buen trago de Whisky nos hace pensar mejor 😳 -.

La cinta revela un poco sus trucos de imaginería computarizada, es de ritmo lento y de una fotografía no muy agradable pero esa narración, esas desoladoras imágenes y la devastadora transformación del personaje principal hacen esta pieza muy destacable; aún se le escapa a Chandor espacios de reconocimiento en Sundance pero innegablemente es un excelente director de actores, All Is Lost lo demuestra con creces y es una de las favoritas en los Spirits con cuatro nominaciones. Pongámonos a pensar por un instante, de la misma forma en que el realizador lo hizo, en que una de las rúbricas de Robert Redford es su voz, gastada por los años y fermentada por la amplia experiencia en su carrera cinematográfica; qué pasaría si apartáramos del actor esta herramienta, cómo haría para desenvolverse si tiene todo menos este elemento fundamental; en All Is Lost apenas si se escucha al inicio de la cinta un par de líneas de narración, toda su actuación se vuelve un tema de gesticulación, expresión corporal y toda clase de gruñidos varios; el hecho de que con esta limitante hayamos entrado en el juego de simpatizar con su experiencia es razón más que suficiente para justificar las nominaciones de Redford como mejor actor en los Globo de Oro, Chicago y los Spirit;

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The Hunger Games: Catching Fire

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No soy fanático de la serie y tampoco he leído el libro de Suzanne Collins. Me limito a hacer mi apreciación sólo desde el punto de vista del espectador que va a cine a ver The Hunger Games: Catching Fire.

El encargado de dirigir esta pieza es Francis Lawrence que remplaza a Gary Ross gran triunfador del segmento melodramático juvenil, al vencer con su pieza casi toda la franquicia de Twilight. Se desconoce porque Lionsgate no continuó el proceso con Ross, ya que el casi inexperto director con un presupuesto de 78 millones logró 691 millones de taquilla (408 millones de ellos tan sólo en Estados Unidos); de pronto ahí está la respuesta y en un acto de justicia el realizador quiso negociar su posición y el estudio no lo vió con buenos ojos. Sea como sea, es así como, Francis Lawrence llega a dirigir Catching Fire y, no obstante, en una semana ya alcanzó los 572 millones siendo la gran candidata a destronar a Iron Man 3 como la reina del 2013 -esperando claro está The Hobbit: The Desolation of Smaug-; a diferencia de Ross, Lawrence ya firmó con el estudio Mockingjay, la resolución de la saga, y estos a su vez previendo la aceptación de la fanaticada la extendieron a dos partes que estaremos viendo en 2014 y 2015.

Sin entrar en la discusión de si The Hunger Games se parece a Battle Royale, de nuevo, al no haber leído el libro pueda ser que la introducción en este capítulo de la historia sea muy acertada y fiel al texto, pero mi punto es que en una pieza de dos horas y media dedicar tres quintas partes sólo al planteamiento, es un desperdicio, un desconocimiento del medio y de la herramienta. Esto hace que la peli sea una historia aburrida, de una angustiante lentitud y lo peor de todo sin un mayor propósito. Si, es interesante ver cómo se translada lo más exacto posible el material de una novela a una pieza cinematográfica y, que en esa acción, la descripción literaria amplíe el espectro, no en uno sino en tres o cuatro episodios; sin embargo si uno de esos capítulos requiere de menos duración, nadie -creería yo- que va a juzgar a Lionsgate si decide que uno de ellos dure sólo una hora y media.

Definitivamente, el realizador austriaco después de Constantine -que sin negar que es una cinta de explotación- se vendió al melodrama y después de hacer Water for Elephants (cinta basada en una novela de la mismísima Stephenie Meyer) terminó redondiando su protafolio con tres piezas del mismo calibre. No vale la pena entonces hablar del desperdicio de tener como protagonista a Jennifer Lawrence; o un reparto excelente con Donald Sutherland, Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Philip Seymour Hoffman, Jeffrey Wright, Toby Jones o Amanda Plummer; tampoco vale la pena decir que Josh Hutcherson personifica el rol más inútil en una historia reciente; The Hunger Games: Catching Fire es el orgullo de Hollywood y su mejor producto por estos días.

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Margin Call

Esta es otra nueva historia de Hollywood sobre la crisis de la primera década de 2000 en Estados Unidos, esta vez a la cabeza de Zachary Quinto como productor-protagonista y un reparto de lujo encabezado por Kevin Spacey, Paul Bettany, Jeremy Irons, Stanley Tucci y la reaparición de Demi Moore.

Ganó Spirit como mejor ópera prima y mejor reparto, además de varias nominaciones como ópera prima en Toronto y Ohio o mejor guión en La Academia de Hollywood.

Aunque Margin Call es una excelente pieza cinematográfica que refleja otra arista de la desfachatez en la toma de decisiones de la gente de poder en Wall Street y que demuestra que la forma de resolver sus problemas es aún más abominable, lo más grave es que Estados Unidos es experto en bajarle el calibre a la situación saturando el tema en los medios de comunicación y llenando de apatía al ciudadano del común.

¿De qué nos sirve ser conscientes de la verdad en Zeitgeist, Inside Job o incluso Too Big to Fail?

Margin Call logra el reconocimiento en los círculos especializados y así en los medios de comunicación como estas dos últimas piezas cinematográficas pero al final el objetivo y la crítica es la misma que Casino Jack and the United States of Money. Wall Street se zafó hace rato de la responsabilidad y por ahora es una gran anécdota. Lo peor es que nuestros dirigentes ya lo están aprendiendo y el descaro, como hemos visto en los últimos titulares, está llegando a niveles agobiantes y súper preocupantes.

Margin Call es una gran cinta argumental, con un reparto excelente y una narrativa intrigante. Estuvo en salas de proyección (sorprendentemente). Su escritor y director J.C. Chandor no sólo se llevó en muchas ocasiones ovaciones por su factura y su guión, se catapultó inmediatamente como una figura de renombre en la industria.

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The Hunger Games

Anunciaron The Hunger Games como la mejor peli de ciencia ficción desde Matrix.

Con esa frase ya empezaron muy mal.

Primero porque es demasiado ligera la aseveración de que Matrix esté en esa posición en la categoría de ciencia ficción -dónde queda Blade Runner, Alien, Moon o más recientemente incluso Another Earth-. Siendo muy divertida, siendo muy interesante, tengo varias quejas sobre Matrix que no vale la pena explorar en este momento pero segura y definitivamente puedo afirmar que The Hunger Games no está ni cerca de estar en los tobillos de ella.

El segundo error es afirmar que The Hunger Games es una peli de ciencia ficción. El hecho de ubicar una historia en el futuro no la hace de ciencia ficción per se. Hemos discutido el tema varias veces en el blog y sabemos que es mucho más que eso. The Hunger Games es una peli de quinceañeros, muy comercial y del género clarísimo de explotación. Hubieran sido más claros en ese sentido y creo que les hubiera ido mejor. Llegué obviamente muy incrédulo y la peli no llenó mis espectativas en absoluto.

Gary Ross es un escritor comercial de Hollywood acostumbrado a pelis emocionales, unas muy chéveres como Big, otras bodrios tenaces como Seabiscuit, pero es consciente de su puesto en la industria. Su principal problema es que le tocó salir con esta cinta en un año de mucha competencia, donde los grandes proyectos comerciales amenazan con aniquilar a sus contendientes ferozmente. Ese es el verdadero «juego del hambre». The Dark Knight Rises, Sky Fall, The Avengers o recientemente tomando la delantera Prometheus son pelis que la industria espera ver como grandes recogedores de taquilla, un paso en falso y cualquiera de ellas puede salir gravemente lastimada. The Hunger Games sencillamente está pescando en río revuelto y por ahora le está yendo muy bien, tal vez incluso asegure un par de secuelas más.

La historia se centra en un desvalido tratando de sobrevivir, una niña que viene de un pueblo minero que debe pelear por su gente y brilla como un diamante en bruto ante todas las adversidades. Por todos lados la historia rechina en clichés, momentos súper predecibles y un meloso triángulo de amor bastante forzado. Entendemos que actores como Stanley Tucci, Donald Sutterland y Jennifer Lawrence deban comer pero esta pieza es despreciablemente muy comercial para que la hayan aceptado sin que pudieran siquiera haber criticado el guión.

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Captain America: The First Avenger

Sería tapar el sol con las manos si uno en este momento no quisiera hacer una entrada del Capitán América. Lo digo porque a pesar de Transformers III o el final de Harry Potter el cine comercial está girando esta semana frente a los cortos de los que se avecinan son los rompe-taquillas más esperados. Uno es The Amazing Spider-Man, el otro es The Dark Knight Rises y el otro es Captain America: The First Avenger. Creo que con el paso del tiempo le he venido cogiendo cariño a esta producción, ya en este momento hasta quiero verla (por lo menos se ve mucho mejor que The Green Lantern).

No sólo el corto es bien divertido, esta peli marca el inicio de la mega franquicia más grande de Marvel y el puñetazo más duro de esta casa editorial a su archienemiga la DC Comics, The Avengers. Mientras la DC arma sus historias en ciudades irreales como Gotham o Metropolis, Marvel desde el inicio pensó en sus súper-héroes con una referencia local, generalmente, Nueva York. A primera vista, se pensaría que no estamos hablando de cosas demasiado importantes pero cuando Stan Lee (creador de la mayoría de historias de Marvel) se puso a pensar que si él estaba escribiendo algo de los X-Men, y la anterior semana algo de Spider-Man porqué la próxima semana ¿no un encuentro? Resultó ser que esa inquietud puso a tambalear a DC durante mucho tiempo hasta que lograron desarrollar Kingdom Come o el reciente DC Universe que siendo plataformas irreales son las salvaciones de la estocada mortal clavada por Lee y su gente.

El Capitán América, simbolo yanqui por excelencia, valuarte de la segunda guerra mundial, líder de los aliados contra las fuerzas nazis de Hitler, curiosamente es el súper-héroe peor tratado en las producciones a las que se ha encargado. Este y Los 4 Fantásticos definieron las burlas de la serie B y los peores fracasos de Marvel tratando de producir pelis que superaran a Superman de Richard Donner. Si tienen tiempo deberían buscarlos son realmente divertidos.

Para no alargar demasiado esta entrada, los efectos especiales, los fundamentos establecidos por Iron Man, Thor y The Incredible Hulk prometen una serie importante de pelis donde la industria tiene mucha tela para recortar. Lo único que me pone a dudar de esta primera edición es Joe Johnston su director, un director que cuya previa producción es el descalabro de The Wolfman pero como en todo, habrá que darle una segunda oportunidad.

Chris Evans (Captain America / Steve Rogers)
Hayley Atwell (Peggy Carter)
Sebastian Stan (James Buchanan ‘Bucky’ Barnes)
Tommy Lee Jones (Colonel Chester Phillips)
Hugo Weaving (Johann Schmidt / Red Skull)
Dominic Cooper (Howard Stark)
Stanley Tucci (Dr. Abraham Erskine)
Samuel L. Jackson (Nick Fury)

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The Lovely Bones

The Lovely Bones me recuerda What Dreams May Come de Vincent Ward en 1998, una peli protagonizada por Robin Williams y Cuba Gooding Jr., que se ganó Oscar por efectos especiales y fue nominado Eugenio Zanetti por logros en dirección de arte. Una peli que recuerdo como un perfecto producto hollywoodense que estaba medianamente bien lograda, perfecta para dominguiar. Efectivamente los efectos especiales y la dirección de arte se robaban todo el espectáculo pero Williams y Annabella Sciorra lograron desarrollar lo suficiente sus personajes y la historia para que hoy en día esa peli sea de alguna forma destacada.

Peter Jackson nos trae un claro ejemplo de lo que le encanta a Hollywood, exprimir y exprimir una idea hasta que se logre lo más insípido posible y después poder seguir adelante con cosas más interesantes, de pronto al tema de la muerte y sus lugares intermedios le hace falta aún par de capítulos más pero creo están llegando al límite. Alice Sebold escribe una novela que se vuelve la más vendida en 2002, sobre una niña que ha sido violada y asesinada. La producción nos trae una mezcla de Ghost, What Dreams May Come y Little Women.

Estuve atraído a verme esta peli por las fabulosas críticas de Stanley Tucci, que últimamente se había posicionado como el bastión de las grandes actuaciones de Meryl Streep a nivel de comedia. Lejos, muy lejos de ser cómico, el personaje interpretado por Tucci es desgarradoramente honesto pero lastimosamente le tocó un año imposible, con el magnífico desempeño de Christoph Waltz en Los Basterdos de Tarantino quien finalmente fue el que se llevó la estatuilla en esta ocasión.

La peli sin embargo es errática, mientras uno como espectador está conmovido por la buena narración de la peli y la buena fotografía, Jackson nos ataca con clichés que terminan por predecir la historia y el mismo final. Yo la disfruté a medias, no pude dejar de compararla con las antes ya mencionadas, más que todo por la pérdida de ritmo y un par de incongruencias.

Esta vez no puedo decir mucho con los distribuidores pues la peli la trajeron a salas pero no duró absolutamente nada, una semana y ya. Los amigos que lograron verla dijeron que muy bonita, yo no la recomiendo ciento por ciento.

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Guy and Madeline on a Park Bench

Me encontré esto por ahí en el delicioso placer de no hacer nada (¿será que eso fue lo único que me quedó de Eat Pray Love?).
Se ve buena, se ve chévere, se ve fresca, lástima que tocará esperar hasta que la traigan a Cinemax. La encontré en un blog y decía que la estaba promocionando Stanley Tucci. No entiendo muy bien si es un musical, un argumental o un documetnal. Su director Damien Chazelle lanza esta peli como su ópera prima, la produce y la edita.

El Reparto:

Jason Palmer (Guy)
Desiree Garcia (Madeline)
Sandha Khin (Elena)

El corto:

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Julie & Julia

Nora Ephron es la típica directora de Hollywood. Pelis promedio, risas promedio, historias promedio. De esa forma ¿qué puedo decir de esta peli que realmente fuera realemnte sobresaliente?

Meryl Streep, Amy adams y Stanley Tucci grandes actores, grandes parejas. Streep y Adams en Doubt, serias, recatadas, moralistas con unos principios muy estrictos. Tucci y Streep en The Devil Wears Prada, codependientes, autosuficientes, seguros de si mismos, a la moda, superficiales, estrictos, con metas muy marcadas. Streep y Streep en Lemony Snicket’s A Series of Unfortunate Events, The Hours, Adaptation, The Bridges of Madison County, pasando por toda una saga en los 90’s, en los 80’s, en los 70’s, hasta llegar a Everybody Rides the Carousel, siempre con un toque diferenciador y casi esquizofrénico por ser una persona absolutamente diferente en cada proyecto. Julie & Julia no es la excepción aunque este desempeño haya sido desesperante, molesto, un tanto artificial, sigue siendo original y único. ¡Qué actriz!

Música de Alexandre Desplat y una fotografía impecable de Stephen Goldblatt. Punto. Nada más. Una peli plana, que no ofrece más que una banal satisfacción femenina por haberse superado. Hasta en lo feminista Ephron debería aprenderle un poco a Nancy Meyers que por lo menos hace comedias entretenidas y graciosas.

¡Bravo Ephron! una peli promedio con la más baja calificación de Streep como actriz gracias a sus sobreactuaciones. Eso si que debe ser un logro en Hollywood.

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Oscar, 82nd Academy Awards

por Diego Taborda

La ceremonía me la imaginaba tal cual. Un musical muy tirando a los 50’s y lo hice pensando en las capacidades de Alec Baldwin y Steve Martin pero no me imaginé nunca que Doogie Howser hiciera toda la entrada cantando y demostrando sus capacidades histriónicas. Fue un abuso eso si, el tema de presentar las diez pelis nominadas a mejor película y de esa forma quitarle tiempo a los discursos de los ganadores, incluso quitarle el momento a Lauren Bacall y su discurso como premio honorario. Una verdadera falta de respeto.

Sin más preambulos los ganadores:

  • Best Picture
  • Después de haber seguido los festivales acusiosamente me di cuenta que The Hurt Locker venía con mucha fuerza y con muchos premios. La Academia no es tan independiente como para ir en contra del sindicato de escritores, el sindicato de directores, los BAFTA’s, etc… Una gran peli, un gran duelo comercial entre James Cameron y Avatar, al final ganó la propuesta alternativa frente al esquema y la industria.

    Muy buenas pelis concursaron este año. Hay que esperar nos traigan el resto, que sean más diligentes y no se esperen tanto para proyectarlas. A los colombianos nos gusta el cine y a veces Cinemax no es la opción más válida para ver las pelis que nos faltan. The Hurt Locker mejor peli, aunque ya la iban a sacar de rotación en Colombia, después de esta noche yo creo le van a dar dos semanas más de vida en nuestras carteleras.

    Avatar
    
The Blind Side

    District 9

    
An Education

    The Hurt Locker
    Inglourious Basterds
    
Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire

    A Serious Man

    Up
    Up in the Air

  • Best Achievement in Direction
  • Pues estaba muy equivocado, la pelea estaba declarada y ya determinada. Primera mujer en ganar este galardón.
    Kathryn Bigelow por The Hurt Locker

  • Best Actor in a Leading Role
  • Cinco nominaciones y su primer galardón. Merecida carrera la que fue honrada esta noche.
    Jeff Bridges por Crazy Heart

  • Best Actor in a Supporting Role
  • Voy a repetir lo que afirmé para los Golden Globes no había nadie medianamente capaz de quitarle este galardón a 
Christoph Waltz por su fluidez en sus diálogos, por su perfecta sincronización con la peli. Por sobreactuarse en el momento indicado y parecernos el hombre más despreciable en pantalla incluso estando Hitler por ahí al lado. Gran actor, gran discurso.
    Christoph Waltz por Inglourious Basterds

  • Best Actress in a Leading Role
  • Sandra Bullock por The Blind Side

  • Best Actress in a Supporting Role
  • Después de ver esta peli, lo mismo que con Waltz, no había quién compitiera con Mo’Nique, no había nadie que pudiera quitarle el galardón. Poderoso discurso.
    Mo’Nique por Precious: Based on the Novel Push by Sapphire

  • Best Animated Feature Film
  • A pesar de lo mucho que hubiera querido que ganara Fantastic Mr. Fox
, no hay que negar lo grande, conmovedora y bien realizada que es Up. Sin duda, muy buena peli.

    Up

  • Best Achievement in Art Direction
  • Avatar

  • Best Achievement in Cinematography
  • Avatar

  • Best Achievement in Costume Design
  • The Young Victoria

  • Best Achievement in Film Editing
  • Tercera ronda donde Avatar era favorito y se le esfumó la estatuilla de las manos.
    Bob Murawski y Chris Innis por The Hurt Locker

  • Best Foreign Language Film
  • Muchas campanitas para The White Ribbon fueron en vano. ¡¡Qué bien!! ¡Me equivoqué en la predicción! Felicitaciones Juan José Campanella, felicitaciones Argentina.
    El Secreto de Sus Ojos
 de Juan José Campanella (Argentina)

  • Best Documentary Feature
  • The Cove

  • Best Achievement in Makeup
  • Barney Burman, Mindy Hall, Joel Harlow por Star Trek

  • Best Achievement in Music (Original Score)
  • En el segundo duelo de la noche entre Fantastic Mr. Fox y Up, esta última volvió a ganar. Es triste pero repito Up es una excelente peli que se merece ambos galardones.
    Michael Giacchino por em>Up

  • Best Achievement in Music (Original Song)
  • “The Weary Kind (Tema de Crazy Heart)” de “Crazy Heart” Música y Letra de Ryan Bingham y T Bone Burnett

  • Best Achievement in Sound Editing
  • Primer galardón que 
The Hurt Locker le quitó de las manos a Avatar.

    
The Hurt Locker


  • Best Achievement in Sound Mixing
  • The Hurt Locker

  • Best Achievement in Visual Effects
  • Avatar

  • Best Achievement in Writing (Adapted Screenplay)
  • Qué buena sorpresa, repite después del viernes pasado haber ganado mejor primer guión en los Independent Spirit Awards
    Geoffrey Fletcher por Precious: Based on the Novel Push by Sapphire

  • Best Achievement in Writing (Original Screenplay)
  • Mark Boal por The Hurt Locker

  • Best Animated Short Film
  • Logorama

  • Best Documentary Short Film
  • Music by Prudence

  • Best Live Action Short Film
  • The New Tenants

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