Isle of Dogs

Isle of Dogs no sólo parece ser mi favorita de los Oscar -recuerden que aunque me divierte la gran ceremonia de La Academia y que he aprendido a encontrar sus ganadores como adecuados para sus patrones, me encanta encontrar el que lleva las de perder porque casualmente tiene una gran riqueza en su factura-, es el que se espera que pierda, es el que guarda secretamente el testimonio de mejor peli del año.

Y aunque su calificación no es más alta que algunas de la ceremonia, la razón es que Wes Anderson y su Grand Budapest Hotel trajo decepción y engaño iconoclasta a mi hospitalidad como fanático de su obra. No soporté más su repetición inocua de imágenes y sensaciones, de giros y líneas aburridamente citadas como copias de su propio fruto. Y lo abandoné. Pero hoy Isle of Dogs me trae más que satisfacción al ojo, me trae esperanza en un nuevo proceso creativo del autor; un proceso que renace de sus propias cenizas y considera un camino novedoso.

Una selección de actores como siempre excelente con la noticia de primer plano a Bryan Cranston en su primer papel con el director -obviamente también a Harvey Keitel o Scarlett o Frances McDormand o Greta Gerwig o F. Murray Abraham o Ken Watanabe o incluso Liev Schreiber– pero Cranston llega como actor principal, como a su vez fue Bruce Willis en Moonrise o Fiennes en el Budapest Hotel o George Clooney en Fantastic Mr. Fox. Dichas voces se esfuerzan en un dramatismo de tonos sencillos conservando el relato de una fábula infantil y llega el éxtasis cuando reconocemos la nasalidad de su actor fetiche, una vez más dando pinceladas de genialidad en sus participaciones del guión.

Me encanta la mezcla de técnicas como recursos de narración temporal (ilustraciones de xilografías clásicas japonesas cuando se refiere el pasado); de planteamientos del epílogo (otra vez con ilustraciones esta vez más clásicas de la tradición japonesa transmitiendo contexto y algo de solemnidad); recursos de texturas audiovisuales (con las líneas en alto contraste negro-verde para mostrar las cámaras de video infrarrojo o las blanco y negro ‘cuasi collage‘ para mostrar las pantallas de tele en vivo); obviamente, todas contrastadas con las fabulosas estatuillas en «stop-motion» que describen el aquí-ahora de la historia.

Hay otros picos aún más altos dentro de la pieza como Desplat en la música, Tristan Oliver en la cinematografía o todo el equipo de montaje o producción de diseño. No es más alta su calificación por los mismos estándares planteados anteriormente. Nada previene o asegura que esta no sea sino un paréntesis, una chispa volatil, un yerro que se olvide en su siguiente diatriba.

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Snowpiercer

Si hay algo impresionante en esta cinta de Bong Joon-ho es el maquillaje y la dirección de arte. El coreano a quien conocemos por Tokio! y Madeo se tomó muy en serio este ítem en su primer paso hacia la industria hollywoodense. El destellante reparto liderado por Chris Evans, Jamie Bell, Tilda Swinton, John Hurt, Ed Harris, Octavia Spencer, Song Kang-ho, Ko Ah-sung, Ewen Bremner y la fugaz Alison Pill aparecen en pantalla completamente irreconocibles gracias al excelente trabajo de Gabriela Polakova como maquilladora y las adiciones protésicas de Matthew Smith.

Snowpiercer es una historia de ciencia ficción a bordo de un colosal tren que en un ininterrumpido viaje atraviesa al mundo, constantemente, todos los años. Su misión cinética es no permitir que sus tripulantes se congelen; décadas atrás, infructuosos intentos de la humanidad por detener el calentamiento global trajeron un perpetuo invierno que prácticamente acabó con la población, restando sólo los pasajeros del «Snowpiercer» como cariñosamente llamaron la bestia creada por Wilford, Ed Harris; Wilford había previsto el congelamiento de la Tierra y se había apresurado a construir un tren que en medio de su movimiento permitiera un espacio de albergue y amparo.

Pero no todo es color de rosas dentro del tren. Wilford en su idealización también diseñó clases sociales y zonas estratificadas para esas clases sociales dentro del tren lo que genera múltiples contradicciones en su discurso liberador. La perspectiva de Joon-ho se ve desde el punto de vista de los más marginados que están sometidos a todos los vejámenes imaginados como rendirse a tener que entregar sus hijos a cierta edad para la explotación del tren o la invariable rutina de comer diariamente proteínas prefabricadas en una desagradable presentación gelatinosa. Esto conlleva a la muchedumbre a sublevarse y tratar de tomar las riendas del tren para tratar de sobrevivir donde antes muchos estérilmente fallaron.

Snowpiercer está basada en una novela francesa llamada Le Transperceneige de Jacques Lob, Benjamin Legrand y Jean-Marc Rochette, y aunque no podemos determinar la fidelidad a la fuente, se siente un ritmo narrativo literario bastante consistente pero también un poco desnaturalizado del formato cinematográfico. Los capítulos son extensos, cíclicos y muy descriptivos; la revolución de Curtis toma demasiado tiempo antes de que llegue a algún término y mientras en algunos tramos es dinámica y coherente, estaciones pausadas para comer sushi simplemente hacen el montaje irrelevante.

Recién hablábamos del desempeño de Ed Harris en Sweetwater, que sin ser mediocre si fue muy pobre; en Snowpiercer, Harris se encuentra en su método, en su zona de confort, definiendo un personaje aristocrático, autoritario y con agendas oscuras en sus planes. Harris logra salvarse de Sweetwater con este papel, sobre todo halado por las sendas presentaciones de John Hurt, Ewen Bremmer y Tilda Swinton que no falla: qué señora actriz. El libreto se queda corto no en desarrollo, sino en mejores desenlaces para algunos personajes y se nota en los vacíos que dejan sus ausencias a medida que avanzan en el tren; Snowpiercer adolece de un exceso de puntos focales y un sólo receptor, como lo es Chris Evans que, personalmente, siento le queda grande el papel.

Veremos qué sucede con la escena coreana en Hollywood. Snowpiercer resultó ser muy promedio a pesar de las grandes expectativas y de los geniales aportes visuales. En este duelo, Park Chan-wook con Stoker sigue liderando su paso al cine occidental por sobre Bong Joon-ho y The Last Stand respectivo debut de Kim Jee-woon.

Moonrise Kingdom

Por fin llegó a nuestra cartelera comercial la peli indie más esperada del año, Moonrise Kingdom de Wes Anderson. Lanzada oficialmente en Cannes del año pasado y estrenada en Estados Unidos en junio, desde la primera vez que vimos su corto hemos estado aguardando por su llegada casi un año -a decir verdad, yo hice mi pedido en Amazon a principios de noviembre previendo que de pronto no la trajeran como sucedió con Fantastic Mr. Fox y el disco llegó mucho antes de su estreno en salas, sin embargo, sabiendo que se aproximaba su proyección, perseveré hasta que por fin la vi anoche-.

Hay muchas formas de observar esta pieza; esta entrada -que se refiere a la primera vez que la vi- se centra en la bella artesanía que nos deslumbra al ser proyectada. Una gran artesanía en la cual intervienen muchas personalidades importantes en la industria de Hollywood. El primero sin duda debe ser su compañero -casi hermano- Robert D. Yeoman. Un cinematógrafo que lo ha acompañado desde Bottle Rocket y que ha interpretado su visión de una forma tan simbiótica que encontramos en cada cuadro desde su ópera prima una rúbrica de este magnífico equipo. Cuando la cinta empieza, los colores saturados, cálidos y estridentes combinados con esos movimientos específicos de cámara sentimos una estética de belleza cercana y reconocible, la del universo del realizador. Tal vez la calidad de la producción, la temática o la agenda misma lo apartó por un instante de Anderson en Fantastic Mr. Fox pero -si me permiten la cacofonía- es fantástico tenerlo de vuelta.

Sabemos que Anderson es por excelencia y naturaleza un contador de historias, un escritor-director que ha logrado hacerse a una posición prestigiosa desde la independencia de sus creaciones. Pero nunca ha estado solo en el equipo de escritura, su pareja más notable ha sido hasta ahora para mí Owen Wilson pero también lo han acompañado Jason Schwartzman, Noah Baumbach y Roman Coppola. Al igual que Yeoman, Coppola se apartó desde The Darjeeling Limited y volvió para escribir esta hermosa historia. Hermosa y de doble filo. La historia se basa en la relación de dos jóvenes doceañeros que huyen de sus hogares por inconformidad y desatención. Suzy (Kara Hayward) es introvertida, entusiasta de la literatura y la música, Sam (Jared Gilman) es campista Khaki del Campamento Ivanhoe. Ambos se recluyen por consentimiento mutuo en una ensenada que nombran como Moonrise Kingdom. Sin embargo, y a pesar de que la policía, los otros campistas y los padres de Suzy, los encuentran, en el poco tiempo que pasan solos hay serias alegorías sexuales que son muy interesantes -mi favorita por supuesto son los aretes de anzuelo que Sam le regala a Suzy y que para ponérselos literalmente tiene que romperse las orejas, delineando un fino hilo de sangre por su cuello; una alusión poética al quebranto de la inocencia o un poco más profundo a la pérdida de la virginidad-. Los diálogos forzados en un tono adulto y las figuras que acabamos de nombrar hacen pensar de pronto que los niños no son tan niños y que son instrumentos de una fábula para poder contar una historia de amor. En teoría, Moonrise Kingdom está basada en las experiencias propias del joven Anderson relacionadas con su primer amor pero eso no significa necesariamente que haya sido en su niñez; el director se refiere a ella como una buena base de la historia real pero que es poco acertada a medida que se desarrolla la trama.

Moonrise Kingdom demuestra que Wes Anderson realiza, produce y desarrolla el casi extinto cine de autor. Un cine donde se dirigen actores, se cocinan experiencias y se dirige una orquesta cinematográfica. La última parte de la triada que define su estilo una vez estuvo ocupada por Mark Mothersbaugh pero el ex-Devo dejó un gran vacío cuando en The Darjeeling Limited no hubo partitura original. De ahí en adelante, la silla la llenó el maestro Alexandre Desplat que al igual que Mothersbaugh fue capaz de ambientar escenas de forma emotiva dentro de un ecosistema muy personal del autor sin llegar a las salidas fáciles e iconoclastas que de pronto llegamos a percibir en otros autores como Tarantino, Woody Allen o incluso Almodóvar. Para los ex-refousianos, esta cinta en particular puede llegar muy profundo al corazón cuando se entrañan las clases de apreciación musical con Monsieur Jeangros o la relación directa con el Carnaval de los Animales de Camille Saint-Saëns -la pieza Pianistes interpretada magistralmente por Leonard Bernstein la usamos en El Colegio como base de una presentación final de todo nuestro curso en segundo de primaria-.

No puedo realmente afirmar que Moonrise Kingdom sea mi peli favorita de Anderson. Sigo pensando que The Royal Tenenbaums es su gran obra maestra y que tanto The Darjeeling Limited como The Life Aquatic with Steve Zissou estuvieron cerca de sus talones pero lejos de su excelencia. Moonrise Kingdom es una gran cinta que mejora cada vez que uno la ve y con el tiempo se me hará entrañable, pero eso no lo supe sino hasta que la ví y por eso sería imperdonable que nos la perdamos en salas. En si misma es una serpiente de Ouroboros que se alimenta de cada una de las pelis en el portafolio de Anderson. La presentación, los escenarios y el discurso/apariencia de Bob Balaban son inspirados en Steve Zissou, Suzy es Margot Tenenbaum, Sam es un joven Max Fischer que en vez de clubes tiene insignias pegadas a su uniforme, y en su temática el sentimiento de orfandad (o por lo menos ausencia de figuras paternas) fue tomado de The Darjeeling Limited así como el sentido fabulista para poder contar una historia -de nuevo- no necesariamente para niños fue aprendido de Mr. Fox.

La pieza empieza a recoger sus frutos cuando los principales gremios de Hollywood la empiezan a colocar como punto de referencia. Edward Norton, Tilda Swinton, Frances McDormand y obviamente Bill Murray su actor fetiche conforman el reparto, pero es Bruce Willis quien empieza “a robarse el show” cuando es nominado en los Spirit de este año.

Valga la pena nombrar, así sea al final, a Eric Anderson, hermano del autor, que siempre lo ha acompañado en el arte de sus pelis y en las portadas que Criterion Collection redita de sus piezas así como los seis artistas que fueron encomendados para desarrollar los libros ficticios de Suzy; David Hyde Costello para «Shelly and The Secret Universe», Juman Malouf (su novia actual) para «The Francine Odysseys», Sandro Kopp para «The Girl from Jupiter», Collider para «Disappearance of the 6th Grade», Andrea Dopaso para «The Light of Seven Matchsticks» y Kevin Hooyman para «The Return of Auntie Lorraine».

Nota personal. ¿Qué opinan de la Futura en la cinta? Todas las pelis de Anderson manejan de forma acuciosa letras de la familia tipográfica Futura en todos los avisos, piezas impresas o referencias gráficas, sin embargo, aquí en Moonrise Kingdom no sólo aparece muy de vez en cuando sino que se hacen referencias a otras fuentes tipográficas igual predominando dos o tres fuentes, ¿cuál es su teoría?

We Need to Talk About Kevin

Pensaba que la crítica era un tanto descuidada cuando afirmaban que We Need to Talk About Kevin proponía la mejor actuación de Tilda Swinton y me ponía a pensar si realmente era posible superar Io sono l’amore, Michael Clayton o Broken Flowers. Personalmente, Swinton logra su máximo desempeño en Io sono l’amore pero esta cinta le puede hacer un buen contrapeso y por suma de elementos estructurales incluso ser tan interesante.

We Need to Talk About Kevin está basada en la novela del mismo nombre de Lionel Shriver. Lynne Ramsay es una joven realizadora escocesa que nos trae su interpretación proponiendo un frenético juego de tiempo para presentarnos la vida de Eva Khatchadourian (Tilda Swinton). Eva es una mujer exitosa, podríamos aducir que una especie de corresponsal, de pronto uno de esos viajeros que vemos en los canales de turismo que viajan y viajan para dar sus recomendaciones sobre Buñol, Rangún o París, uno de esos viajeros que tanto envidiamos y odiamos por tener el trabajo perfecto. Eva es neoyorquina, sofisticada, cosmopolita y aventurera. Su pasión por los viajes se ve truncado súbitamente por un embarazo no deseado y comienza su pesadilla. Sus calidades como madre la frustran, su incapacidad para calmar a su hijo la desconcierta y la falta de comprensión la llenan de un profundo vacío. De repente, todos los juegos de Ramsey se vuelven reflexiones de Eva sobre su pasado y de cómo ella tenía arreglada su vida en una realidad superflua pero feliz.

El producto de esa insatisfacción, de esa incapacidad y de esas frustraciones es un niño desenfrenado, desatado y sádico. Un niño llamado Kevin que fue capaz de leer a su mamá desde los dos años, manipularla a los ocho y envilecerse a sus dieciséis. We Need to Talk About Kevin es la historia de este niño en particular y la lucha de su madre para sobrevivirlo. Hay varios temas geniales en la pieza de Ramsay sin embargo antes de discutirlos a fondo, me gustaría dejar claro que no estoy muy de acuerdo en el regusto que deja la cinta al esclarecer la culpa de esta mujer por haberse extasiado en su juventud y sentirse orgullosa de su éxito. Una culpa judeo-cristiana que ataca los instintos naturales de los seres humanos por el placer y su búsqueda en el hedonismo. Muchos de los grandes traumas de la intelectualidad moderna se debieron a la asunción de estos dogmas y duramos mucho tiempo en nuestra contemporaneidad tratando de superarlos.

Esta vez el desempeño de Swinton no se ve afectado por el resultado directo de su actuación, al igual que The Iron Lady, el maquillaje y vestuario de la protagonista, más que acompañar, complementan un excelso ejercicio histriónico. Tilda Swinton es un mosntruo, es un monstruo de la misma especie de Michael Fassbender, en esta peli no sólo es diferente a todas sus presentaciones diferentes sino que cronológicamente es una mujer fragmentada y cada una de sus épocas tiene una apariencia y un comportamiento diferente. Por su lado, John C. Reilly lo hace bien pero no me convence como esposo de esta gran mujer -mismas deficiencias simpáticas que le sentí en Carnage-, sin embargo se siente como un padre relajado, llevadero, empático. Mi punto sobre la culpa se empieza a sentir aquí mismo, cuando Eva no es la única responsable del desenfreno de Kevin, el ausentismo del padre es un claro agravante en la educación de un niño, tratar ser el amigo y no la figura paterna, desafían la mente de un niño y le tergiversan su sentido de lo correcto y lo incorrecto.

Hasta ahora impecable Ramsay en su tesis y en el empoderamiento de su proyecto. Ahora bien, uno pensaría que hasta aquí el director de reparto -el grandioso y veterano Billy Hopkins– ya logró sus objetivos. Pues no. Su mayor logro no fue escoger a Tilda Swinton, su agudeza y destreza se ve reflejada en la escogencia de los tres actores para los tres momentos de Kevin: A los dos años (Rock Duer), a los ocho (Jasper Newell) y a los dieciséis (Ezra Miller). Si hablamos de Tilda Swinton, definitivamente hay que hablar de esta joven promesa llamada Ezra Miller. Lynne Ramsay hace un excelente trabajo dirigiendo a sus actores y el perfil retorcido de Kevin se nota en el niño de ocho años y en el trabajo de Miller absorbiéndolo y entendiéndolo perfectamente. Pero igual uno queda boquiabierto frente a este Damian contemporáneo. Frío, calculador, psicótico, simpático, retorcido, todos las facetas de Kevin logradas con absoluta exquisitez.

Si aún no están convencidos de irla a ver en cine, si después de decirles que su partitura es delirante (Jonny Greenwood), que su montaje es obra de la más fina artesanía (Joe Bini) de pronto se convenzan de que ganó mejor actriz en los European, resonó en los Globo de Oro, en el Gremio de Actores, en los BAFTA’s de este año, Ramsay ganó mejor dirección en los British Independent y en Cannes concursó por la Palma de Oro pero la tenía muy dura compitiendo con Terrence Malick, Nicolas Winding Refn y Lars von Trier.

Nota personal. Se habrán dado cuenta que no nombré el trabajo de Seamus McGarvey director de fotografía y responsable de la cinematografía de esta peli. Pues resulta que lo dejo al final como un apartado personal para compartirles el ejercicio que hice con su, también sobresaliente, labor. Resulta que el color rojo tiene una significancia muy fuerte en la pieza. Rojo es el momento de pasión, de locura, de añoranza de Eva. También implica la manipulación, la sevicia, la mezquindad, la crueldad, la maldad. Cuando es joven y está en la tomatina de Buñol, el color está presente, la toma cenital y la sensación de la gente apretujada da una sensación de asfixia, de sexualidad, de gozo, de felicidad absoluta, de éxtasis; cuando Eva se resiente de su maternidad viste de rojo, se alimenta de rojo, bebe rojo; y cuando ella ha sobrevivido los eventos con Kevin, es atacada de muchas rojas maneras. Esto me puso a pensar en los momentos en los que el rojo está presente e hice la siguiente lista:

1. Tomatina de Buñol, Valencia
2. Reloj desenfocado e intermitente que nombra las 12:00
3. El mismo reloj que ahora enfocado anuncia las 12:01
4. El atentado contra su casa es con pintura roja
5. La mermelada del sanduche de Kevin
6. La salsa de tomate sobre los huevos revueltos con cáscaras
7. El vestido rojo de navidad cuando por fin vuelve a sonreír
8. El vino rojo
9. El fondo de sopas de tomate L. Ramsay’s alegoría a las sopas Campbell’s pero renombradas con el nombre de la realizadora
10. La sangre del hamster en las manos de Eva
11. La pintura en las manos de Eva cuando limpia su casa
12. Camiseta roja del niño de dos años cuando van a ir al pediatra para revisar si es autista
13. Las sillas de la agencia de viajes donde va a pedir trabajo Eva
14. La pelota con la que intenta jugar Eva con Kevin cuando este tiene dos años
15. La camiseta del papá cuando está jugando video-juegos con Kevin -dicha camiseta no es completamente roja, es de rayas rojas y blancas, sólo los resortes son completamente rojos-
16. El primer arco que recibió Kevin como regalo
17. El vestido de Eva cuando está con el padre aguardando por el diagnóstico de su hija

Espero con esta nota no haber revelado mucho contenido dentro de la peli pero al igual que el tiempo, es un error tratar de reconectarlo en orden cronológico. La desesperación de Eva conllevan a la constante reformulación de su psiquis y ese ejercicio al desorden mental de su historia. Puede que a uno le cuenten el final de esta cinta pero eso no afecta ni la sensación ni la racionalización de la misma.

BAFTA’s 2012

por Diego Taborda

El pasado 12 de febrero la British Academy of Film and Television Arts anunció los ganadores a sus premios BAFTA del 2012. Como bien sabemos no son tan influyentes en la ceremonia de los Oscar. Aunque pareciera que La Academia Británica se congracia con sus conciudadanos y otorga premios que seguramente La Academia de Hollywood no aceptaría nunca se nota a leguas que son mucho más serios, despeja dudas de cómo podría resolverse el primer panel de “los Oscar técnicos” y siempre será divertido divisar la fuerza con la que llegan los nominados a la gran noche del Teatro Kodak.

Academy Fellowship Todos los años La Academia Británica honra con el premio de la Comunidad de la Academia a aquellos que hayan hecho un aporte excepcional al cine, este reconocimiento es considerado como el logro más grande en la carrera de un artista fílmico y este año fue concedido a uno de los grandes:

• Martin Scorsese

Outstanding British Contribution to Cinema

• John Hurt

Best Film The Artist producida por Thomas Langmann

• The Descendants
• Drive
• The Help
• Tinker, Tailor, Soldier, Spy

Outstanding British Film Tinker, Tailor, Soldier, Spy de Tomas Alfredson, Tim Bevan, Eric Fellner, Robyn Slovo, Bridget O’Connor, Peter Straughan

• My Week With Marilyn de Simon Curtis, David Parfitt, Harvey Weinstein, Adrian Hodges
• Senna de Asif Kapadia, James Gay-Rees, Tim Bevan, Eric Fellner, Manish Pandey
• Shame de Steve McQueen, Iain Canning, Emile Sherman, Abi Morgan
• We Need to Talk About Kevin de Lynne Ramsay, Luc Roeg, Jennifer Fox, Robert Salerno, Rory Stewart Kinnear

Outstanding Debut by a British Writer, Director or Producer Tyrannosaur – Paddy Considine (Director), Diarmid Scrimshaw (Productor)

• Attack the Block – Joe Cornish (Director/Escritor)
• Black Pond – Will Sharpe (Director/Escritor), Tom Kingsley (Director), Sarah Brocklehurst (Productor)
• Coriolanus – Ralph Fiennes (Director)
• Submarine – Richard Ayoade (Director/Escritor)

Best Director Michel Hazanavicius por The Artist

• Nicolas Winding Refn por Drive
• Martin Scorsese por Hugo
• Tomas Alfredson por Tinker, Tailor, Soldier, Spy
• Lynne Ramsay por We Need to Talk About Kevin

Best Original Documentary Asif Kapadia, James Gay-Rees, Eric Fellner, Tim Bevan, Manish Pandey por Senna

• Martin Scorsese, Olivia Harrison, Nigel Sinclair por por George Harrison: Living in the Material World
• James Marsh, Simon Chinn por Project Nim

Best Original Screenplay Michel Hazanavicius por The Artist

• Annie Mumolo, Kristen Wiig por por Bridesmaids
• John Michael McDonagh por The Guard
• Abi Morgan por The Iron Lady
• Woody Allen por Midnight in Paris

Best Adapted Screenplay Bridget O’Connor, Peter Straughan por Tinker, Tailor, Soldier, Spy

• Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash por The Descendants
• Tate Taylor por The Help
• George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon por The Ides of March
• Steven Zaillian, Aaron Sorkin por Moneyball

Best Film Not in English Language La piel que habito de Pedro Almodóvar, Agustin Almodóvar

• Incendies de Denis Villeneuve, Luc Déry, Kim McCraw
• Pina de Wim Wenders, Gian-Piero Ringel
• Potiche de François Ozon, Eric Altmayer, Nicolas Altmayer
• Jodaeiye Nader az Simin de Asghar Farhadi

Best Animated Film Rango de Gore Verbinski

• The Adventures of Tintin de Steven Spielberg
• Arthur Christmas de Sarah Smith

Best Leading Actor Jean Dujardin por The Artist

• Brad Pitt por Moneyball
• Gary Oldman por Tinker, Tailor, Soldier, Spy
• George Clooney por The Descendants
• Michael Fassbender por Shame

Best Leading Actress Meryl Streep por The Iron Lady

• Bérénice Bejo por The Artist
• Michelle Williams por My Week with Marilyn
• Tilda Swinton por We Need to Talk About Kevin
• Viola Davis por The Help

Best Supporting Actor Christopher Plummer por Beginners

• Jim Broadbent por The Iron Lady
• Jonah Hill por Moneyball
• Kenneth Branagh por My Week with Marilyn
• Philip Seymour Hoffman por The Ides of March

Best Supporting Actress Octavia Spencer por The Help

• Carey Mulligan por Drive
• Jessica Chastain por The Help
• Judi Dench por My Week with Marilyn
• Melissa McCarthy por Bridesmaids

Best Original Music Ludovic Bource por The Artist

• Trent Reznor, Atticus Ross por The Girl with the Dragon Tattoo
• Howard Shore por Hugo
• Alberto Iglesias por Tinker, Tailor, Soldier, Spy
• John Williams por War Horse

Best Cinematography Guillaume Schiffman por The Artist

• Jeff Cronenweth por The Girl with the Dragon Tattoo
• Robert Richardson por Hugo
• Hoyte van Hoytema por Tinker, Tailor, Soldier, Spy
• Janusz Kaminski por War Horse

Best Editing Gregers Sall, Chris King por Senna

• Anne-Sophie Bion, Michel Hazanavicius por The Artist
• Mat Newman por Drive
• Thelma Schoonmaker por Hugo
• Dino Jonsäter por Tinker, Tailor, Soldier, Spy

Best Production Design Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo por Hugo

• Laurence Bennett, Robert Gould por The Artist
• Stuart Craig, Stephenie McMillan por Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2
• Maria Djurkovic, Tatiana MacDonald por Tinker, Tailor, Soldier, Spy
• Rick Carter, Lee Sandales por War Horse

Best Costume Design Mark Bridges por The Artist

• Sandy Powell por Hugo
• Michael O’Connor por Jane Eyre
• Jill Taylor por My Week with Marilyn
• Jacqueline Durran por Tinker, Tailor, Soldier, Spy

Best Sound Philip Stockton, Eugene Gearty, Tom Fleischman, John Midgley por Hugo

• Nadine Muse, Gérard Lamps, Michael Krikorian por The Artist
• James Mather, Stuart Wilson, Stuart Hilliker, Mike Dowson, Adam Scrivener por Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2
• John Casali, Howard Bargroff, Doug Cooper, Stephen Griffiths, Andy Shelley por Tinker, Tailor, Soldier, Spy
• Stuart Wilson, Gary Rydstrom, Andy Nelson, Tom Johnson, Richard Hymns por War Horse

Best Special Visual Effects Tim Burke, John Richardson, Greg Butler, David Vickery por Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2

• Jamie Beard, Joe Letteri, Keith F. Miller, Wayne Stables por The Adventures of Tintin
• Alex Henning, Rob Legato, Ben Grossmann, Joss Williams por Hugo
• Daniel Barrett, Joe Letteri, Dan Lemmon, R. Christopher White por Rise of the Planet of the Apes
• Ben Morris, Neil Corbould por War Horse

Best Make Up & Hair Mark Coulier, J. Roy Helland, Marese Langan por The Iron Lady

• Julie Hewett, Cydney Cornell por The Artist
• Nick Dudman, Amanda Knight, Lisa Tomblin por Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2
• Morag Ross, Jan Archibald por Hugo
• Jenny Shircore por My Week with Marilyn

Best Short Animation The Morning Stroll de Grant Orchard, Sue Goffe

• Abuelas de Afarin Eghbal, Kasia Malipan, Francesca Gardiner
• Bobby Yeah de Robert Morgan

Best Short Film Pitch Black Heist de John Maclean, Gerardine O’Flynn

• Chalk de Martina Amati, Gavin Emerson, James Bolton, Ilaria Bernardini
• Mwansa The Great de Rungano Nyoni, Gabriel Gauchet
• Only Sound Remains de Arash Ashtiani, Anshu Poddar
• Two and Two de Babak Anvari, Kit Fraser, Gavin Cullen

Best Orange Wednesdays Rising Star Award Adam Deacon

• Chris Hemsworth
• Tom Hiddleston
• Chris O’Dowd
• Eddie Redmayne

Moonrise Kingdom

Definitivamente uno de mis directores favoritos contemporáneos es Wes Anderson. Dedicado como muchos a la escritura y realización de sus propios filmes, Anderson no sólo ha logrado establecer un estilo característico en Hollywood sino que su carácter independiente ha ayudado a que otros directores de la misma corriente como Noah Baumbach o Roman Coppola, se junten en este emotivo movimiento de hacer cine muy introspectivo y de una calidez evidente.

Anderson ha establecido un espacio de vendimia de los años 70’s a través de su fotografía, su música, sus historias, con una naturaleza impecable y estableciendo un equipo de trabajo muy sólido a todo nivel. De esa forma su reparto lo encabeza su actor fetiche Bill Murray, Jason Schwartzman, Willem Dafoe u Owen Wilson -quien a veces incluso pertenece al equipo de escritura-, Robert D. Yeoman en la cinematografía, Alexandre Desplat y Mark Mothersbaugh (Devo), así como Dylan Tichenor en montaje, que vuelve al equipo después de trabajar con el director en The Royal Tenenbaums.

Moonrise Kingdom es una grata sorpresa en nuestras recientes noticias del cine. El director ha estado en boga gracias a varios proyectos que le han ofrecido, más a nivel comercial, y satisfactoriamente se dirigió hacia otro proyecto original, más de su estilo y con la honestidad de su trabajo sin decaer en lo iconoclasta o repetido. Ahora bien el reparto es absolutamente refrescante ¿qué tal las aparicienos de Bruce Willis, Edward Norton o Harvey Keitel?

Kara Hayward (Suzy)
Jared Gilman (Sam)
Bruce Willis
Edward Norton
Tilda Swinton
Bill Murray
Frances McDormand
Jason Schwartzman
Harvey Keitel

European Film Awards 2011

por Diego Taborda

Al final de todos los años la Academia de Europea de Cine se reúne para premiar las mejores producciones en el continente y esta vez el listado de nominados era bastante cercano como para lograr una entrada con nombres interesantes y muy atractivos. Unos sacados de la Berlinale, otros de Cannes, otros de los Goya y otros de la Biennale la lista es amplia pero me motivó a hacer por primera vez una entrada del evento.

A continuación la lista de ganadores.

• European Film 2011:

Melancholia escrita y dirigida por Lars von Trier

• European Director 2011:

Susanne Bier por Hævnen

• European Actress 2011:

Tilda Swinton por We Need to Talk About Kevin

• European Actor 2011:

Colin Firth por The King’s Speech

• European Screenwriter 2011:

Jean-Pierre & Luc Dardenne por Le Gamin au Velo

• Carlo Di Palma European Cinematographer Award 2011:

Manuel Alberto Claro por Melancholia

• European Editor 2011:

Tariq Anwar por The King’s Speech

• European Production Designer 2011:

Jette Lehmann por Melancholia

• European Composer 2011:

Ludovic Bource por The Artist

• European Discovery 2011:

ADEM de Hans Van Nuffel

• European Film Academy Documentary 2011 – Prix ARTE:

Pina de Wim Wenders

• European Film Academy Animated Feature Film 2011:

Chico y Rita de Tono Errando, Javier Mariscal y Fernando Trueba

• European Film Academy Short Film 2011:

The Wholly Family de Terry Gilliam

• European Co-Production Award 2011 – Prix EURIMAGES:

Mariela Besuievsky

• European Achievement in World Cinema 2011:

Mads Mikkelsen

• European Film Academy Lifetime Achievement Award:

Stephen Frears

• European Film Academy Special Honorary Award:

Michel Piccoli

• The people’s Choice Award 2011:

The King’s Speech de Tom Hooper

Esta claro que si Von Trier se hubiera callado en Cannes de pronto hubiera sido otro el resultado aunque igual el duelo hubiera sido excelene entre ese par de pelis. Aquí fue súper reservado de acuerdo a su nueva promesa de silencio absoluto en aras de no perturbar, al jurado, la prensa o la sociedad misma. Es loco pero a veces unas palabras ociosas le dan demasiada importancia a un juego inmaduro de llamar la atención sin embargo no estoy de acuerdo que por la personalidad de uno u otro director la pieza deba llevarse o perderse de una premiación.

Nota personal. Hoy veía un documental de Pearl Jam, Pearl Jam Twenty de Cameron Crowe, y aunque hacemos gran énfasis en este tipo de eventos su importancia para nosotros debería ser la muestra y no la premiación como tal, Jeff Ament decía en dicho documental que era absurdo dar un premio a una obra de arte… Piénsenlo tiene mucha razón.

Io sono l’amore

Como les decía, la semana pasada fui a ver dos pelis italianas que me sorprendieron mucho, una fue La doppia ora y esta Io sono l’amore de Luca Guadagnino. Los argumentos para ver esta peli principalmente fueron las credenciales que traía como una nominación para el Oscar por mejor diseño de vestuario, mejor peli no hablada en inglés en los BAFTA’s, mejor peli en idioma extranjero en los Globo de Oro y así entre otros más también bastante relevantes, lo que me puso a pensar que era una tarea obligada por cumplir.

Guadagnino nos presenta una peli clásica. Empieza los créditos con planos generales y nos ubica en Milán, en un frío invierno donde la luz incipiente ofrece una especie de paisaje en blanco y negro y al continuar los créditos se siente un aire a los 40’s o principios de los 50’s con los nombres diagramados en escalera o unidos con puntos suspensivos. No soy tan diestro en la música pero también es una orquestación muy clásica. Lo más evidente viene después, al finalizar los créditos caemos en la preparación de una cena súper oligarca, súper elegante, súper detallada y los colores son saturados y cálidos. Daría la sensación que Guadagnino quiere mostrarnos que al interior de la frívola, moderna y progresista Milán existe la calidez y los lazos fraternales de una familia como patronazgo icónico, ejemplo a seguir.

No podríamos estar más equivocados. Guadagnino quiere destruir a toda costa la apariencia de esta buena familia. La rigidez de esos vestidos, la etiqueta para servir un fumé de pescado y el pecado de contradecir a la autoridad. Toda en sí, Io sono l’amore es una afrenta, un desprecio por ese statu quo y toda en sí es belleza tratando de defender su tesis. Desde la libre forma de la fuente caligráfica que compone el título de la peli hasta las estilizadas barras de una fuente humanista para informar eventos en la cinta, toda en sí son contrastes. Contrastes de un grado de sutileza muy altos pero de una profunda violencia. Tilda Swinton (productora de la peli) es una dama casada con el empresario Tancredi Recchi tan poderoso como alguien que pertence a la corte de una monarquía. La historia tiene muchas aristas pero el drama para mi se centra en esta mujer de mediana edad que descubrimos es una inmigrante rusa a la cual su esposo sedujo a olvidar sus raíces para poderse acoplar perfectamente en el emporio Recchi. De esta forma su nombre ruso ya no cabe más en su memoria, ahora tan sólo se llama Emma, nombre que se inventó su esposo y al cual responde ahora. Este melodrama italiano es la fábula de una dulce ave que está encerrada en la más bella jaula de todas, con barrotes finos de oro e incrustaciones de piedras preciosas; su agua es como la de un manantial virgen destilado directamente de un glaciar; su manto para dormir es de seda de la más pura y sin embargo su tentación de libertad es un manojo de alpiste primaveral y rústico que crece al lado de su ventana.

El reparto y la producción desarrollan la historia impecablemente pero Swinton de nuevo en un papel que rompe su esquema nos deja boquiabiertos. No porque no la hayamos visto oscura y viceral en Broken Flowers, ordinaria y mundana en Burn After Reading, sofisticada y elegante en Benjamin Button o perversa y de corazón de piedra en Michael Clayton pero ¿cándida?¿Vulnerable?¿Sometida? Eso es nuevo y lo hace exquisitamente. Y hablando de gusto, esa exquisitez sólo es posible acompañada de esa música gourmet de orquesta completa, dolor, pasión y drama (he descubierto que los cornos y los vientos de metal me encantan sobremanera en una composición musical para cine, casi tanto como los coros en las pelis de terror; en esta pieza el responsable es John Adams).

La peli toda es increíble a los sentidos, tan sólo hay que dejarse llevar por la música, las texturas, la fotografía y el gusto-olfato por la cocina. Hay un detalle increíble, el que creo paga la boleta, cuando Emma recibe la entrada diseñada especialmente para ella por Antonio, está acompañada por su suegra y se excita con el plato, se abstrae del lugar y ya no existen los Recchi, está ella sola, extasiada, iluminada, con su paladar sobrecogido ¡Qué escena! Me acabo de decidir, ya mismo la pongo en mi lista de deseos de Amazon.

We Need to Talk About Kevin

We Need to Talk About Kevin es una peli dirigida por la escocesa Lynne Ramsay, no muy conocida por su reducido portafolio y su tendencia independiente. Este corto me atrajo por varios motivos incluyendo de nuevo las referencias a las actuaciones destacadas (sobre todo de Tilda Swinton que dicen en esta pieza lo hace espectacularmente), lo segundo que Ramsay estuvo nominada por la Palma de Oro como mejor director y, finalmente, que no es muy usual con el cine independiente, al parecer la van a traer a salas también en septiembre lo que nos llena de expectativas en ese mes del año (igual los rumores van y vienen por ejemplo The Tree of Life rumorada para julio ya no tiene fecha de estreno, así que igual hay que tomarlo con calma).

We Need to Talk About Kevin es el drama de esta mujer interpretada por Swinton que siente una frustración enorme por sus deficiencias de comunicación, en una familia que parece no comprenderla.

No pude encontrar un corto promocional pero en la red abundan los extractos como el que pongo a continuación.

Tilda Swinton (Eva)
John C. Reilly (Franklin)
Ezra Miller (Kevin)

The Limits of Control

¡Bah! ¡Cómo me molesta que no traigan las pelis a cartelera! Pero por primera vez podría entender porqué no lo hicieron con The Limits of Control de Jim Jarmusch.

No es una justificación para la ceguera de nuestros distribuidores pero The Limits of Control es una peli compleja, de autor, no asimilable para el público comercial y un poco diferente a lo que nos tiene acostumbrados el director. Lenta, contemplativa, difícil de leer y si además se le suma que no ganó ningún premio pues pobres distribuidores dijeron «esto no lo vendemos nunca». No se si llegó a la Cinemateca Distrital o al Museo de Arte Moderno de seguro es una pieza que cuadra muy bien con el ciclo de pelis que rotan allí pero tampoco escuché rumores de algo parecido. A mi me tocó comprarla en Amazon y esperar a que me la trajeran.

Jarmusch en esta peli se descara en su sentido de coleccionador, como el mismo se denomima. Una persona que se encarga de recolectar constantemente tomas y tomas y tomas de una idea que tuvo en solitario mucho tiempo atrás en su solitario apartamento de Nueva York y que después de un tiempo, con un montón de gente que no conoce, trata de recrear.

Primero en Madrid y luego en Sevilla, la verborrea de imágenes exquisitas es imparable, desde el aeropuerto hasta la plaza, son incontables las tomas a las que nos enfrenta la pieza, tanto que uno termina con una ansiedad incontrolable de estar ahí para disfrutar de la vista, los museos, los cafés, las mujeres. El responsable ni más ni menos que Christopher Doyle un veterano cinematógrafo y director de fotografía que nos ha encantado en el pasado con In the Mood for Love, Hero, 2046 y Lady in the Water. Jarmusch dice que si anduviera en el rodaje con una pistola cargada pensaría en dispararla por lo menos dos o tres veces en cada cambio de toma por lo enfermo y perfeccionista en el asunto. A pesar de que las innumerables tomas coleccionadas sean hermosas, una peli no se puede armar de sólo buena fotografía.

Esta peli está basada en la serie B europea, tramas sencillas con hombres misteriosos vestidos de negro y corbata (Jarmusch es un poco más duro y habla de «basura europea» para referirse al género). Isaach De Bankolé protagoniza la historia de un solitario personaje que está a punto de cometer un crimen grandísimo, un magnicidio pero hay tanta parafernalia alrededor que uno termina por no creerle mucho y se pierde en la contemplación de estas bellísimas ciudades. Hay cosas muy interesantes, como por ejemplo Tilda Swinton interepretando a Jarmusch o John Hurt dando un punto de vista del porqué de las pelis de este autor pero la peli es demasiado exquisita, quiere pertenecer al género del Neo-expresionismo Alemán pero se esfuerza demasiado y al final no sale bien librada.