Anne Sewitsky, Comedy, Drama, Folk, Indie, Internet, Miguel Vaca, Movie, Norsk Kino, Romance, Vacacion, World

Sykt lykkelig

sykt-lykkelig

Anne Sewitsky es una realizadora noruega que se junta a la oleada de directores y cineastas nórdicos que en la última década parecen despertar con mucha fuerza la industria del cine independiente. Sykt lykkelig (Happy Happy o Increíblemente feliz) es una comedia sencilla sin muchas pretenciones y con una buena fuerza dramática al avance de su trama.

Contrario a muchas fórmulas de realización, Sykt lykkelig pareceiera no estar dividida en actos pero si sistemáticamente en tres partes de acuerdo a su duración. Cada 30 minutos, la peli va cerrando fundamentos de la pieza; en el primer tercio queda reseñado el planteamiento y la primera crisis de los personajes; en el segundo tercio se hila el problema general y un primer giro argumental; y en el último tercio la directora se encarga de cerrar cada una de las ramas de la historia logrando una agradable armonía entre la pieza y su desenlace.

Kaja (Agnes Kittelsen) y su esposo Eirik (Joachim Rafaelsen) son un par de lugareños nórdicos que tienen una casa de huéspedes y la alquilan de cuando en vez a turistas interesados en pasar un tiempo en el campo. El pueblito en el que viven es sencillo, con una parroquia y un par más de vecinos más. No hay mayores discrepancias o problemas, es un pueblo simple y todos viven felices.

Sin embargo, Sigve (Henrik Rafaelsen) y Elisabeth (Maibritt Saerens) llegan a ocupar la casa de Kaja y Eirik y hacen evidente que la profunda crisis que afrontan sus habitantes es camuflada por la aparente calma de sus vidas desoladas, frías y desmotivadas. Contrario a lo que la corriente pudiera conducir a Kaja, ella está determinada a ser feliz y pelear por ello. De pronto, no tan asertivamente como una mujer de la ciudad como Elisabeth pero si un poco más eficiente y directa. La gran apuesta dramática de Sewitsky es validar la lucha de esta humilde mujer y de cómo su felicidad puede sobrepasar cualquier límite sin atropellar a otros.

Sykt lykkelig rompe el cliché de los fríos escandinavos y nos muestra una cálida visión de sus personajes. Una pequeña tragicomedia que logró ser ovacionada en Sundance como mejor drama del mundo. Los verdaderos cierres de la cinta en actos son amenizados por un coro a cuatro voces de hombres que concluyen cada intervalo; parecen tener el mismo sentido del coro griego de Mighty Aphrodite de Woody Allen que con pequeños comentarios parecen epílogos de los subcapítulos pero esta vez con folclor norteamericano y gospel.

Hay que acotar de todas formas, aunque las promesas son altas y colmadas, las actuaciones no son increíblemente descrestadoras, a excepción obvio de Agnes Kittelsen. Además la trama debió ser más orgánica y no tan sistemática en sus partes; da la sensación que la directora está más preocupada por los tiempos que por el hilo conductor o las emociones que podrían desencadenar cada una de sus acciones; un ejemplo claro es que los macabros juegos entre los niños terminan siendo apenas anécdotas dentro del centro del enredo amoroso que implica la trama, sin justificación o castigo, haciendo un poco superficial el desarrollo de los personajes y la historia.

Sykt lykkelig se consigue en Netflix que la acaba de agregar a su portafolio.

Standard
Actor, Auteur, Brit, Chris Morris, Comedy, Folk, Indie, Miguel Vaca, Movie, Thriller, Vacacion, World

Four Lions

Cuando dejo grabada una peli en Cinemax, aparte de disfrutar la pieza que dejé grabada me encanta ver los cortos de lo que se viene. Si uno ve La piel que habito le anuncian Tuan yuan, ganadora de mejor guión en la Berlinale, que a su vez anuncia la mexicana Somos lo que hay, que a su vez anuncia la brasilera Trabalhar Cansa, que a su vez anuncia la británica Four Lions y así uno puede irse poniendo al día en lo que se refiere a cine independiente y festivales.

Cuando vi por primera vez los cortos de Four Lions pensé que iba a ser una cinta que abordaba el terrorismo desde una perspectiva muy dramática o desde el sentimentalismo ordinario. Pero al final del corto decía comedia. Me intrigó. La busqué. La grabé. Me sorprendió.

Four Lions dirigida por Christopher Morris es todo lo contrario a lo que hemos visto sobre terrorismo en cine. Es una historia políticamente incorrecta, aguda, de un humor negro impresionante y que hipnotiza con cada línea de diálogo que nos va dando su equipo de escritura (Jesse Armstrong, Sam Bain, Simon Blackwell y el mismo Morris). La sátira trata sobre una célula terrorista de cuatro pakistaníes establecida en Londres que aspiran a ser mujadines demostrando su honor en una inmolación. La historia se centra en Omar (Riz Ahmed) que lidera la célula como la mente más crítica frente al ocidentalismo infiel y el imperialismo. Omar se prepara con Waj (Kayvan Novak) para recibir órdenes del comando central en un campo de entrenamiento en el desierto pakistaní pero todo sale mal y deben salir huyendo a improvisar por si mismos un plan de ataque terrorista. Por su parte, Barry (Nigel Lindsay) y Faisal (Adeel Akhtar) esperan noticias de Omar pero Barry está muy resentido porque quedó aislado del plan de entrenamiento y emprende el reclutamiento de Hassan (Arsher Ali) para atacar una mezquita.

Mediante el absurdo dos críticas importantes se hacen evidentes. La primera es que el fanatismo y fundamentalismo va transformando a las personas en ignorantes. Digamos que los cuatro pintorescos terroristas parecen adolescentes inmaduros pero la aparición de Hassan en medio de un auditorio con una arenga incendiaria en contra del prejuicio racista es un discurso inteligente con por lo menos algo de elaboración -y que a la postre le valió su cupo en la célula-; el desarrollo del personaje de Hassan es impecable porque a medida que se va comprometiendo con la causa yihadista de «Los Cuatro Leones» sus errores aumentan y su audacia desaparece.

La otra gran crítica que aparece en la historia es que las causas que ennoblecen a los suicidas se van disolviendo en sus propios cuestionamientos. La continuación de un ataque terrorista ad portas de realizarse es una gran de cadena de manipulaciones que justifican sus actos no de la forma más congruente o acertada. La historia de Omar y su familia es muy loca, transforman la realidad de su núcleo familiar gracias a la firme creencia de sus actos que llenan de orgullo a todos sus integrantes. En momentos de duda siempre aparece alguien supuestamente más cuerdo o más calmo que los convence de continuar “sonriendo” hasta encontrar el paraíso.

Siento de Morris que fue muy arriesgado al hacer esta peli porque de alguna forma está ridiculizando a los fundamentalistas sin atacar directamente una etnia o algo por el estilo. No se queda sólo con la historia de los árabes su crítica podría llegar a cuestionar autogolpes o teorías de conspiración más grandes en los Estados Unidos después de los eventos del 11 de Septiembre. Con una comedia negra muy inteligentemente critica el terrorismo y su falta de razón. Morris es conocido por sus apariciones en The IT Crowd con esa agresividad y virulencia que expone su cara pero es mucho más reconocido por sus artículos denunciando el racismo en el Reino Unido. Con Four Lions debuta como escritor-director y logra ser reconocido en los BAFTA’s así como grandes nominaciones en Sundance, Chicago, los British y el mismo gremio de escritores británico.

La cinta la recomiendo mucho y la están rotando ahora mismo en Cinemax.

Standard
Brit, Documentary, Experimental, Indie, James Marsh, Miguel Vaca, Movie, Storytelling, Vacacion, World

Project Nim

Todos los documentales buscan definir una hipótesis, esa es la base de sus fundamentos, así como un argumental define que toda historia tiene un principio, un nudo y un desenlace. El laureado por Sundance 2011 y reconocido en los BAFTA’s 2012, James Marsh nos trae un delicado documental que ahora mismo rotan en HBO con dos posibles sentencias.

Nim es un chimpacé que es apartado de su madre Carolyn para ser criado como un humano por Stephanie LaFarge y ver si de esa forma era posible enseñarle que se comunicara por señas. Un proyecto ambicioso dirigido por el psicólogo Herbert Terrace en el centro de la familia LaFarge dentro de Nueva York en el Upper West Side de la ciudad. No se hasta qué punto Marsh decida que «¿es posible que un chimpancé aprenda a comunicarse en el lenguaje de las señas?» sea su hipótesis o más bien por como conduce su pieza más bien sea «¿puede ser un chimpancé criado como humano ser considerado también como humano o al menos como humanoide?». 

En la primera sentencia se desarrollan dos corrientes interesantes; una la de los profesores de Nim que crean un vínculo muy grande, de hermano unos, de padre-madre otros y defienden que a pesar de que la madurez intelectual del chimpacé es a veces la de un niño, Nim si se comunica a través de un progresivo aprendimiento de palabras dentro de un glosario bastante extenso. El director del proyecto, el doctor Terrace por el contrario afirma que aunque los avances son grandes en Nim, no se está comunicando sino que lo que han logrado hasta cierto punto es un mendigo brillante.

Es interesante que todos los que se involucraron con el chimpancé un ciento por ciento puedan decir qué sentía, cómo se comportaba, cuáles eran sus estados de ánimo y que Terrace, que se mantenía alejado del proyecto como un dios distante, pueda afirmar que tan sólo es un chimpancé semi-domesticado. La ética del doctor se ve vilipendiada al demostrar que se preocupaba más por su imagen pública que por Nim, que visitaba el proyecto con periodistas y fotógrafos para hacer sesiones donde él se veía cargando al chimpancé o le daba ciertas órdenes en cámara para mostrar que él estaba al tanto del progreso del proyecto. Se quiere atacar fuertemente en el documental que mientras la comunidad científica lo apoyó, era una gran estrella mediática pero cuando en realidad tuvo que defender a Nim se resguardó en la hipótesis del mendigo brillante. Por mi lado se ve grandemente afectado su criterio como profesional cuando se resaltaba que Nim pasaba de “madre” a “madre” y que siendo supuestamente un proyecto científico el doctor mantenía relaciones sexuales con ellas o por lo menos se había involucrado de la misma forma en el pasado con ellas. Una clara manipulación de jovencitas basada en su ingeniosa labia. Sin embargo, Project Nim, Es un experimento desde muchos puntos de vista retorcido, sólo hace falta ver el momento en que LaFarge asegura que amamantó al chimpacé como si fuera un hijo suyo, para entender que Terrace no fue el único que estaba desequilibrado para ese entonces.

La segunda sentencia se desarrolla en el tercer acto cuando Nim ya no es el miquito con ojitos grandes y ternura destemplada. Nim tiene veintitantos años, es un chimpancé de setenta kilos, un metro cincuenta de estatura y una fuerza siete veces más grande que la de un ser humano normal. Es un juguete roto que fue sonsacado de su ambiente natural biológico y empezó una constante odisea de hogar en hogar buscando el refugio que sabemos nunca encontró. Hemos visto en cine muchas historias de niños desprotegidos, adoptados y vueltos a instituciones gubernamentales que sencillamente no tienen la facultad para relacionarse con otros seres humanos incluso se vuelven criminales o asesinos. 

Nim no es diferente y se trató que enfrentara un juicio cuando fue tratado como un simio más. Pero no hubo sentencia, la sentencia la da Marsh en su documental y nos deja la incógnita en nuestras mentes rondando una y otra vez después de ver esta fuerte pieza.

Standard
Actor, Comedy, Exploitation, Folk, Miguel Vaca, Movie, Serie B, Vacacion

Sanandresito

Aunque ha habido varios avances en el cine nacional colombiano, no deja de ser muy irregular. Nos emocionamos cuando en cartelera hay producciones como La cara oculta, Silencio en El Paraíso, La vida Era en serio o incluso Apaporis que sin ser realmente malas intentan proponer suspenso, docu-drama, comedia o documental. En algunas piezas se siente la falta de presupuesto pero por lo menos se hacen explícitas las buenas intensiones a nivel de dirección, fotografía o partitura. Digamos eso sí que las malas actuaciones son generalizadas y que muy pocas sobresalen ahí.

La verdad no veníamos tan mal, El Páramo fue una excelente apuesta a un verdadero thriller de suspenso y salió laureada en Guadalajara, Todos Tus Muertos logró mejor fotografía en Sundance, o Saluda al diablo de mi parte un gran thriller de acción que incluso estuvo a punto de representar a Colombia en los Oscar de este año. En ese sesgado balance el cine colombiano tenía indicios de grandes proyecciones y su promedio era bastante alentador.

Pero cuando en cartelera se empiezan a acabar las opciones e ir a ver cine nacional debería ser una alternativa viable, se topa uno con Sanandresito de Alessandro Angulo que no lo es. Recordé que Jörg Hiller era buen libretista y sin muchas más defensas me dejé llevar a ver esta cinta. Hace muchos años dejé de ver TV nacional cansado de la ramplonería y la chabacanería fortuita, Sanandresito no es más que eso. Una historia muy mal dirigida, que para sorpresa mía los únicos destacados eran Andrés Parra (La pasión de Gabriel, Satanás) y Jimmy Vásquez (La vida Era en serio).

No vale la pena despotricar por despotricar sin mucho que se pueda construir alrededor. Angulo se estrelló durísimo en su primera salida y la expereincia de Hiller en el guión o el buen desempeño de Parra y Vásquez en el reparto no lo ayudaron. Mi filosofía es que ya entrado en gastos uno debe relajarse y disfrutar. Al final me reí una que otra vez pero están muy equivocados las productoras colombianas si piensan que eso es hacer comedia o cine.

Standard
Brit, Comedy, Drama, Folk, Indie, John Michael McDonagh, Miguel Vaca, Movie, Serie B, Thriller, Vacacion, World

The Guard

Hace mucho esperábamos la peli donde Brendan Gleeson es protagonista, no sólo como actor secundario sino verdaderamente como principal en la historia. Gleeson ha pertenecido a innumerables repartos con memorables papeles como Hamish en Braveheart, Walter ‘Monk’ McGinn en Gangs of New York o August Nicholson en The Village. Su carrera es grande y ha participado en otras grandes producciones pero nunca había sido protagonista de una historia hasta ahora -de pronto lo más cercano, sin embargo, es In Bruges, una excelente peli al lado de Colin Farrell-.

The Guard es la ópera prima de John Michael McDonagh que logró ser reconocida como mejor debut en La Berlinale y fue muy protagonista en los círculos independientes europeos incluso Globos de Oro, BAFTA’s y Sundance. The Guard es una cinta irlandesa sobre un policía burocratizado en su puesto, en un pueblo pequeño y se topa con un caso mayor de narcotráfico. Se dice que Irlanda es el tercer mundo de Europa y aunque han venido desarrollándose económicamente muy rápido las costumbres e idiosincracias siguen siendo las de un país subdesarrollado. El sargento Gerry Boyle se burla de la autoridad, porque en los países tercer mundistas la autoridad no existe, el portero es el dueño del edificio y un policia el primer eslabón de jerarquía.

La verdad me sorprendí cuando apareció Don Cheadle -porque no me acordaba que estaba en el reparto- como un agente del FBI que viene a apoyarse en la policía local para desenredar todo el asunto de drogas. Aparece para darle un empujoncito de frescor y poder introducir una serie de apuntes racistas exquisitos y muy divertidos. “…You are really mothafuckin’ dumb or really mothafuckin’ smart“. Esta es una línea de Cheadle que describe perfectamente el personaje del sargento Boyle porque de ahí en adelante los sarcasmos se vuelven súper evidentes y la peli costumbrista se vuelve una comedia muy inteligente. Pero, ¿Boyle es un burócrata? ¿Es un idealista atrapado en la corrupción de la sociedad? ¿Es un negligente y se ha logrado adaptar muy bien a esta corrupción? ¿O simplemente es el mejor policia de la nación? McDonagh nos mantiene intrigados hasta el final de la historia.

Un gran director, una gran peli y un gran actor que desenfunda todos sus trucos en una hora y media de filme.

Standard
Auteur, Drama, Folk, Hollywood, Indie, Miguel Vaca, Movie, Obsessed with Film, Vacacion

Martha Marcy May Marlene

Llegué en primera instancia a esta peli porque nominaron a John Hawkes en los Oscar de este año. Digamos que a lo largo del blog tenemos una serie de apariciones de Hawkes que nos han llamado la atención, unas sencillas como Wristcutters, Contagion, Me and You and Everyone We Know o un poquito más dramáticas y elaboradas como Winter’s Bone, por la que también fue nominado a los Oscar del año pasado. Esta vez sencillamente no entendí qué pasó y qué fue lo que conmovió a La Academia para que que Hawkes se llevara este reconocimiento. No digo que haya estado mal pero hay un ejercicio que he venido haciendo con la lectura del blog WhatCulture y es preguntarme si es una buena actuación (obvio), si es la mejor actuación de ese actor y qué hubiera pasado con la peli sin esa actuación en particular.

Las preguntas se resuelven con una buena actuación de Hawkes que incluso nos alcanza a infundir un profundo miedo con su sóla escuálida apariencia, no es su mejor actuación de todas formas, es muchísimo más interesante su papel en Winter’s Bone y de pronto sin él la peli hubiera podido mantener su calidad -aunque me contradiga un poco con el comentario anterior y su siniestra presencia en la pantalla-.

Digamos que es una pieza terriblemente estresante. Martha Marcy May Marlene es la historia de una niña que llega a un campamento liderado por Hawkes donde se reciben jóvenes que necesitan ayuda por sus rechazos en el pasado o su necesidad de atención. Esta niña interpretada muy bien por Elizabeth Olsen, hermana menor de las gemelas Olsen, nos narra en un juego bellísimo de tiempos tanto su pasado como su estadía en el campamento. Su cara de terror al huir de él y refugiarse en casa de su hermana nos da pistas de los horrores que pudo haber vivenciado pero sólo hasta poderlos ver recordados en su mente no podríamos imaginarlos. La pieza es una gran cinta del joven director Sean Durkin que ganó Sundance como mejor director y además recibió reconocimiento de fuertes círculos del ala independiente como Los Angeles, Chicago y Boston -además nominaciones en los Spirits y el círculo de críticos de Toronto-.

La peli maneja una fotografía exquisita, a cargo de Jody Lee Lipes, quien maneja unos planos audaces y una fotografía desaturada muy fuerte, para nada lavada pero como de archivo de un rollo de película análoga de paseo. Una sensación muy bien lograda que aporta tensión y calidez a la historia. En serio, muy bien. Por el otro lado, Zachary Stuart-Pontier logra un montaje increíble, la historia fluye pero a través de los planos que junta. Se empiezan a sentir los cambios de tiempos o incluso la paranoia de Martha que no logra entrever entre la realidad, sus sueños y su pasado.

Creo que todo es muy bueno hasta el final. Sean Durkin además de ser el realizador, es el escritor de la peli. Sabemos cómo nos gusta esta faceta en un realizador, sin embargo en esta historia se excede bastante. A diferencia de Shame, su final abierto frustra porque no permite desarrollo, trunca la imaginación y la hace una historia plana casi aburrida y sin sentido. Con McQueen en Shame nuestra cabeza sigue dando vueltas en los juicios y prejuicios del rol de Fassbender y la necesidad de dejarnos el final abierto es una jugada muy inteligente del director para dejarnos inquietudes importantes cosa que lamentablemente no sucede aquí.

La cinta vale la pena verla y esperaría un poco más de desarrollo en el siguiente proyecto de Durkin que se nota tiene mucho potencial.

Standard
Colombia, Drama, Folk, Indie, Latin, Miguel Vaca, Movie, Oscar Ruíz Navia, Road Movie, Storytelling, Thriller, Vacacion, World

El Vuelco del Cangrejo

El Vuelco del Cangrejo de Oscar Ruíz Navia es el claro ejemplo que el neoexpresionismo alemán se filtró perfectamente en nuestro cine de autor. Ya lo habíamos anotado en Los Viajes del Viento de Ciro Guerra pero aquí la aseveración es más que incuestionable. 

Una historia sencilla de un hombre que parece huir de su pasado y lo verdaderamente bonito es que nunca se sabe porqué huye, de qué huye y también nunca importó. Pudo huir de la violencia, de un desamor pero igual lo importante es que llega a algún pueblo pescador del Pacífico y se asienta temporalmente mientras busca una lancha a motor. En esa transitoriedad empieza (empezamos) a explorar los protagonistas de ese rincón del país; a descubrir sus rostros, su idiosincrasia, sus penas y su forma de supervivencia. 

El cangrejo es un animalito que anda de medio lado como con la incapacidad de enfrentar el futuro y, esquivándolo, no le queda otra salida que intentar escabullirse por el costado. A pesar de tener un robusto exoesqueleto y unas fuertes tenazas, si el cangrejo se pone boca arriba queda atrapado en su propia envergadura; solo con el impulso de una ola en la marea, tiene una oportunidad de dar un vuelco y salvarse de la desolación y la inanición. La figura es sencillamente exquisita cuando cada uno de los protagonistas de este sencillo cuento es parte de una comunidad de cangrejos volteados y tan sólo esperan ese último impulso para salir adelante.

Unos encuentran una lata de atún, otros sobreviven con una poción diaria de arroz, otros son más depredadores tratan de instalar un hotel y camuflarse entre la comunidad pero sólo aquellos fieles a su folclor y sus raíces son los que logran definir un vuelco diferente. 

La peli explora la desolación de una zona olvidada del país. La comunidad negra del Pacífico afronta la segregación más fuerte de todas, en el acto más racista posible nos hemos olvidado completamente de ellos. En su desamparo, la ley del más fuerte ha socavado sus conciencias pero existe la esperanza que la ética, la moral y la herencia cultural sean suficiente contención para contrarrestar los peligros de la misma extinción. Y es que El Vuelco del Cangrejo es también una crítica a la deforestación sin sentido, a la pesca desmedida, a la explotación excesiva de los recursos naturales. Aquellos que sobreviven con los bienes provistos naturalmente son los que atestiguan la baja de peces en sus ríos y, por lo mismo, en sus recolectas, el hambre, la falta de oportunidades y son los que se unen con machete a tratar de proteger su más apreciado tesoro: el statu quo que heredaron de sus abuelos, la cultura de protección de su entorno. 

Ruíz Navia nos trae un proyecto delicado, pausado y desarrollado en su mayoría por actores naturales, balanceado entre belleza y acritud. Por un lado sus actores, no tienen experiencia en absoluto frente a una cámara (con excepción de Rodrigo Velez actor de carrera que ya habíamos visto en Perro Come Perro de Carlos Moreno) por el otro son hermosos en su fisonomía y en sus roles. Ruíz Navia se jacta de su encanto y los pone a posar frente a la cámara, a disfrutar del proyecto, tanto que uno termina enamordo de su belleza -a mi me sedujo por completo el personaje de Yazmín, una mujer con unos rasgos inquietantes y con una figura absurdamente deliciosa-. Otra dicotomía para deleitarse es el guión, siendo la epopeya de la huida de Daniel, el tema central de la cinta, Ruíz Navia no se aguanta las ganas de contar y entremezclar las vivencias de sus personajes con la de su reparto, muchas veces no sabemos si estamos escuchando a Miguel, a Paola o al paisa o si simplemente escuchamos a Arnobio, Israel, Karent o Yisela, son sencillamente honestos en su discurso y verosímiles en la trama. 

Lo que más me sorprendió fue la cinematografía, a cargo de Sofia Oggioni Hatty y Andrés Pineda. Audaz, muy inteligente, muy pensada, que se siente igual muy natural nos divierte mientras encantados contemplamos la playa, el restaurante o la aldea. Se nota que aportaron una gran cantidad de material de alta calidad para la edición que a la postre también significó un excelente montaje. Me parece extraño que no hayan sido nombrados en ningún evento, lo que me hace pensar que Carlos Moreno es mucho más intrépido cuando logra que su cámara, Diego F. Jiménez, no sólo sea nominado en Sundance dos veces, sino que además en su última aparición, Todos Tus Muertos le significó mejor cinematografía en un drama del mundo. 

Una joya. Una lástima que no pude verla en cine. Sin embargo en MovieCity la están pasando en alta defición y vale mucho la pena. 

Standard
Auteur, Drama, Folk, Indie, Miguel Vaca, Mike Cahill, Movie, Sci-Fi, Suspense, Thriller, Vacacion

Another Earth

another_earth

Como ya habíamos visto anteriormente, Mike Cahill no debe ser confundido con el director de King of California. Al que hacemos referencia aquí es al co-escritor al lado de Brit Marling y director de la peli Another Earth, un exquisito argumental de ciencia ficción que ganó premio especial de jurado en Sundance este año, reconocimiento como mejor ópera prima y nominación en la sección drama del mismo festival.

La historia mezcla de una forma balanceada un drama de una joven menor de edad que tiene un grave accidente automovilístico en la cual nace una gran tragedia, todo por su grado de alcoholemia y su interés en ese fantástico nuevo evento: Una nueva Tierra que apareció en el firmamento.

La gran fuerza de la peli es que el tema de La Nueva Tierra es apenas una disculpa de fondo, el grueso es el drama de esta mujer aceptando su culpa y tratándose de perdonar. Lo hace muy interesante porque así es que son las verdaderas pelis del género que me gustan, dejando una inquietud en el aire sin necesariamente tener naves voladoras o extravagantes vestuarios de Jean Paul Gaultier. La pregunta aquí sería si cometemos los mismos errores en La Nueva Tierra o si tenemos la posibilidad de remediarlos de alguna forma. El final abierto influye aún más en la cuestión pero es imperioso que se vean la peli para poder discutir más a fondo el tema.

El desarrollo de los personajes es muy bueno, aunque ayuda mucho que el reparto escogido es bien empático; un gran logro de este director que se lanzó en 2004 con un documental llamado Boxer and Ballerinas y que ahora nos presenta su primer argumental de una profundidad impresionante. Los actores al lado de Brit Marling son William Mapother (Lost) como el maestro compositor -hay un fuerte estudio de la música y su composición en la peli, que es delicada y un personaje protagónico indiscutible-. La otra grata sorpresa es Kumar Pallana que no lo veíamos desde The Darjeeling Limited de 2007 o The Terminal de 2004, su papel no es protagonista pero su personaje es muy tierno y sus sentencias son contundentes. En teoría nos iban a traer esta peli en septiembre pero si pueden véanla en la primera oportunidad que puedan.

Standard
Auteur, Azazel Jacobs, Drama, Folk, Hollywood, Indie, Miguel Vaca, Movie, Storytelling, Vacacion

Terri

Porque creo fehacientemente que Terri de Azazel Jacobs no va a ser traída a cartelera, les aconsejo descaradamente verla a través de Cuevana. Y es que ¿quién puede culpar a los distribuidores cinematográficos de no traer la historia de un gordito en una escuela de secundaria, que se viste todo el tiempo con piyamas y donde la única estrella importante y reconocida es John C. Reilly? ¿Quién los puede culpar si básicamente estamos frente a una peli de depresión, familias disfuncionales y muchos niños perdidos?

Bueno, seguramente yo no los culparía pero si los culparía a ustedes de perderse una historia que expele de cada poro independencia. Si me ponen a describirla, en serio, no suena muy interesante. Pero es una historia sencilla, con historias y personajes honestos y definitivamente creíble y simpática. A simple vista este gordito se ve desorientado, triste y muy deprimido, podemos llegar a pensar que su autoestima es muy baja y que toda la escuela va a atropellarlo y a darle golpes como a un saco de arena pero, poco a poco, nos vamos dando cuenta que el estar a cargo de su tío lo ha hecho una persona muy madura, su estatus de “niño empiyamado” es un estatus respetado y que más que necesitar ayuda, este gordito va a ofrecer mucho más de lo que otros han pedido.

¿Qué les pasó a sus padres? ¿Qué le pasó a su tío? ¿Por qué anda en piyama todo el tiempo? Son preguntas que a la hora de la verdad resultan irrelevantes pero que nos mantienen atentos en esta linda historia. Me gustó mucho. Puede considerarse un «slow food cinema» pero al final me parece que ese regusto, ese sabor al final nos deja tranquilos de haber presenciado una peli con carácter. Obviamente aparte de Jacobs, que es su director y escritor, los responsables son sus productores en gran parte los mismos de Blue Valentine.

Jacobs nos da la impresión de estar viendo una ópera prima pero más allá de sus ocho títulos como director, lo que nos está mostrando es un delicado estilo de dirección y de realización. Estilo que seguramente no lo haga muy famoso en Hollywood pero que ya empezó con esta peli a llamar la atención de Sundance cuando fue nominado para el gran premio del jurado a nivel dramático.  Esperemos que nos traerá la próxima vez. 

Standard
Actor, Emo, Epochal, Exploitation, Folk, Hollywood, Indie, Melodrama, Miguel Vaca, Storytelling, Trailer, Vacacion, Vera Farmiga

Higher Ground

Aunque no ganó, Higher Ground estuvo nominada como mejor peli dramática en Sundance. Pero más allá de eso, esta peli marca el inicio como directora de la bella Vera Farmiga. Una actriz que recordamos por The Departed, The Boy in the Striped Pyjamas o Up in the Air que incluso alcanzó a otorgarle nominación de La Academia como mejor actriz de reparto.

Bueno, pues su peli se estrena comercialmente en Estados Unidos y aunque para mi gusto es demasiado emo, la crítica aplaude su dirección y su ternura en esta peli que también protagoniza. Situada en el medio oeste norteamericano, la historia habla de una niña que crece bajo la estructura católica y con el paso de los años trata de que esa misma estructura llegue a su familia a través de su esposo y su hija. A costa de un accidente automovilístico, su familia se une a una iglesia evangelista pero rápidamente es tildada como peligrosa al tratar de compartir sus emociones. En conflicto, trata de salir adelante en su creencia del amor, la confianza del ser humano y obvio en dios.

Vera Farmiga (Corinne)
Donna Murphy (Kathleen)
John Hawkes (CW)
Dagmara Dominczyk (Annika)
Taissa Farmiga (Joven Corinne)
Nina Arianda (Wendy)
Joshua Leonard (Ethan)

Standard