Blood Brother

La ganadora de Sundance como mejor documental, por la audiencia y por el gran jurado, llega por fin a nuestro alcance gracias a las bondades del internet.

Su director, Steve Hoover, se enfrenta a la odisea de seguir a su mejor amigo, Rocky Braat para entender lo que sucede con él en India y porqué siendo estadounidense, oriundo de Pittsburg, no soporta un día sin demostrar profunda ansiedad y desasosiego en su patria. Rocky Braat, que en realidad descubrimos se llama Robin, es una persona introvertida y compleja; su padre fue a prestar servicio militar, básicamente lo abandonó de niño y fue criado por su abuelo; cuando volvió a saber de él ya tenía otra familia y nunca pudo desenvolverse con ellos al ciento por ciento; mucho después, graduado como diseñador gráfico busca su autenticidad en un destino lejano como India, como también acostumbran muchos jóvenes a su edad, con la diferencia que Braat parece ser abducido por una visión mayor y no quiere regresar; ha emprendido una empresa apoyando un hogar con niños infectados por VIH y se siente completamente redimido cuando está con ellos.

Blood Brother es un documental devastador, impresionante, desgarrador, imponente, emocionante, divertido, muy bien narrado y sobre todo muy conmovedor, por las razones obvias y también por las completamente inesperadas. Es verdaderamente desafortunado que no haya logrado su camino ni a los Globo de Oro, ni a los Oscar, ni a los Spirit; un ausente mayúsculo.

Afternoon Delight

Tenía muchas expectativas con Afternoon Delight, mayormente por su gran premio en Sundance a la mejor dirección y, por ahora, el reconocimiento al mejor primer guión de su también directora Jill Soloway en los Spirit.

En general, es una historia bien contadita con unas grandes actuaciones de Kathryn Hahn, Juno Temple, Josh Radnor y Jessica St. Clair –con una pequeña decepción de Jane Lynch que siempre interpreta el mismo papel y aquí, haciéndolo, arriesga un poquito para mostrar algo diferente y se encuentra en una posición incómoda, aislada y completamente sobreactuada–. Kathryn Hahn lidera la trama como Rachel, una mujer entrada en sus 40 que sufre una crisis de mediana edad; básicamente, esta crisis le estalla en la cara y no se da cuenta cómo, cuando después de conmoverse por una bailarina exótica (Juno Temple), la invita a quedarse a su casa y esto pone en peligro su relación con su esposo (Josh Radnor) y el resto de su comunidad; Rachel se empieza a sentir incómoda con la bailarina cuando ella con una cierta ligereza en sus principios le comenta que ella en realidad es una trabajadora sexual, sinónimo de chica trabajadora que no es otra cosa que un acto de prostitución puesto con letras bonitas; en ese momento Rachel abre los ojos y pone freno de mano pero toda la situación ya está muy entremezclada con todos sus seres queridos y empieza a afectar su estatu quo.

Es una buena labor de la realizadora su trabajo de dirección de actores –mi favorita Michaela Watkins–; en general, logra unos personajes creíbles y honestos que hacen que la pieza sea tan valiosa. No es de mi gusto, sin embargo, todo el desarrollo de la trama (que justo como decíamos en The Broken Circle Breakdown) va del drama al melodrama y no necesariamente de una forma afortunada. Me gusta la sencillez del tema y lo crudo del desarrollo de sus personajes pero en mi caso como en algunos platos bien servidos me resultó insípido y falto de acidez.

Dentro de su categoría en los ya nombrados Spirit, Lake Bell lo hace mucho mejor y su plato está mejor condimentado.

In a World…

In a World… es una de esas pelis típicas que me alegran una tarde de domingo o que sin tener un plan especial complementan perfectamente una velada de descanso. In a World… es el debut de la actriz Lake Bell, a quien reconocemos de papeles secundarios en It’s Complicated o What Happens in Vegas, como «desahogo cómico», y que llega al blog porque es ganadora del Waldo Salt en Sundance y está nominada en los Spirit también por la excelencia y prometedora carrera en su primer guión.

Contrario a lo que pareciera, por estos dos reconocimientos, Lake Bell desarrolla una historia sencilla, sin mayores pretensiones, conmovedora y muy entretenida -muy parecido al perfil logrado en Celeste & Jesse Forever de Rashida Jones-. Su personaje es una trabajadora independiente que dobla cintas de cine y entrena actores para que logren sus acentos en sus propios papeles de Hollywood. La peli inicia con una pequeña introducción sobre la persona de Don LaFontaine, narrador legendario de los cortos avances y promocionales de la publicidad; cuenta Bell que su muerte dejó un vacío muy grande que realmente nadie quiere ocupar por miedo a la crítica y es cuando, esta mujer, tiene una oportunidad laboral que todo el mundo dentro de la industria quiere boicotear.

No es realmente una crítica a Hollywood pero tampoco es una oda a su producción. Lake Bell alcanza un humor inteligente y nos pone en una posición muy rara a contemplar desde el principio todos los tonos y acentos en las voces de sus actores.

Cutie and the Boxer

Cutie and The Boxer es otro de los documentales nominados al Oscar este año.

Dirigido por Zachary Heinzerling, la pieza relata la vida de Ushio Shinohara y su esposa Noriko, un par de artistas radicados en Nueva York desde hace más de 40 años. Él llegó a Estados Unidos precedido de una gran fama como uno de los artistas japoneses más importantes al abrazar completamente las tendencias del Pop Art norteamericano; ella llegó de Japón a estudiar patrocinada por sus padres y por casualidad llegó al estudio de Ushio quien le ofreció tutoría y techo. Ella se enamoró y tuvieron un hijo, Alex.

Por mucho tiempo, Ushio, sus esculturas y su forma de pintar con estopas pegadas a sus guantes mantuvieron el bienestar de la familia, sin embargo, su alcoholismo también derivó en profundas crisis con Noriko que la condujeron a una latente y pasmosa depresión; la llegada de Alex no fue mucho después de su arribo a Nueva York, por lo que la vida de artista de Noriko quedó relegada a segundo plano, después de los pañales, la cocina y su matrimonio.

Hoy en día, Ushio tiene un profundo sentimiento de amor y pertenencia por Noriko, basado tal vez en su incondicionalidad y su tesón para no abandonar su barco; no obstante, la considera una asistente a nivel profesional. Su hijo está echado a perder como persona pero tiene grandes capacidades artísticas que su madre ve con tristeza como se descarrían al fondo de las botellas de alcohol que consume igual que su padre; criado por un borracho y expuesto a sus bochornosas escenas, Alex ha desperdiciado 40 años de su vida al lado de sus padres.

Duro, amargo pero con la dulzura de una excelente narración, este documental es entretenido y muy conmovedor. Ya ganó Sundance como mejor dirección, está nominado para los premios del Gremio de Directores que se entregan este fin de semana y se arma su corredor hacia los Oscar.

Dirty Wars

Hay veces nos quejamos del tono, del ritmo o de los tiempos en una narración. En este documental de Rick Rowley sobre la odisea que fue la investigación de una historia del periodista Jeremy Scahill no sobresale ninguno de ellos y no hace falta.

Scahill ha sido titular por reportajes revelados en Kosovo, en Bagdad pero es mayormente reconocido en el mundo por ser protagonista en la revelación de Blackwater (ahora Academi) como una empresa patrocinada por el gobierno de Estados Unidos en el trabajo mercenario de aniquilamiento sistemático por fuera de los estándares regulados por la ley; en otras palabras, una agencia paramilitar auspiciada directamente por el gobierno estadounidense.

El interés de Scahill decayó en una guerra mediática, como si estuviera en un cuadrilátero de boxeo, enfrentándose con cada uno de sus opositores, sin importar que el anfitrión del programa fuese un aliado de sus ideas; esto lo dejó visiblemente acabado e intelectualmente agotado; no obstante, en Dirty Wars quiere demostrar que la personificación de cambio entre el torpe e ignoto George W. Bush por el ilustre y estadista Barack Obama es apenas un espejismo. No sólo las políticas del démocrata son más sanguinarias y continuistas con las de su predecesor sino que es audaz en su diversión mediante discursos liberales, patrióticos y altruistas; para demorstrarlo investiga la división J-SOC (Joint Special Operations Command) que no es más que la extensión más terrible de su guerra contra el terrorismo. Muchas veces en este blog nos hemos topado con maquinarias más fuertes que Obama que lo hacen ver como un títere, como el idiota útil que es un presidente en nuestros sistemas seudodemocráticos, que nada tienen que ver finalmente con el pensar del pueblo sino con el dominio de unos pocos con mayores recursos sobre el resto de la población; en este documental se hace manifiesto que como líder militar, el presidente Obama declaró la muerte específica por decreto de mujeres, niños, ancianos y ciudadanos estadounidenses bajo varias razones bastante perturbadoras: enemigos del estado, subversivos, fieles y seguidores de filosofías amenazantes, infortunio o el peor de todos «por si las moscas».

Scahill es un hombre pesimista y apagado. Sus ojos brillan cuando investiga pero su ser se siente profundamente comprometido con las pistas, los testimonios y los hechos que logra colectar. Su tono es oscuro y con el paso del tiempo en la pieza es más sombrío aún. Su denuncia es terrible y aunque es loable su posición hasta ahora como nominada en los Oscar, trivialidades como We Steal Secrets son más «premiables» por los gremios; es decir, Rowley debería estar más que satisfecho con hacernos llegar su inquietud y que en su carrera haya logrado mejor cinematografía en Sundance; seguramente el altruismo de la libertad que respira The Square o la desfachatez delirante de un asesino impune en Sumatra con The Act of Killing serán mejor recibidas por el público en general.

The Square

The Square – Al Midan es un documental producido por Netflix y dirigido por Jehane Noujaim relatando la Primavera Árabe, donde el pueblo egipcio mediante ocupación pacífica de la Plaza de Tahrir derrocó 30 años de dictadura de Hosni Mubarak. En enero de 2011, plantados en medio de dicha plaza, El Cairo decide que no da un paso atrás hasta que Mubarak se retire; de nada valen las amenazas del dictador que ve como sus látigos ya no tienen el mismo poder que en otrora. A un mes del establecimiento, en un sorpresivo movimiento de Mubarak, el tirano retrocede y abdica, una desconcertante actitud. Pero tan sólo han pasado diez minutos de cinta ¿qué falta por decir después de que el pueblo con su posición ya ganó lo que buscaba?

Inteligentemente, Noujaim recapitula que a pesar de haber tumbado al opresor, en el poder han quedado sus aliados militares de suplentes; la policía que en algún momento apoyó las marchas se empoderan de sus garrotes y atacan a los revolucionarios; el ejercito que salió de los tanques a celebrar, fruncieron sus ceños y dispararon balas de verdad a quemarropa contra la horda escandalizada; y, la junta militar en vez de hacer una transición, divide al pueblo y durante diez meses logra polarizarlos manteniéndose de esa forma en el gobierno para su propio lucro.

La Hermandad Musulmán toma voz en La Plaza y se adueña de la revolución, a punta de fé manipula a los suyos, a punta de discursos incendiarios advierte a los infieles y a punta de fuego aniquila a sus opositores, porque debajo de cuerda ha empezado a hacer pactos con el régimen que concluyeron en las amañadas elecciones populares de 2012 y que subieron al poder a Mohamed Morsi, un caudillo de La Hermandad que sorpresivamente maneja el mismo discurso amenazante y déspota del derrocado Mubarak.

Mientras los fanáticos musulmanes estaban enceguecidos, Khalid Abdalla, Dina Abdullah, Ramy Essam y Ahmed Hassan protagonistas revolucionarios siguen conduciendo la rebelión a la plaza y no se dejan callar por las manipulaciones, exigiendo la salida del régimen del poder.

Al Midan me recuerda un poco a 5 Broken Cameras aquel documental dirigido por el israeli Guy Davidi y el palestino Emad Burnat que narra la ocupación ilegal de Israel sobre el pueblo de Bil’in, en la Franja de Gaza. Digo que me parece recordarlo con Al Midan porque el sustento del tema es una confrontación que no llega a ningún lado, un final abierto casi desolador, donde tememos siempre por la vida de los agitadores y donde el objetivo no se alcanza al término de la cinta; pero contrario a Palestina, las noticias de Egipto son alentadoras Morsi ya no es presidente; la revolución ha ganado un gran paso y fue poner un presidente interino (Adly Mansour) y un primer ministro (Hazem Al Beblawi) que ya lograron un referendo para crear una constitución incluyente en enero de este año.

Al Midan está nominada a los Oscar y a los Spirit aunque ya ganó TIFF y Sundance en similares categorías. No obstante la producción de Netflix se nota en sus cámaras y en el montaje, uno de sus aportes más importantes y del cual deberíamos aprender más es que de nada sirve la anarquía o el hacernos escuchar si en el desorden dejamos que suban otros personajes ajenos a nuestros reclamos y que pueden manejar el mismo discurso de los criticados; la revolución debe generar caos y del caos surgir un orden calculado, hay que saber cuándo, cómo y quién llevar al poder como eje de nuestras ideas, de lo contrario la medicina resultaría tanto o más dañina que la enfermedad.

Il Futuro

Esta reseña se la quiero dedicar a mi hermana Paloma; que una vez esperándome en la oficina se leyó un libro entero, mientras en casa aún tenía a Anna Karenina esperándola para ser terminada. Quise hacer lo mismo o por lo menos algo parecido. No estaba consciente de ello sino hasta que lo estaba haciendo. Empecé a ver Il Futuro de la chilena Alicia Scherson porque pensé que era una cinta de ciencia ficción con Rutger Hauer, una de tantas cintas de ciencia ficción con el actor, y fui sorprendido con la adaptación de un cuento de Roberto Bolaño.

Me vi la peli.
Pero antes de hacer la reseña, me leí ‘Una novelita lumpen’ de Bolaño en la que la realizadora se había basado para hacer su largo. El cierre de su ópera prima. Así, a simple ojo, Scherson se había basado vagamente en la historia de Bolaño pero se habría tomado muchas libertades; muchas buenas en la peli, muchas mejores en el cuento.

Bianca y Tomás son dos huérfanos que recientemente perdieron a sus padres en un accidente automovilístico; al ser menores de edad el estado es responsable pero puede darle la posibilidad a Bianca que es la mayor de decidir si Tomás va a una institución o se queda con ella bajo su responsabilidad; Bianca no tiene la suficiente fuerza para tomar una decisión y es Tomás el que se adelanta a responder “que no habrá problema” a una trabajadora social; los días pasan y ambos jóvenes sobreviven, ella de la peluquería y él de un trabajo voluntario en un gimnasio del barrio; Tomás hace amistad con dos fisicoculturistas y los lleva a vivir a la casa, donde a regañadientes Bianca acepta; parecen honrados pero sus intenciones pronto develan un plan más elaborado donde Bianca debe estafar a un viejo actor de Hollywood, Franco Bruno artista personificador del heroico Maciste, interpretado para la chilena por Rutger Hauer.

Bianca debe ganarse la confianza del viejo que resulta ciego y encontrar el lugar de su caja fuerte; en su búsqueda, Bianca se fascina con los cuentos de otrora del actor de serie B y empieza a alquilar sus pelis generando un vínculo entrañador y profundo. Sus sentimientos se confunden y empiezan a pelear con los objetivos de los visitantes en su casa determinando una situación de tensión en donde Bianca debe pensar por ella y por su hermano.

La pieza es profundamente sensual y erótica pero se duele de su inspiradora novela que maneja mejor los tiempos y no tiene a actores sin experiencia que desacreditan la trama de la cinta; además su directora y escritora, por circunstancias que desconocemos eliminó de la trama todas las situaciones que definen el perfil de Bianca, su desesperación y frustración, mochando de tajo todas las situaciones dramáticas y enriquecedoras del relato de Bolaño; Hauer interpretando a Maciste es lo mejor de la pieza, con una apariencia adecuada y una interpretación propia captura nuestra atención y es enternecedor pero de nuevo su personaje literario es más fluido, más rico, aquí es tan sólo una arista no muy importante, casi accidental, que no tiene muchas implicaciones ni en el destino de Bianca, ni en el de su hermano, dejando más vacíos que respuestas. Las implicaciones del futuro como personaje de la obra son más claros en la novela y aún así más creativos y diversos; para el que no leyó el libro, el título es más un capricho que un eje importante en la peli y toda la historia una cadena de retazos inconexos.

La cinta logra Colón de Plata en el Festival de Cine de Huelva (España) para Manuela Martelli como actriz principal y Alicia Scherson como mejor dirección; además concursó oficialmente en Cannes y Venecia siendo su logro más grande la nominación de mejor drama del mundo en Sundance del año pasado.

Crystal Fairy & the Magical Cactus and 2012

Sebastián Silva después de la galardonada Nana logra algo inusitado para Hollywood y es regresar para hacer, en tan sólo tres meses, dos buenas producciones cinematográficas, ganar mejor dirección Sundance con esta Crystal Fairy (su nombre corto), estar nominado en los Spirit por el desempeño de Gaby Hoffman como actriz principal y ser reconocido como realizador de una de las mejores producciones por debajo de los 500 mil dólares en la categoría John Cassavetes; digamos que los proyectos de bajo presupuesto son el pan de cada día en el cine de Latinoamérica pero nos llama muchísimo la atención su cerrada amistad con Michael Cera para que se haya prestado a hacer no una sino las dos cintas, sin contar el hecho de que también participaron Emily Browning, Catalina Sandino y Juno Temple en Magic Magic, reconocidas voces de Hollywood.

Crystal Fairy es una jipi gringa en Santiago interpretada por Gaby Hoffman que baila libre y extrovertidamente en una fiesta; allí se encuentra con Champa, Juan Andrés Silva, y Jamie, Michael Cera, que de inmediato emite un prejuicio sobre el actuar de Crystal y trata de salvarla de su bochornosa actuación; visiblemente drogado sus palabras sobre la chica caen como un torpe coqueteo pero sorpresivamente ella le sigue la corriente y deja de bailar; él ha cuadrado con unos amigos un paseo a la playa e invita a Crystal para que los acompañe; lamentablemente al otro día no se acuerda de nada, al encontrarse con ella sólo le produce fastidio y choca constantemente contra su discurso de manera violenta; Jamie es un joven muy superficial, ha planeado este paseo para tomar mezcalina y se ha enterado que de la corteza del cactus San Pedro se puede hacer una emulsión que posee dicha sustancia; frenéticamente ha empezado la búsqueda de este cactus que se le vuelve esquivo por su actitud arrogante frente a los dueños de estas matas en el pueblo; finalmente, en un acto cobarde logra su cometido y emprende su tan anhelada aventura.

Es interesante la perspectiva tanto de Crystal Fairy como de Magic Magic en cuanto a los turistas en Chile; no es que los esté denigrando o esté describiéndolos peyorativamente pero, así como en Chile, si hay un imaginario común en toda Latinoamérica de que el «gringo» (léase cualquier turista de zonas septentrionales o pálido y rubio de cabello) llega en busca de todo lo que no le es permitido en sus países de origen; “…vamos al sur por drogas”, “…vamos al sur en busca de sexo fácil”, “…vamos al sur en busca de fiestas y diversión”; y aunque no están tan alejados de la verdad, su irrespeto a las culturas locales en muchos casos se evidencia con una denigrante capacidad monetaria para comprar lo que sea; “…me gusta eso, véndemelo”, “…dónde consigo eso, tengo mucho dinero”, “…acompáñame como guía, te voy a hacer millonario” con implicaciones claras de explotación, subvenciones ilegales y porqué no hasta tintes de esclavismo, temas muy delicados que no se les puede decir muy de frente porque son sumamente ofensivos; obviamente están las excepciones y por eso dentro de nuestros grupos sociales también han logrado colarse otra clase de gringos.

Sabemos que Michael Cera no es como cualquier niño de Hollywood; a sus 26 años ha logrado vender una imagen sencilla, de impúber e inocente dentro de las corrientes convencionales de la TV; pero su trabajo es más interesante en el campo independiente, por ejemplo su canal de YouTube, es más allá de interesante y experimental, se nota el trabajo de una persona inteligente que quiere decir cosas y no se quiere quedarse quieto sobre ellas. Entonces sin ser xenófobo, Silva ayudado por Cera en sus dos producciones logran poner el punto sobre las íes, cuando se lee entre líneas la relación entre el turista y la comunidad local que está visitando; no los juzga, afirma que no son malos de corazón –Cera siempre termina dándose cuenta de su mal comportamiento y se disculpa- lo que pasa es que muchos otros no se disculparon y su grosería se vuelve el pensamiento común de la gente.

Personalmente, no siento que Crystal Fairy sea una buena producción. Tiene un mensaje sugestivo y un desarrollo «completo» de los personajes pero la trama se empantana y termina ofreciendo un final francés, que a todas luces siempre me ha parecido una herramienta facilista e intelectualoide de algo que se muestra inconclusa para que un grupo de esnobistas se maravillen y asombren.

Crystal Fairy & the Magical Cactus and 2012 no tiene programada una llegada pronta a carteleras comerciales; no es que valga mucho la pena tampoco, el trabajo de Hoffman es muy promedio y nada deslumbrante como si lo notábamos ayer en Short Term 12 y Brie Larson; su fotografía es buena y ya, si hay alguno interesado en verla la pueden conseguir en Netflix y con eso puede llegar a ser suficiente.

This Is Martin Bonner

Feliz y próspero 2014 para todos.

Empezamos muy juiciosos este inicio de año con la ganadora en Sundance del Next! y nominada a los Spirit en la también categoría de bajo presupuesto John Cassavetes, This Is Martin Bonner; aunque la va a tener muy ruda pues concursa con la ya ganadora Crystal Fairy de Sebastián Silva.

Ambas cintas pudimos verlas gracias a Netflix y fue un placer hacerlo. Después hablaremos de la chilena porque por ahora nos concentraremos en la dirigida por Chad Hartigan.

Hartigan nos cuenta la historia de un hombre maduro llamado Martin Bonner que es de todas formas joven porque está en control de todas sus capacidades psicológicas; Bonner es australiano de nacimiento pero al parecer se mudó a Maryland para acompañar a su familia y servir como sacerdote protestante en su iglesia pero después de 30 años tuvo dudas de su fe y fue expulsado de aquella congregación; suponemos ese momento de crisis también afectó su familia y se separó de su esposa y es precisamente por ese hecho que es expulsado. Durante tres años anduvo buscando puesto y lo encontró en Reno, Nevada, como consejero de una organización sin ánimo de lucro que brinda apoyo a los exconvictos de una cárcel local, mediante apoyo moral y guía espiritual; la condición es que los reclusos en su libertad deben recibir un adoctrinamiento en el cristianismo aunque no necesariamente volverse a la religión -una especie de catequesis- y la organización les otorgará unos padrinos, un lugar temporal de morada y la posibilidad de conseguirles un trabajo digno. Martin Bonner es una buena persona, no obstante afirma que ha perdido su fe y que el trabajo que tiene es el único en el que realmente se puede dar el lujo de recibir un sueldo, este australiano bien entrado en sus 50 años aún conserva intacta su vocación de servicio. Es así como se encuentra con Travis Holloway, un expresidiario que acaba de redimir sus culpas por el asesinato culposo de un joven de 26 años, mientras manejaba borracho; cursó una pena de 12 años y se siente muy afligido no sólo por ser consciente que su error le costó la vida a otro ser humano sino además porque perdió una gran porción de su vida encarcelado; tiempo que le significó estar por fuera de los planes de su hija y que ahora en libertad busca reivindicar.

This Is Martin Bonner es una peli sencilla y delicada, sin mayores aspiraciones, que relata la profunda constricción de las personas en situaciones de crisis pero con la convicción de salir adelante; This Is Martin Bonner también es un canto solitario en medio del desierto de Nevada con la inclemencia de su clima. Martin Bonner es interpretado por el veterano Paul Eenhoorn, un australiano pupilo de Sundance que apoya con un grupo de colegas el desarrollo del cine independiente, en este caso liderando poderosamente la conmovedora historia de este misionero perdido en Reno; por su parte Travis Holloway es interpretado por Richmond Arquette y es donde recae todo el drama de la cinta; mientras Bonner se siente errante y temporal en su trabajo, alejado de su hija pero sobre todo de su hijo con el que no cruza palabra, Holloway está desesperado, está herido, está haciendo el esfuerzo más grande por salir adelante y retomar el modelo paterno de su hija, la actriz Sam Buchanan.

Disfrutar This Is Martin Bonner es fácil, su narrativa es directa, lineal pero muy bien lograda; el drama va apareciendo poco a poco sin ser trágico o rayar en lo cómico; su forma pausada de ir desarrollando los personajes hace que uno se vincule rápidamente con ellos llegando al punto emotivo de casi el enternecimiento, sin ser una pieza de explotación emocional o un melodrama barato. Lo más substancial es el manejo de los encuadres y el color de la fotografía -no se si era porque hoy hacía un frío del demonio aquí en Bogotá pero las tomas de Sean McElwee dolían profundamente en los tuétanos- y su articulación en el montaje constantemente translapado de Julio Perez IV nos envolvía en un baile exquisito.

Muy recomendada.
Esperemos le vaya muy bien en todas las galas que se aproximan y en las que está nominada.

Fruitvale Station

Contrario a Don Jon, Fruitvale Station no me pareció tan notable y eso que ha sido mayormente reconocida en todos los círculos independientes del mundo; para no tener que nombrar los 28 premios que ya ha colectado -además de los 11 reconocimientos restantes- es sobresaliente que la ópera prima del joven Ryan Coogler ganó Gran Premio del Jurado de Sundance como mejor drama y también Premio de la Audiencia este año; por si fuera poco y después de alzarse en Toronto, Estocolmo y en Cannes en la categoria A Certain Regard, Coogler va trás tres premios importantes en los Spirit mejor ópera prima, mejor actor principal para Michael B. Jordan y mejor actriz de reparto para Melonie Diaz.

En 2009, Oscar Grant III fue detenido por policías dentro de la estación de Fruitvale del Bart, el transporte masivo que comunica todos los extremos del Área de la Bahía de San Francisco; Grant protagonista de un altercado en la estación cercana a Oakland también sufrió de maltrato policiaco injustificado que terminó con un disparo de uno de los policías a quemarropa y la subsecuente muerte del joven de 22 años.

En una de las entrevistas que le escuché a Coogler decía que no quería que la cinta se alzara en el caldeo de posiciones radicales racistas que a la postre terminaron con las protestas y altercados más grandes que hemos visto por estos motivos, en mucho tiempo y particularmente nunca en California. Pero jugando a ser abogado del diablo, esta peli no ofrece más que una narración lineal promedio y una profunda culpa de los estadounidenses frente a estos brotes de xenofobia y racismo incontrolables en muchas zonas de su país; por eso se entendería todo el ruido que ha causado esta biopic.

Igual que Argo -pero con motivaciones más nobles-, Fruitvale Station rehace cada uno de los eventos de esa trágica noche del 31 de diciembre de 2009; la cinta es realizada en base a todos los hechos grabados desde diferentes celulares y plantea un poco de contexto a la historia de Grant; un homenaje al padre de Tatiana que fue injustamente acribillado en un hecho colateral a toda su persona.

La peli es un recuento de las extralimitaciones del poder policial, del racismo creciente en las zonas marginales de Estados Unidos pero en ningún momento es una pieza destacada como se la hace pasar. Un buen desempeño de Melonie Diaz como la esposa de Grant que no ha tenido mucha suerte para encontrar el papel de su vida y el despertar de una estrella como Michael B. Jordan que ha crecido en el medio de la TV pero que después de Chronicle ha venido tomando unas decisiones muy acertadas que lo tienen dentro de las figuras más prometedoras de Hollywood de los próximos años.